Cine Clube Ybitu Katu

28/01: Caros amigos (Mario Monicelli, 1975)

2012-01-27T16:04:00.000-08:00

Meus caros amigos - Mario Monicelli (1975)

Sinopse

Conhecido como "o rei da comédia italiana", o diretor Mario Monicelli dirigiu nos anos 70 está irreverente e engraçadíssima história sobre velhos amigos de escola. Através do jornalista e narrador Giorgio Perozzi conhecemos o cotidiano de cinco cinquentões que adoram pregar peças e passar trotes em quem se atreve a passar na frente deles. 140 minutos.

17/12: A Árvore da Vida (Terrence Malick, 2011)

2011-12-16T16:48:00.000-08:00

A Árvore da Vida - Terrence Malick (2011)

Sinopse
Boa parte do filme se passa nos anos 50. A trama gira em torno do casal O'Brien e seus três filhos. Jack (Sean Penn) é o irmão mais velho e, no começo da trama, está vivendo uma feliz e inocente infância com seus 11 anos. Tudo muda quando um dos irmãos morre e a família entra em desespero. A história passa então a mostrar a transformação do garoto Jack em um adulto perdido no mundo moderno e em constante busca pelo sentido da vida. Filme vencendor da Palma de Ouro de Cannes em 2011. Duração: 140 minutos.

Crítica: A Árvore da Vida (Terrence Malick, 2011)

2011-12-16T16:40:00.000-08:00

por Thiago Siqueira
Extraído de http://cinemacomrapadura.com.br/criticas/221712/a-arvore-da-vida-o-poder-da-setima-arte-em-obra-existencialista/

A Árvore da Vida: o poder da sétima arte em obra existencialista

O cineasta Terrence Malick realiza o seu filme mais ambicioso, propondo significativas questões filosóficas que irão repercutir na mente dos espectadores, independente de suas crenças. Uma experiência cinematográfica incrível.

O grande feito deste “A Árvore da Vida” é lidar com temas existenciais sem alienar religiosos ou ateus. Escrito e dirigido por Terrence Malick, o longa retrata quão magnífica e terrível a vida pode ser, fazendo isso em diversos níveis.

O mais presente deles é a luta interna de seu personagem central, Jack (Sean Penn), amargurado filho de um casal com ideologias completamente diferentes. A trágica morte do irmão mais jovem do protagonista, aos 19 anos, marcou aquela família para sempre, com este trauma ainda se fazendo presente muitos anos depois.

A escala da história contada por Malick é inacreditável, indo desde o Big Bang até os dias atuais. O cineasta cria uma narrativa única através de uma montagem não-linear. Algumas das elipses presentes em determinado ponto da produção avançam em centenas de milhares de anos, remetendo diretamente a “2001 – Uma Odisséia no Espaço”, de Stanley Kubrick, cujo estilo cinematográfico é referenciado por diversas vezes durante a projeção, inclusive de modo bastante gráfico em uma determinada tomada.

As lacunas presentes na produção devem ser preenchidas pelas próprias experiências do público, com este sendo confrontado e desafiado por questionamentos a cada momento, com o longa nunca apresentando respostas fáceis. Estaria o milagre da vida nos magníficos e aterrorizantes eventos que fizeram com que seres tão diferentes existam em nosso mundo ou escondido nas nossas interações com o meio e com nós mesmos? E como aceitar a existência de um Deus que nos interpõe tantos dissabores e dificuldades?

Dentre tantas perguntas, Malick parece ter uma certeza: a capacidade de amar e de se assombrar da humanidade é o que define a beleza e a razão da existência desta. Destarte, seriam os percalços e destruições que ocorrem durante nosso período nesta esfera azul o preço a pagar por tais maravilhas, uma parte inerente da incrível aventura que é viver?

Nada retratado nos contemplativos e longos planos estabelecidos pelo diretor é por acaso, com a menção explícita ao livro de Jó se mostrando precisa. Aceitar acontecimentos negativos se torna difícil para aqueles que, instintivamente, visam uma noção egoísta de bem estar.

Neste ponto, surge o conflito entre a Mãe (Jessica Chastain) e o Pai (Brad Pitt) de Jack. Fincando este ponto da narrativa nos anos 1950 – a era do self-made men americano -, presenciamos o crescimento do pequeno Jack (Hunter McCracken), seu amor pelo irmão fadado à morte e sua evolução de criança inocente até o adulto sem alegria que vimos ao encontrá-lo pela primeira vez. As performances que o diretor extrai do elenco, principalmente do trio Pitt, Chastain e McCracken, são absolutamente arrebatadoras, com a dinâmica familiar sendo extremamente beneficiada pela química entre os atores.

A forma autoritária e dura com a qual Jack e seus irmãos são tratados pelo austero Pai esconde um amor palpável e um desejo de que seus filhos consigam ser donos de si mesmos, de suas existências, de seus sonhos. Tal ponto de vista é contrastado pelo carinho incondicional que os garotos recebem da Mãe, que absorve as dificuldades da vida de forma aparentemente passiva, sem entrar em conflito direto com seu esposo, jamais traindo sua natureza abnegada e bondosa, dotada de uma compaixão que lhe vem sem esforço.

O Pai é visto como uma figura relativamente ausente e, ao aparecer, notamos primariamente suas características menos agradáveis, com até mesmo sua paixão pela música se tornando uma fonte de ressentimento. Mesmo assim, o público jamais sente antipatia pela figura paterna exatamente por ser tangível o amor que este sente por seus filhos, ainda que o sentimento se manifeste de formas pouco carinhosas e nada complacentes. Notem que ele trabalha em uma fábrica, sempre lidando com elementos artificiais. Dono de várias patentes, o longa ressalta que o Pai é um inventor, um criador, deixando bastante clara esta metáfora em relação a Deus.

Enquanto isso, a Mãe é enquadrada por uma viés acolhedor, sempre em comunhão com seu meio, seja no seio do lar ou no verde da grama sobre a qual pisa com seus pés descalços. Suas interações com os filhos ocorrem de maneira leve, descontraída, com ela sempre banhada em uma luz que aparenta ser quente e acolhedora, tal como sua personalidade, dando-lhe um ar quase etéreo.

Mãe e Pai são vistos quase como partes de uma espécie de “santíssima trindade” para Jack que, aos poucos, vai conhecendo mais sobre si mesmo. Desta noção, há um novo questionamento: Pai, o pequeno Jack e Mãe representariam “Pai, Filho e Espírito Santo” ou ”Superego, Ego e Id” para o protagonista? Repare que, a despeito do Jack adulto ser a alma conflituosa que nos leva nesta jornada, é pelo ponto de vista de sua versão jovem que enxergamos a lide interior do personagem, até a sua catarse final.

Contando com uma fotografia irretocável, ótimos efeitos especiais e embalado pela belíssima trilha sonora de Alexandre Desplat (reforçada por composições clássicas, tais como “Vltava”, de Bedřich Smetana), “A Árvore da Vida” é uma obra repleta de simbolismos e significados. Trata-se não apenas de um filme, mas do poderoso retrato de um artista sobre a própria natureza da vida. Recomendado.

Programação Dezembro de 2011: Terrence Malick

2011-12-16T16:33:00.000-08:00

A nossa programação de dezembro será sobre o renomado diretor norte-americano, vencedor da Palma de Ouro deste ano, Terrence Malick.

O Cine Clube Ybitu Katu exibe:

03/12: Terra de Ninguém (Terrence Malick, 1973)

É partindo de um confronto com o habitual, o instituído e o cotidiano miserável a que estão confinados, que o casal protagonista de Badlands, após o assassinato do pai de Holly por Kit, abando- nará a cidadezinha onde moram para embarcar nu- ma jornada amoral marcada por certos momentos de tragédia como também por tantos outros de ple- nitude de vida. Duração: 90 minutos.

10/12: Dias nos Paraíso (Terrence Malick, 1978)
Um dos mais aclamados filmes de todos os tempos, Dias de Paraiso é uma comovente história sobre dois homens que amam a mesma mulher. Richard Gere, um fugitivo da periferia de Chicago, enfrenta um tímido e rico texano (Sam Shepard) pelo amor de Abby (Brooke Adams). Uma extraordinária realização visual e sonora do roteirista e diretor Terrence Malick. Duração: 98 minutos.

17/12: A Árvore da Vida (Terrence Malick, 2011)
Os O'Brien (Brad Pitt e Jessica Chastain) tiveram três filhos, criados com grande rigidez pelo pai. O mais velho deles, Jack (Sean Penn), sempre teve atritos com o pai, em parte por reconhecer em si mesmo um pouco dele. Além disto, já adulto, Jack enfrenta um forte sentimento de culpa devido à morte de seu irmão. Filme vencedor da Palma de Ouro em Cannes 2011. Duração: 140 min.

26/11: Curta-metragem: Canabraba - A Necessidade da Expressão e Longa-Metragem: O Profeta das Águas - COM A PRESENÇA DE REINALDO VOLPATO

2011-11-26T06:01:00.000-08:00

Curta-metragem: Canabrava - A Necessidade da Expressão (Romildo Sant'Anna e Reinaldo Volpato, 1987)
Documentário sobre os irmãos Scarelli, dois bóias frias que pintam quadros. Recebeu o prêmio de melhor filme no Rio Cine Festival em 1988.

Longa-metragem: O Profeta das Águas (Leopoldo Nunes, 2005; Produção e Montagem: Reinaldo Volpato)

De 1986 até 2005, o diretor acompanhou a Aparecido Galdino Jacintho, conhecido como Profeta das Águas. O líder religioso liderou, nos anos 70, em plena ditadura militar, um exército de salvação para proteger o rio Paraná da construção da hidrelétrica de Ilha Solteira. Galdino ficou detido como preso político no DOPS e DOI-CODI e depois foi internado no hospital psiquiátrico de Franco da Rocha. Hoje, aos 80 anos, Aparecido Galdino ainda não perde a oportunidade de profetizar, tendo voz ativa na comunidade onde vive. Recebeu o prêmio de melhor filme de longa metragem no VIII Festival Internacional de Cinema Ambiental – Goiás, prêmios de melhor diretor, melhor documentário, melhor longa metragem e melhor filme no Festival de Cinema Ambiental de Pacoti – Ceará, prêmio melhor filme tema “água” do Ecocine, São Paulo Direção: Leopoldo Nunes. Montagem e produção: Reinaldo Volpato. Duração: 83 minutos.

NÃO PERCAM: A SESSÃO CONTARÁ COM A PRESENÇA DO DIRETOR, MONTADOR E PRODUTOR REINALDO VOLPATO. APÓS A SESSÃO, REINALDO VOLPATO PARTICIPARÁ DE UM DEBATE SOBRE OS SEUS FILMES.

Acesse aqui o artigo: Reflexões sobre Cinema e História: O Filme “O Profeta das Águas” na
perspectiva histórica escritor por Silmara Cristiane Fonseca, mestra em História Social FFLCH/USP.

Biografia: Reinaldo Volpato

2011-11-26T05:57:00.000-08:00

Cineasta formado pela ECA/USP em 1975 é diretor, produtor, roteirista e montador de filmes cinematográficos e programas de televisão. Dirigiu o longa metragem ABRASASAS e os curtas Doces e Salgados, Bóias Frias, Pau pra Toda Obra, Pergunta de Amor, Paixão Maria, Canabraba – A Necessidade da Expressão e Linhas Tortas, todos com eles com inúmeros prêmios em festivais nacionais. Na TV Cultura foi repórter no programa Hora da Notícia e diretor do RTC Interior e do Viola, Minha Viola; foi montador dos programas Globo Repórter, Domingo Gente e Jornal Hoje e diretor do Gente Que Faz; foi gerente executivo de programação da TV Brasil. Produziu e montou O Profeta das Águas em parceria com a TV Cultura e TV SESC e dirigiu Os Favoritos dos Santos Reis, ambos documentários. Está produzindo o documentário A Moda É Viola em co-produção com a TV Cultura e o longa metragem ficção Estranhas Cotoveladas, na cidade de Botucatu.

19/11: Curta-metragem: Blábláblá (Andrea Tonacci, 1968) e Longa Metragem: Bang Bang (Andrea Tonacci,1971) - COM A PRESENÇA DE ANDREA TONACCI

2011-11-18T12:44:00.000-08:00

Blábláblá - Andrea Tonacci (1968)

Sinopse

O sentido do poder e da palavra em crise situam o homem que os manipula numa idêntica crise pessoal, humana. A farsa do discurso de intenção humanista é total e absoluta. Um ditador num momento de uma grave crise nacional, institucional, confrontado na cidade e no campo por revoltas e guerrilha, na busca de uma paz ilusória, faz um longo pronunciamento pela televisão. Mas a realidade impõe-se à sua ficção e o controle da situação escapa-lhe das mãos. Sobra-lhe uma patética confissão antes de ser tirado do ar. Duração: 28 minutos.

Bang Bang - Andrea Tonacci (1971)

Sinopse

Homem neurastênico que, durante a realização de um filme, se vê envolvido em várias situações como o romance com uma bailarina espanhola, perseguições, discussões com um motorista de táxi e o enfrentamento com um bizarro trio de bandidos. Um dos filmes mais revolucionários da história do cinema brasileiro. Duração: 86 minutos.

NÃO PERCAM: A SESSÃO CONTARÁ COM A PRESENÇA DO DIRETOR ANDREA TONACCI. APÓS A SESSÃO, ANDREA TONACCI PARTICIPARÁ DE UM DEBATE SOBRE OS SEUS FILMES E A PRODUÇÃO CINEMATOGRÁFICA BRASILEIRA.

Biografia: Andrea Tonacci

2011-11-18T12:33:00.000-08:00

Sem dúvida um dos maiores nomes do cinema nacional, Andrea Tonacci nasceu em Roma em 1944 e veio para ao Brasil com a família aos nove anos de idade, indo morar em São Paulo, onde reside até hoje. Foi pioneiro no país no uso de equipamento de vídeo portátil e um dos principais integrantes do chamado Cinema Marginal, ao lado de Rogério Sganzerla, Julio Bressane e Carlos Reichenbach. Seu primeiro filme foi o curta Olho por Olho (1965). Depois, vieram Blablablá (1968), com Paulo Gracindo, e o clássico Bang Bang (1970), considerado obra-prima do Cinema Marginal e um dos maiores filmes da história do cinema nacional. Entre 1977 e 1984, foi bolsista da John Simon Guggenheim Memorial Foundation, dedicando-se à pesquisa da linguagem audiovisual. Nesse mesmo período, realizou ampla documentação das culturas indígenas das Américas, com filmes como Conversas do Maranhão (1977), Guaranis do Espírito Santo (1979) e Os araras (1980/81). Nos anos 2000, volta a produzir um longa-metragem, o aclamadíssimo Serras da Desordem (2006), premiado em diversos festivais nacionais e internacionais e considerado por muitos, um dos melhores filmes brasileiros do século XXI. Atualmente, ele produz, escreve, dirige e fotografa documentários, ficcção e filmes institucionais. Ele ainda possui e dirige a Extrema, uma produtora dedicada a filmes independentes.

Crítica: Bang Bang (Andrea Tonacci, 1971)

2011-11-18T12:25:00.000-08:00

por Carlos Fernandes
Extraído de http://setimofilme.wordpress.com/

UM CINEMA ANTIFILME

Um cinema que se afasta do filme. Que o nega. Por vezes, o ridiculariza. E continua sendo cinema. Em estado puro. Seria possível? Basta assistir Bang Bang e você poderá verificar como. Para vocês terem uma idéia, é muito difícil elaborar uma boa sinopse do filme. A melhor sinopse possível do filme é feita por um de seus próprios personagens: “Era uma vez três bandidos muito maus. Dizia-se que um deles era a mãe dos outros, mas nada se sabia ao certo. Roubavam tudo, matavam tudo, comiam tudo. Mas isso também não se sabia ao certo”.

E, mesmo assim, está muito, mas muito aquém do que realmente é este filme. Ou seria um antifilme?

Um cara discute com um taxista, o mesmo cara aparece com uma cabeça de macaco e canta para o espelho, bandidos dão tiros para todo o lado e comem o tempo todo, o mesmo cara que discutira com o taxista trava dois diálogos totalmente non-sense com um bêbado e, posteriormente com uma mulher. Ao fundo da discussão com a mulher, os assaltantes fazem caretas. O macaco aparece em um tiroteio. O cara discute com o taxista novamente. Tudo isso acontece, sem lógica nenhuma, sem ligação nenhuma, tudo solto, deixando-te atordoado. Há um enorme esforço anti-narrativo. O diretor Andrea Tonacci explode a narrativa e tenta recolher os cacos dela. Depois de recolhidos, explode novamente. E faz isso ciclicamente, ao longo de todo o filme. Ao final, o bandido “mãe”" tentar nortear a narrativa e fala aquele texto que transcrevi no primeiro parágrafo. Você fica esperando por mais e eis que então surge uma torta que atinge sua cara, no melhor estilo O Gordo e o Magro. E a narrativa explode novamente. E você continua atordoado, sem entender nada.

Ou melhor, entendendo nada, mas ao mesmo tempo, entendendo tudo. Sim, entendendo tudo. E, de repente, você deixa de estar atordoado pela aparente falta de lógica dos planos, mas atordoado por conta da espetacular beleza cinematográfica do filme.

Bang Bang faz parte de um movimento cinematográfico brasileiro que foi chamado de Cinema Marginal surgido no final da década de 60 e que tem como marcos iniciais A Margem (Ozualdo Candeias, 1967), Matou a Família e foi ao Cinema (Julio Bressane, 1968) e o ES-PE-TA-CU-LAR O Bandido da Luz Vermelha (Rogério Sganzerla, 1968). O Cinema Marginal surge como um contraponto ao Cinema Novo, acusando-o de ter se aburguesado, de ter se tornado mercadoria, de ter se tornado um cinema de estética européia, longe do contato com a realidade brasileira. O Cinema Marginal propunha uma radicalização, que os filmes deveriam ser sujos, “mal feitos”, narrativamente desestruturados. Propunham uma “estética do lixo”, um estilo que seria mais apropriado para um país pobre e dominado como o Brasil. Realizar um cinema totalmente subdesenvolvido. Julio Bressane, diretor marginal, diria em uma entrevista: “Do jeito que está, só temos uma maneira de filmar: com lixo”.

O Cinema Marginal preocupou-se em descrever a identidade subdesenvolvida brasileira, exibindo as nossas maiores vergonhas: a alienação, o comodismo e a falta de educação. Pelas telas desfilavam personagens renegados à margem, da boca do lixo, como trabalhadores braçais, bandidos (que viram heróis, como O Bandido da Luz Vermelha), traficantes e prostitutas. Devido a esse subdesenvolvimento do povo e dos tempos de censura e repressão por conta da ditadura militar, os cineastas marginais eram pessimistas em relação à transformações políticas e socias e recheavam seus filmes com ironia, deboche e sarcasmo, as únicas armas que viam como instrumentos para denúncia social do país. No filme, O Bandido da Luz Vermelha, o próprio bandido fala uma frase que resume bem essa proposta: “Quando a gente não pode fazer nada a gente avacalha… avacalha e se esculhamba.” Entretanto, essa esculhambação não trazia satisfação; carregava-se os filmes de agressividade como forma de auto-flagelação.

Bang Bang talvez seja o mais debochado e ousado filme do movimento. Além de exibir as características dos filmes marginais, ele vai além na questão da desestruturação narrativa e rompe totalmente com ela, propondo um completo descomprometimento com a linha narrativa. É a torta na cara quando o bandido vai explicar a história. Além disso, Tonacci deixa a câmera visível e rompe com a barreira público/filme; nos colocando em direto contato com os personagens. Os bandidos riem para a câmera porque estão rindo de nós, sujos, pobres, subdesenvolvidos. Somos ignorantes como eles. Os diálogos são grosseiros porque somos grosseiros. É um macaco que canta “Eu sonhei que estavas tão linda” e nós assistimos. Por fim, Tonacci ainda satiriza os filmes policiais americanos, desconstruindo os tiroteios, perseguições de carro e a figura do bem contra o mal. Naquele momento, no Brasil, os carros não perseguiam os bandidos e era muito difícil de diferenciar esses dos mocinhos.

Assistir Bang Bang nos coloca para refletir sobre a covardia do cinema nacional dos últimos anos. Salvo uma ou outra exceção, sinto que atualmente falta coragem para se romper barreiras e buscar um novo cinema, sem fórmulas, sem convencionalismos. Precisa-se buscar uma visão ousada e inovadora. Buscar uma nova maneira de fazer cinema. Uma nova maneira de se expressar artisticamente. Que Bang Bang sirva de inspiração.

Crítica 2: Bang Bang (Andrea Tonacci, 1971)

2011-11-18T12:18:00.000-08:00

por Bruno Cava
Extraído de http://www.quadradodosloucos.com.br/276/critica-bang-bang-andrea-tonacci-1971/

Se fosse lançado hoje, Bang Bang dificilmente se adaptaria às demandas dos multiplexes. E não porque brasileiro não gosta de cinema brasileiro — qual brasileiro, qual cinema? Mas porque seu significado não pode ser instantaneamente consumível. Sem circulação desvairada de imagens e sem as facilidades de artifícios e clichês do cinemão, não dá pra ver de relance. Este não é “fast-food”.

Primeiro longa de Andrea Tonacci, reúne todos os elementos para ser tachado de pretensioso. Desestrutura a ordem narrativa, não tem enredo coerente, desconstrói continuamente seus pressupostos cinematográficos. Signo de uma arte profundamente consciente de si mesma, como no primeiro Godard, Bang Bang interroga as premissas implícitas com que o abordamos, e brinca com os nossos hábitos de percepção. Daí os personagens portarem-se explicitamente como atores e a câmera comparecer na ação. São vários episódios autônomos, sempre com ação absurda e diálogos insólitos. Há planos elaborados de interiores, e longos travellings em ruas e estradas. Os personagens entre o grotesco e o icônico incluem o cantor boçal (Paulo César Pereo), o mágico, a musa lânguida saída do cinema mudo, três metralhas absolutamente indefectíveis: um cego armado de revólver, um galã cafajeste, um travesti comilão. O áudio imprevisível freqüentemente contrapõe-se à imagem.

Então, é disso que se trata o filme? dotar-nos de consciência crítica diante do material fílmico e desacreditar as operações de ilusão? Seria essa a razão da presença do mágico, abduzido de Meliés? uma violência exasperada contra o código? Se assim fosse, seria justo o adjetivo “pretensioso”. Está-se em 1971 e pouca a pertinência para repetir a década anterior, na sua obsessão nuvelevaguesca em afirmar um cinema moderno e autônomo. Com menos razão ainda, se se tratasse de mero exercício de estilo por Tonacci, em academismo ou autorismo bobos. Toda poética autofagocitante padece de sério defeito, que é pressupor a imersão do espectador na história dessa arte, e assim tê-lo por adestrado em seus métodos e técnicas. Há quem considere o autoquestionamento permanente o motor e a essência da arte moderna, do impressionismo à Pop Art. Tradição moderna, traição moderna. No entanto, se, por um lado, não se deve subestimar o público; por outro, não há razão de considerá-lo um cinéfilo selvagem que viu todos os filmes do universo e perscruta a compreensão total da arte. Além disso, um cinema que celebra a si mesmo já é caduco de nascença. E um filme para cineastas, um luxo decadente. Não.

A força de Bang Bang reside mais no jogo livre de dissolução de significados do que na autoconsciência crítica. Mais numa erótica fílmica que escancara a obra e se excita por entre seus signos, do que na ruptura de convenções e códigos. Assim, essencialmente anárquico, o longa tem afinidades com o extremo rigor formal de O Bandido da Luz Vermelha (Sganzerla, 68), na segurança da direção e na recombinação de gêneros. Ao mesmo tempo em que se filia ao estado delirante de Ritual de Sádicos (Mojica, 69), na demência dos personagens e suas frases desconexas. Podem-se tirar inúmeras interpretações do mosaico polissêmico de Bang Bang. Veja-se a palestra de Ismail Xavier, que vai junto do DVD. Multiplica sentidos das cenas mais desconcertantes e demostra como a irresignação de Bang Bang responde à logica do cinema meramente reprodutor, impotente para fecundar seu tempo. Antes por admiração que preguiça, faço remissão às notas do crítico. Ali, ao invés de decifrar charadas ocultas, o que seria simbolismo decrépito, ele arrisca linhas interpretativas e constrói vis-a-vis com o autor a potência do filme.

Uma obra aberta e desafiadora.

12/11: Noite Vazia (Walter Hugo Khouri, 1964)

2011-11-12T08:17:00.000-08:00

Noite Vazia - Walter Hugo Khouri (1964)

Sinopse

Dois amigos contratam os serviços de uma dupla de prostitutas. O que seria uma noite de prazer acaba se transformando em um embate entre os quatro, revelando pouco a pouco, suas angústias e ressenti-mentos e aflorando seus sentimentos mais íntimos e profundos. Indicado à Palma de Ouro em Cannes, 1965. Duração: 91 minutos.

Crítica: Noite Vazia (Walter Hugo Khouri, 1964)

2011-11-12T07:53:00.000-08:00

por Tiago Canário
Extraído de http://www.ufscar.br/rua/site/?p=16

Os dramas perpétuos
Um passeio pela noite khouriana

“Não existe mais vida noturna, meu filho. Estou louca para que comece de uma vez a abençoada temporada na praia”, lança Doralina Soares, personagem coadjuvante em seu curto momento de aparição no longa-metragem Noite Vazia, de Walter Hugo Khouri. O filme, em seus 98 minutos de duração, prova o contrário. Mais do que mera vida social, festa e diversão, a vida noturna que pulsa na obra é a vida psicológica, os meandros das mentes dos quatro personagens que se encontram no apartamento imerso na noite escura de Khouri.

A partir da seqüência de apresentação dos créditos, já tomamos consciência do peso do filme que está por vir. Envolvidos pela música soturna, densa e contida de Rogério Duprat, somos apresentados a uma série de manequins carcomidos. São rostos e bustos semidestruídos, expostos parcialmente, acobertados que estão pelas sombras, presentes física ou psicologicamente por todo o filme. Mas basta atentar um pouco à cena para perceber que nós não somos os únicos observadores – as faces desfiguradas nos espreitam. Juntam-se, aqui, as mãos praticamente roídas que se estendem na escuridão, que se sobrepõem em imagens – mas nunca se tocam. Altamente representativo na obra, o gesto adianta a distância e o deslocamento dos personagens entre si e da realidade.

E se a densidade anterior nos causa certo estranhamento, posta assim como está, a seqüência seguinte, na qual nos é apresentada a cidade, é igualmente marcante. Filme intimista, Noite Vazia não se prende à cidade-locação, que, aqui, poderia ser genericamente qualquer uma; o importante neste centro urbano nos é evidenciado no modo como Khouri o constrói: uma São Paulo dos anos 60, com aproximadamente cinco milhões de habitantes, em um recorte urbano. São cenas do trânsito e de prédios que acompanham a escuridão dos créditos iniciais. Também rodeada pelo peso da música de Duprat, a cidade, em alguns momentos, apresenta-se como um ideal metropolitano, formada por prédios altos, letreiros luminosos e um trânsito intermitente; em outros, torna-se mais clara a sua releitura como um centro disforme, turvo, perdido em meio às sombras da noite khouriana – seca.

Cabe aqui uma pequena inferência. Apesar das escuras e difusas ruas da metrópole, as casas, os interiores, são predominantemente claros. Os ambientes internos são inversamente mais limpos e iluminados – em determinados momentos, inclusive, uma iluminação excessiva. Nestes, ao tentar reconstruir uma luz natural, consegue-se mais um deslize técnico, um defeito. Sobretudo em relação às luzes vindas da rua, que atravessam a janela e se projetam sobre as paredes do apartamento; a intensidade é tamanha que se torna inacreditável sua origem, pois a força das cenas externas, sobretudo as iniciais, crava em nossas mentes a escuridão na qual submerge a cidade. E, ainda assim, evidenciando a sombra noturna e buscando a luz mais próxima possível da natural, no momento em que amanhece, a iluminação da locação, estranhamente, sofre uma alteração quase imperceptível. O ambiente se torna um pouco mais claro (muito menos do que seria crível em um apartamento normal), sendo a certeza da mudança noite-dia dada somente com os takes da cidade vista através da janela.

O ritmo do filme, por sua vez, é um ponto interessante. Ainda que inquestionavelmente bem construído, constante e fluente, é destoante. Ou melhor, mal escolhido. A obra procura trabalhar a angústia frente à realidade e aos dramas psicológicos; tudo sem qualquer perspectiva de solução. Trata-se, o filme, de um grande ciclo, uma angústia físico-mental de quatro personagens que permanecem em suas rotinas, testando uma saída que, desde já, reconhecem falha. É o retrato de uma noite que foi igual à anterior e será igual à próxima: todos estão conscientes de suas agonias, mas repetem seus gestos como que para preencher um tempo/vazio impreenchível, como uma grande encenação em busca de uma solução que já não esperam. Admitido isto, o ritmo esperado seria arrastado, contido, sofrido como os protagonistas. O que percebemos, não obstante, é algo mais aliviado, leve em alguns momentos, com takes não muito longos – o oposto do peso requerido pela obra. O ritmo funciona bem, mas para outro filme.

Talvez a opção pelo ritmo mais brando seja a aproximação de um filme mais “palatável”. Contemporâneo às produções do Cinema Novo brasileiro que ainda se distanciavam visivelmente do consumo cinematográfico geral, Khouri, é possível, mesclou em sua obra aspectos que a tornassem mais acessível ao grande público. Ou ao que aguça o imaginário de parte deste: consideramos, aqui, a cena de lesbianismo entre Regina (Odete Lara) e Mara (Norma Bengell). É um dos poucos momentos em que o sexo é tão trabalhado e evidenciado – embora não possamos negar a qualidade com a qual o diretor conduz a seqüência e constrói o desconforto de Mara e o exibicionismo de Regina. A montagem da obra é sutil e precisa; transmite o necessário. Sendo assim, Khouri, utilizando certos pontos com ou sem a intenção de aproximar-se do público, apresenta-os sempre coesos e bem desenvolvidos. Ele consegue que até mesmo seus aspectos/cenas desafinados sejam agradáveis.

Aproveitemos também para analisar uma pista deixada pelo diretor em seu filme. No final da madrugada, perdido em si, Luís (Mário Benvenutti) se senta para folhear algumas revistas deixadas sobre a mesa da sala. Em uma destas, o anúncio da viagem do homem à Lua; é perceptível o recorte da câmera para possibilitar a leitura da frase: “As pesquisas espaciais são, na realidade, vitais à sobrevivência da espécie humana”. Percebemos aqui a ironia de Khouri. Inserido em um momento histórico que ainda vivia as corridas armamentistas e espaciais da Guerra Fria, o diretor pouco se interessa por discuti-las; apresenta-as como de pirraça – mostra-as justamente para lembrar-nos de que não falará sobre elas. Khouri não abraça o mundo para modificá-lo ou contestar a situação em que se encontra; recorta decididamente os dramas intimistas de uma burguesia metropolitana, retratando-a sem qualquer perspectiva de melhora. É cinema sem esperanças. Ainda assim, não podemos ignorar que o destaque dado à frase também possa ser entendido como uma crítica feita a uma sociedade que ignora a degradação psicológica de seus indivíduos, mas clama inflamada pela inovação tecnológica.

Produzido em um esquema de cinema independente, Noite Vazia teve sua produção distante das grandes produtoras, restringindo-se quanto ao uso de meios técnicos, o que se evidencia no uso da já tratada iluminação ou da captação do áudio, de difícil compreensão em alguns instantes. Sofreu, ainda, como qualquer obra afastada das grandes corporações, problemas em sua distribuição e exibição, o que dificulta o acesso às suas cópias e o mantém como mais um dos grandes filmes brasileiros não vistos por sua população, conhecidos apenas por um pequeno grupo cinéfilo. Tal mecanismo de produção independente, porém, possui suas qualidades, visto que não se prende às regras comerciais. A obra de Khouri, portanto, encontrou-se livre para se construir a partir de um esquema de autor, esteticamente livre. Filme singular, afasta-se até mesmo do já esperado (e cultuado) modelo de cinema independente do período, o Cinema Novo. Foge, a mais, do esperado diálogo com os problemas nacionais; revela-se um filme possível em qualquer outro país. Neste estado, distante dos dois pólos de produção famosos no período, Noite Vazia alcança a liberdade em sua linguagem de proposta intimista e sem elaborações de acusações ou respostas em seu discurso.

Mas ainda que juntássemos todos os seus problemas, seu corpo não seria abalado; permaneceria como uma das memoráveis obras do cinema brasileiro. E, na verdade, não se precisaria dizer muito do filme; caberia, enquanto resumo da obra, uma simples frase pronunciada pelo personagem Nelson (Gabriele Tinti): “o que é diferente sempre tem dono”.

04/11: O Saci (Rodolfo Nanni, 1951)

2011-11-04T17:24:00.000-07:00

O Saci - Rodolfo Nanni (1951)

Sinopse

O filme narra as aventuras de Pedrinho, Emília e Narizinho, os inesquecíveis personagens do Sítio do Pica-Pau Amarelo, às voltas com criaturas fantásticas do folclore brasileiro, como o Saci-Pererê e a Cuca, que aparecem para perturbar a tranquilidade de sua vida no campo. Para resolver os mistérios que assombram o Sítio, os três inseparáveis amigos se embrenham na floresta à procura do travesso moleque de uma perna só. Com este filme, Rodolfo Nanni ficou com o mérito de ter feito a primeira produção infantil importante do cinema brasileiro. Além disso, esta é a primeira e única adaptação para o cinema da obra de Monteiro Lobato, que, por sua vez, se inspirou na lenda do Saci-Pererê. O diretor teve uma excelente equipe para essa empreitada: fotografia de Ruy Santos, música de Cláudio Santoro e, o jovem Nelson Pereira dos Santos, como assistente de direção. Duração: 64 minutos.

Programação Novembro de 2011: ESPECIAL DE ANIVERSÁRIO: Grande Realizadores do Cinema Nacional

2011-11-04T16:47:00.000-07:00

É com muito prazer que anunciamos a nossa programação especial do mês de novembro. É especial porque comemoramos o nosso aniversário de 3 anos de atividades initerruptas. Para isso, temos dois convidados mais do que especiais:
DIA 19 DE NOVEMBRO: ANDREA TONACCI (foto acima) para a exibição de seus filmes Blábláblá (1968) e Bang-Bang (1972) e discussão sobre seus filmes e a produção cinematográfica brasileira.
DIA 26 de NOVEMBRO: REINALDO VOLPATO (foto abaixo, ao lado de Leopoldo Nunes) para a exibição de seus filmes Canabraba - A Necessidade da Expressão (1987) e O Profeta das Águas (2005) (Direção: Leopoldo Nunes; Montagem e Produção: Reinaldo Volpato.

Confira abaixo a programação completa:
05/11: O Saci (Rodolfo Naninni, 1951)
12/11: Noite Vazia (Walter Hugo Khouri, 1964)
19/11: COM A PRESENÇA DO DIRETOR ANDREA TONACCI
Curta-metragem: BláBláBlá (1968)
Longa-metragem: Bang Bang (1968)
26/11: COM A PRESENÇA DO DIRETOR E MONTADOR REINALDO VOLPATO
Curta-metragem: Canabraba: A Necessidade da Expressão (1987)
Longa-metragem: O Profeta das Águas (2005) (Direção: Leopoldo Nunes; Montagem e Produção: Reinaldo Volpato)

29/10: A Infância de Ivan (Andrei Tarkovski, 1962)

2011-10-28T05:18:00.000-07:00

A Infância de Ivan - Andrei Tarkovski (1962)

Sinopse
Durante a Segunda Guerra Mundial, Ivan é um garoto russo de 12 anos de idade que trabalha como espião. Por ser ainda uma criança, ele pode tranquilamente cruzar as linhas alemãs sem ser percebido e assim conseguir informações privilegiadas para o exército soviético. Por sua coragem, três oficiais russos fazem de tudo para preservar a vida do garoto. Trabalho que marca a estréia em longa-metragem do jovem Andrei Tarkovski. Bem recebido pelo público e crítica, o filme foi o grande vencedor do Leão de Ouro em Veneza, desbancando filmes dos consagrados Godard, Kubrick e Pasolini. Duração: 95 minutos

Após a sessão, haverá um debate sobre o filme com o psicológo Augusto Sérgio Calille.

Crítica: A Infância de Ivan (Andrei Tarkovski, 1962)

2011-10-28T05:08:00.000-07:00

por Gilberto Sila Jr.
Extraído de http://www.contracampo.com.br/61/infanciadeivan.htm

Na virada entre as décadas de 1950 e 60, diversas cinematografias começaram a ganhar prêmios em festivais e espaço no mercado internacional. Limitado pelas políticas culturais estalinistas, o cinema russo chama a atenção com dramas passados na segunda guerra, vistos então como líricos ou poéticos - Balada do Soldado e Quando Voam as Cegonhas os mais conhecidos – que o tempo mostrou serem demasiado piegas e submissos aos ditames do "realismo socialista". Leão de Ouro no Festival de Veneza de 1961 e escrito por Vladmir Bogomolov a partir de um conto de sua autoria, A Infância de Ivan poderia ter sido apenas mais um desses dramas, não houvesse o projeto sido entregue a um jovem cineasta que faria então sua estréia em longa-metragem: Andrei Tarkovski. Este havia chamado a atenção com o média O Rolo Compressor e o Violino e assume o comando com o projeto já em andamento. A Infância de Ivan, portanto, não é um trabalho de todo autoral, mas Tarkovski já começa a impor sua marca e estilo pessoais, que ficariam mais evidentes a partir do segundo longa, Andrei Rublev.

As primeiras imagens, com Ivan em meio à floresta e recebido por um sorriso materno, que dão uma falsa idéia de que o filme seria mais um espetáculo de lirismo sentimental, são bruscamente interrompidas por explosões, que acordam o garoto de seu sonho. Refugiado num moinho, Ivan foge dos alemães atravessando um rio. Quando ele chega a um posto do exército russo, vemos que o rosto demasiado sério e embrutecido do garoto de doze anos, um olheiro do exército russo, contrasta com o do Ivan que antes fora visto interagindo em paz com a natureza. Em poucos momentos está definida a linha central do filme, que alterna a dura realidade da guerra com os sonhos de Ivan, evocativos de um passado de pureza, antes de sua família ter sido massacrada pelos nazistas. Essa visão da guerra através dos olhos de uma criança ou jovem que dela participa de forma ativa mostra-se praticamente uma tradição no cinema russo, vindo a render posteriormente outros ótimos filmes como Vá e Veja ou Não se Mova, Morra, Ressuscite.

Aos poucos vamos percebendo que Ivan e a guerra são indissociáveis. Sua figura frágil contrasta com sua postura dura e autoritária, até mesmo para com oficiais superiores, que desejam tirá-lo das linhas de combate e enviá-lo a uma escola militar. Ele foge, como antes houvera fugido do orfanato, insistindo em ser enviado a uma nova missão. Mesmo imerso em desejos de vingança e completamente ciente de seu destino, Ivan consegue construir entre as tropas um substituto para o meio familiar (principalmente com o tenente Galtsev e o capitão Kholin, que o acompanham em missão) e cria, a seu modo, com maturidade e sem inocência, um espaço lúdico no campo de batalha. A pureza fica para os sonhos. Essa maturidade de Ivan, como também dos protagonistas dos outros títulos citados no parágrafo acima, se opõe sobremaneira à visão de personagens de filmes americanos que vivenciam a guerra na infância, caso de Império do Sol de Spielberg, onde o protagonista segue idealizando a guerra em sua cabeça e vendo os aviões como imensos brinquedos.

É, portanto, essa visão banhada em desilusão que distingue A Infância de Ivan de seus demais congêneres no cinema russo da época. Isso somado ao estilo, então nascente, que Tarkovski acaba por impor. Já estão presentes elementos característicos de obras posteriores: uma complexa interação homem-natureza, vista em vários momentos de Andrei Rublev; um mergulho, ainda que incipiente, no processo mental da personagem, que viria a ser radicalizado em Solaris; o retorno onírico aos idílios do passado, presentes com força em O Espelho; ou a visão da margem oposta do rio, ocupada pelos alemães, como um desconhecido a ser explorado, ponto de partida de Stalker. Tarkovski também já demonstra seu gosto e talento para conceber imagens elaboradas com um virtuosismo que jamais se aparenta excessivo perante o conjunto. Como, por exemplo, na genial seqüência em que Kholin flerta com Masha na floresta, coroada por um dos mais belos planos jamais filmados, quando ele rouba um beijo da moça segurando-a sobre uma vala com as pernas entreabertas.

Mesmo deixando sua marca principalmente nas cenas de sonho – e, entre todas, aquela com os cavalos e a carroça de maçãs se mostra a mais impressionante –, Tarkovski parece estar também inteiramente à vontade nas seqüências realistas, já apresentando, neste primeiro longa, completo domínio da narrativa. E o momento da travessia, próximo ao final, quando Kholin e Galtsev deixam Ivan em território nazista e circundam o rio para resgatar dois cadáveres, repleta de tensão e suspense, deixa bem claro que caso Tarkovski viesse a se dedicar posteriormente a fitas de gêneros, como ação ou thriller, seria igualmente bem sucedido. Mas, para sorte do cinema, ele preferiu trilhar seu caminho próprio, forjando a partir de então uma trajetória ímpar que o situaria entre os maiores cineastas da história.

I Encontro de Cine Clubes de Botucatu

2011-10-27T19:04:00.000-07:00

No próximo sábado (29/11), às 16 horas, será realizado no Centro Cultural de Botucatu (ao lado do Cine Nelli, no mesmo prédio que a OAB), o I Encontro de Cine Clubes de Botucatu. Atualmente, oito entidades organizadas exercem atividades cineclubísticas na cidades (lista abaixo) e representantes de todos eles estão presentes no encontro para a discussão de suas atividades. O evento também é aberto para o público em geral.

Cine Clubes funcionando em Botucatu:

Cine Clube Ybitu Katu
Cine Clube Nostalgia
Cine Clube Paratodos
Cine Clube ArtConvívio
Dharma Cine
Cinema no Divã
Cine PSOL
Cine Clube da Liga da Saúde Mental

15/10: Kolya - Uma Lição de Amor (Jan Sverák,1996)

2011-10-14T16:16:00.000-07:00

Kolya - Uma Lição de Amor - Jan Sverák (1996)

Sinopse

O ano é 1989, ano de grandes mudanças para a Tchecoslováquia. É neste ano também que acontecem profundas mudanças na vida do músico Franta Louka (Zdenek Sverak). Louka é um músico brilhante de 60 anos que é expulso por problemas políticos da filarmônica de Praga. Agora, só toca em funerais e vive uma vida pacata e solitária. Para saldar suas dúvidas, Louka acerta um casamento de aparências com uma russa que precisa da nacionalidade Tcheca para fugir de Moscou. Mas junto com o arranjo, vem Kolya, filho da russa. Após o casamento, ela foge para a Alemanha e deixa o filho de 5 anos com ele. Estranhos e separados pela barreira da língua, os dois tentam encontrar um modo de conviver. Aos poucos, encontram maneiras de se comunicar e se adaptar um ao outro; aprendem novas palavras, se aproximam, trocam sensações. Louka sofre uma metamorfose com a doçura daquela criança sozinha no mundo e obrigada, de uma hora para outra, a viver com um completo desconhecido. Vencedor do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro de 1997. Duração: 103 minutos.

08/10: Ponette (Jacques Doillon, 1996)

2011-10-07T17:02:00.000-07:00

Ponette - Jacques Doillon (1996)

Sinopse

Ponette (Victoire Thivisol), uma menina de 4 anos, é confrontada com a morte da mãe, mas não consegue aceitá-la e acredita que ela irá voltar para junto de si. Durante as suas tentativas para falar com a falecida, Ponette questiona adultos e outras crianças, recebendo conselhos sobre religião, filosofia, magia negra e como falar com Deus. 93 minutos.

Crítica: Ponette (Jacques Doillon, 1996)

2011-10-07T16:55:00.000-07:00

por Álvaro Martins
Extraído de http://portalcinema.blogspot.com/2009/02/critica-ponette-1996.html

Estamos aqui perante uma grande obra de Jacques Doillon. Ponette traz-nos a história de uma menina de 4 anos (Victoire Thivisol) que se vê confrontada com a perda da mãe e sua constante luta para aceitar esse facto que tanta dor lhe traz. Existem muito poucas interpretações ao nível da de Thivisol, arrisco-me até a dizer que nenhuma. Ponette é um filme simples, tanto no campo técnico como no argumento. O que faz deste filme uma obra de grande valor, são as interpretações dos actores principais, dos quais a pequena Victoire Thivisol se destaca. Esta raridade do cinema europeu traz-nos uma história trágica e seu consequente desenvolvimento no pós-morte da mãe de Ponette. Esta criança de 4 anos vai insistentemente negar a morte da mãe e tentar a todo o custo falar com ela ou com Deus. A interpretação da pequena Thivisol é de uma categoria tão soberba, tão maravilhosa, que chega mesmo a ter, por momentos, a capacidade de iludir o espectador e fazer crer que é real. Existem muitos actores adultos profissionais, com enorme sucesso nos mais variados meios do cinema, que não chegam aos “calcanhares” desta interpretação assombrosa da pequena Thivisol.

Doillon traz-nos um universo completamente diferente daquilo a que estamos habituados, o universo das crianças na idade pré-escolar. Ou seja, a linguagem do filme e seus diálogos são praticamente todos de compreensão muito fácil, infantil. Doillon lida neste filme com a percepção que uma criança tem/ganha quando confrontada com uma situação tão difícil como a morte de uma mãe. Não é fácil aceitar a morte de alguém que nos é querido mesmo quando somos adultos, mas Doillon vai mais longe e mostra-nos o sofrimento de uma criança de 4 anos que de um momento para o outro se vê privada da figura mais protectora para uma criança, a mãe. Aceitar este facto requer várias explicações que lhe são dadas pelos adultos, pelas outras crianças da sua idade, inclusive os seus primos que convivem com ela dia a dia. Mas Ponette recusa-se a aceitar o facto de a mãe ter morrido e é aqui que a interpretação desta criança se transcende e traz todo o valor ao filme. É quando Ponette inventa que fala com a mãe de noite, quando a tia lhe diz que a mãe está no céu com Deus, quando a educadora a ensina a rezar, que toda a essência do filme faz sentido. É nestes momentos de uma procura de respostas às perguntas que uma criança de 4 anos, perdida numa condição que não compreende, não quer compreender e que procura incessantemente remediar e revogar toda essa condição a que está sujeita, que esta obra se valoriza.

Ponette vai mais longe e cria ela própria o seu momento de despedida com a mãe. Quando Ponette passeia de mão dada com a mãe pelo bosque e lhe pede que nunca mais se vá, Doillon mostra-nos que embora seja difícil aceitar o facto de a mãe estar morta e não voltar, a resignação de um indivíduo tem que chegar. E que melhor maneira do que a de Ponette, quando cria imaginariamente uma despedida da mãe, simbolizando a sua aceitação de uma condição que era mais forte que a sua constante negação de tal circunstância. Ponette é um filme belo, emocionante e extremamente simples. Aqui não há grandes enredos, traições e paixões. Ponette trata da morte, da dor e do amor. Ponette é arte em cinema.

01/10: Tartarugas Podem Voar (Bahman Gobadi, 2004)

2011-09-30T18:31:00.000-07:00

Tartarugas Podem Voar - Bahman Gobadi (2004)

Sinopse

Na fronteira entre Irã e Iraque, semanas antes da invasão do Iraque pelas tropas norte-americanas, num acampamento de refugiados curdos, as pessoas se reúnem para ouvir as notícias da guerra. a figura central desse grupo é Satélite, um garoto que exerce a liderança entre crianças, jovens e adultos. o filme registra o caos em que essas pessoas vivem, o isolamento e a completa falta de informações relativas à guerra. Agrin, uma garota de 14 anos, chega à região com seu irmão e um filho pequeno. Eles, que encontram dificuldade em se relacionar com os outros refugiados, também acabam de passar por uma experiência traumática. satélite tenta a aproximação, mas quase não há diálogo entre eles. Agrin entra em conflito também com o irmão, que pede que esperem mais um tempo antes de procurarem novo abrigo. Duração: 95 minutos.

Crítica: Tartarugas Podem Voar (Bahman Gobadi, 2004)

2011-09-30T18:27:00.000-07:00

por Angélica Bito
Extraído de http://cinema.cineclick.uol.com.br/criticas/ficha/filme/tartarugas-podem-voar/id/1070

Fico imaginando como George W. Bush se sentiria ao ver um filme como Tartarugas Podem Voar. Isso se ele não se incomodasse com as legendas. O filme curdo, dirigido pelo iraniano Bahman Ghobadi, acontece na fronteira entre Irã e Iraque, semanas antes da invasão do Iraque pelas tropas norte-americanas. Mais do que retratar essa invasão, o longa-metragem joga os holofotes não no que vimos nos noticiários - como a possível presença de armas de destruição em massa no país do eterno vilão Saddam Hussein -, mas sim no que poucos ocidentais viram (especialmente sr. Bush, imagino): o drama presente no dia-a-dia dos civis, do povo curdo que esteve diretamente envolvido nessa invasão. Sem dramas baratos, o filme emociona de forma honesta, como poucos.

Num acampamento de refugiados curdos, as pessoas se reúnem para ouvir as notícias da guerra. A figura central desse grupo é o carismático Satélite (Soran Ebrahim), um garoto que exerce a liderança entre crianças, jovens e adultos. É ele quem instala antenas nos povoados para que possam saber as notícias da guerra iminente. Além disso, lidera um grupo de crianças que vivem de "caçar" minas terrestres, instaladas por norte-americanos, e vendê-las. Dessa forma, o filme registra o caos em que essas pessoas vivem, o isolamento e a completa falta de informações. Nesse povoado também vive Agrin (Avaz Latif), uma garota cujo irmão, Hyenkov (Hirsh Feyssal), perdeu os braços, assim como grande parte das crianças da região, acidentadas nas minas espalhadas. Sempre com uma criança nas costas, que parece ser mais um irmão, Agrin perambula pela vila, atraindo a atenção de Satélite, que tenta, sem sucesso, a aproximação.

Há muitas crianças no povoado mostrado no filme. E elas parecem ter mais destaque do que os próprios adultos, a começar por Satélite, que parece ser o líder supremo na aldeia. A todo momento, Tartarugas Podem Voar mostra crianças vivendo situações adultas. Afinal, que tipo de infância é essa na qual uma menina é estuprada por soldados e tem filhos antes de chegar aos 15 anos? A inocência é roubada a todo momento pela guerra e a miséria em um lugar onde não há tempo para bonecas. Na TV, saem os videoclipes e entram os noticiários nos controles remotos controlados por mãos infantis.

Seria muito mais fácil se Tartarugas Podem Voar tomasse alguma posição política em relação ao conflito Iraque versus EUA, mas não é isso que o filme faz. Misturando dramas diretamente relacionados à guerra e algumas situações cômicas, o filme de Ghobadi simplesmente mostra um breve e delicado retrato do que realmente acontece por lá. Algo que não vemos nos noticiários. A tragédia rodeia todos os personagens e, paradoxalmente, há muita vida em cada um deles. Apesar de situar-se em um período e local específicos, Tartarugas Podem Voar também pode ser visto como o retrato de um microcosmo da guerra. Qualquer uma delas.

Programação Outubro 2011: Filmes com crianças como protagonistas

2011-09-30T18:02:00.000-07:00

O Cinema visto pelos olhos das crianças.

O Cine Clube Ybitu Katu exibe:

01/10: Tartarugas podem voar (Bahman Gobadi, 2004)

08/10: Ponette (Jacques Doillon, 1996)

Ponette, uma menina de 4 anos, é confrontada com a morte da mãe, mas não consegue aceitá-la e acredita que ela irá voltar para junto de si. Durante as suas tentativas para falar com a falecida, Ponette questiona adultos e outras crianças, recebendo conselhos sobre religião, filosofia, magia negra e como falar com Deus. Duração: 93 minutos

15/10: Kolya - Uma Lição de Amor (Jan Sverák,1996)

22/10: O Tambor (Volker Schlöndorff, 1979)

Quinze anos antes da Segunda Guerra Mundial, nasce em Danzig o menino Oskar Matzerath. Quando completa três anos, afasta-se definitivamente de seu mundo pequeno-burguês, recusando-se a crescer. Assim, assume o papel de "Oskarzinho" para poder escapar à beatice reinante no meio em que vive, representada principalmente pelos pais e o amante da mãe. Oskar se distancia cada vez mais do seu monstruoso cotidiano - uma sociedade que pouco a pouco vai mergulhando no fachismo - e expressa seu protesto com enervantes rufares de tambor e gritos lancinantes. Só quando o "horror marron" chega ao fim, e os alemães abandonam Danzig para se estabelecer no lado ocidental, é que Oskar decide crescer: agora deseja desempenhar um papel atuante no futuro que desponta. Adaptado do livro homônimo do alemão Günter Grass. Duração: 144 minutos.

29/10: A Infância de Ivan (Andrey Tarkovski, 1962)*

Aplaudido pelo cineasta Ingmar Bergman e pelo escritor Jean-Paul Sartre, A Infância de Ivan marca a estreia na longa-metragem do grande realizador russo Andrei Tarkovski. Poderoso, evocativo e poético trabalho sobre a guerra, o filme, que recebeu o Leão de Ouro na edição de 1962 do prestigiado festival de Veneza, concentra a sua atenção sobre o jovem Ivan, doze anos, cujos pais e irmã são mortos por oficiais nazis quando a Rússia é invadida pelas tropas alemãs. Órfão, privado de uma infância normal, acaba por se juntar ao exército, tornando-se numa espécie de espião. Duração: 95 minutos.

*Após a sessão, haverá um debate mediado pelo psicológo Augusto Calille.

24/04: O Viajante (Abbas Kiarostami, 1974)

2011-09-23T15:46:00.000-07:00

O Viajante - Abbas Kiarostami (1974)

Sinopse
Longa de estréia de Kiarostami, o Viajante, conta uma brilhante parábola sobre um garoto em idade escolar, negligenciado pelos pais, que utiliza de quaisquer meios para viajar até Teerã e poder assistir ao jogo da seleção nacional de futebol. Duração: 70 minutos

03/09: Linha de Passe (Walter Salles e Daniela Thomas, 2008)

2011-09-02T04:14:00.000-07:00

Linha de Passe - Walter Salles e Daniela Thomas (2008)

Sinopse
O filme conta a história de quatro irmãos que vivem na periferia de São Paulo. Com a ausência do pai, precisam lutar por seus sonhos. Reginaldo, o mais novo, procura obstinadamente seu pai que nunca conheceu. Dario, prestes a completar 18 anos, sonha com uma carreira como jogador de futebol profissional. Dinho, frentista em um posto de gasolina, busca na religião o refúgio para um passado obscuro. Dênis, o irmão mais velho, já é pai de um filho e ganha a vida como motoboy. No centro desta família está Cleuza, que, aos 42 anos, está grávida do quinto filho. Sandra Corveloni venceu o prêmio de Melhor Atriz no festival de Cannes por sua atuação neste filme. Duração: 113 minutos.

Crítica: Linha de Passe (Walter Salles & Danielas Thomas, 2008)

2011-09-02T04:06:00.000-07:00

por Geo Euzebio
Extraído de http://www.cineplayers.com/critica.php?id=1413

A tênue linha da invisibilidade social.

Quantas são as chances de irmos ao cinema e espiar o dia-a-dia de vidas comuns, ao mesmo tempo em que vemos um painel amplo do país-Brasil ser montado com tanta lucidez? Aos menos atentos, Linha de Passe pode parecer apenas uma crônica da vida de uma família de 4 irmãos criados pela mãe, que no momento da ação espera a chegada do quinto filho, não sem sofrer a censura dos meninos que obviamente se preocupam com a chegada de mais um que precisará correr atrás de seus sonhos sem nenhuma garantia de que avistará a linha de chegada.

Empenhados por uma vontade iniciada com a parceria de Terra Estrangeira, Walter Salles e Daniela Thomas ciclicamente repensam o Brasil nas suas questões históricas e também nas urgências mais atuais. A consolidação de novos modelos de família e a luta pela sobrevivência diária na metrópole excludente são as mesmas situações que vemos camufladas em novelas das oito onde a mesa do café da manhã dos personagens menos afortunados representa uma fantasia de realidade que ridiculariza mais do que diverte. É bem diferente de vermos Cleuza (Sandra Coverloni) servindo o prato do filho enquanto os dois discutem, a carne chegando ao prato com a mão de raiva da mulher que mata vários leões por dia. Interessante que Sandra tenha ganhado o prêmio de melhor atriz em Cannes já que o verdadeiro personagem da história tem mais quatro pontas além dela, a mãe e seus quatro filhos formando uma unidade familiar contemporânea, ela sim o personagem completo e complexo que vemos ser desenhado nos conflitos individuais de cada um, na luta individual de cada um por pertencimento e aceitação, inserção social, a busca pelas raízes paternas, tudo finalmente entendido como a necessidade de vinculação, essa palavra perdida em cujo sumiço se esconde a depredação das relações humanas.

Desvinculados por vários fatores, seja de ordem social, geográfica ou monetária, Denis (João Baldasserini), Dario (Vinícius de Oliveira), Dinho (José Geraldo Rodrigues) e Reginaldo (Kaique de Jesus Santos, uma revelação e tanto) transitam pela cidade em busca de seus lugares. Nas viagens de Denis em sua moto a câmera e a montagem surpreendem com perspectivas quase verossímeis, e é dele também a cena que mais impressionou, quando ele tira o capacete e pergunta ao interlocutor rico e perdido: Cara, você tá me vendo? A explicitação do drama de ser invisível costurando todas as pontas do filme. Reginaldo, o filho mais novo, se envolve nesse drama ao escolher enxergar o pai em um motorista de ônibus para fugir da visível diferença que o separa dos irmãos pela cor da pele. Dinho prefere a via da resignação religiosa, via essa que não consegue lhe amparar na hora mais difícil de seu personagem. Dario, o orgulho da mãe corintiana não desmerece o nome de craque, mas tem o talento ignorado por uma verdadeira indústria de atletas na qual ele não consegue se encaixar apesar de tudo. Uma boa cena de Dario é a da falsificação da identidade, quando ao câmera foca a carteira sendo copiada e deixa em destaque a imagem do ator Vinícius, que na foto do documento é exatamente aquele garoto que conhecemos em Central do Brasil. Uma óbvia e sutil referência.

Congregando os quatro personagens, Cleuza trabalha contra o ritmo em que flui a sua vida com a mesma dificuldade com que lida com uma pia entupida, na árdua tarefa de manter visível a linha que liga cada um dos filhos ao pertencimento de grupo, de família. A simplicidade de sua interpretação sem afetações constrói a verdade fantasiosa de uma mulher real, que mesmo grávida transita por todos os espaços, o trabalho, o bar e o estádio de futebol lotado. E essa mesma gravidez, demonstração de uma vida sexual ativa, é o signo da feminilidade escondida sob a aparência descuidada de quem não tem tempo para vaidades e completa o universo de significações da personagem como mulher-total. E sob essa constatação é que Sandra Coverloni merece destaque pela construção de um personagem redondo que impressiona por quase não parecer um personagem ou parte de algo ficcional.

Os desfechos de cada um dos cinco parecem ressaltar isso, com finais de uma poética da realidade para todos, menos para Cleuza e Denis que são os dois personagens que caracterizam a maturidade em detrimento da juventude presente em Dario, Dinho e Reginaldo. Como se a concretude da vida tivesse tirado de Cleuza e Denis a capacidade de perseguir sonhos, por mais concretos que eles sejam.

Assim a parceira Walter Salles e Daniela Thomas deixa mais uma boa marca no cinema nacional, sem apelar para as velhas armadilhas do pitoresco, criando uma história cuja mensagem é universalmente inteligível. E mais uma vez, salvas a Sandra Coverloni e Kaique de Jesus Santos que formaram a dupla mais entrosada nessa bela linha de passes.

Programação Setembro de 2011: O Futebol no Cinema

2011-08-31T17:00:00.000-07:00

O Futebol é o esporte mais praticado e popular do mundo e a sua influência no cotidiano das pessoas foi inúmeras vezes retratado no cinema, seja nas brincadeiras das crianças, seja em guerras e disputas políticas.

O Cine Clube Ybitu Katu exibe:

03/09: Linha de Passe (Walter Salles & Daniela Thomas, 2008) - Brasil

O filme conta a história de quatro irmãos que vivem na periferia de São Paulo. Com a ausência do pai, precisam lutar por seus sonhos. Reginaldo, o mais novo, procura obstinadamente seu pai que nunca conheceu. Dario, prestes a completar 18 anos, sonha com uma carreira como jogador de futebol profissional. Dinho, frentista em um posto de gasolina, busca na religião o refúgio para um passado obscuro. Dênis, o irmão mais velho, já é pai de um filho e ganha a vida como motoboy. No centro desta família está Cleuza, que, aos 42 anos, está grávida do quinto filho. Duração: 113 minutos.

10/09: Two Half Times in Hell (Zoltán Fabri, 1962) - Hungria

Para o aniversário de Hitler, os alemães decidem organizar uma partida de futebol contra os prisioneiros húngaros durante a Segunda Guerra Mundial. Eles determinam que Ónodi, um famoso jogar de futebol, organize o time. Ónodi por sua vez exige comida, uma bola e dispensa do trabalho para treinar. Porém, ele é convencido pelo “time” a fugir, assim que encontram uma oportunidade. O filme de Fábri é bonito e intenso. Duração: 140 minutos.

17/09: O Medo do Goleiro Diante do Penalti (Win Wenders, 1972) - Alemanha

Baseado em obra de Peter Handke, o filme é centrado na figura do goleiro Joseph Bloch. Após ser substituído em uma partida, ele deixa o campo e passa a noite com uma atendente de cinema. Sem motivos, ele estrangula a moça na manhã seguinte. Pelos jornais, percebe que a polícia está cada vez mais perto e, sem se importar, vai a um jogo de futebol. Duração: 101 minutos.

24/09: O Viajante (Abbas Kiatostami, 1970) - Irã

Em Mossafer, Kiarostami construiu uma brilhante parábola sobre um garoto em idade escolar, negligenciado pelos pais, que utiliza de quaisquer meios para viajar até Teerã e poder assistir ao jogo da seleção nacional de futebol. Duração: 70 minutos.

20/08: Zelig (Woody Allen, 1983)

2011-08-19T20:32:00.000-07:00

Zelig - Woody Allen (1983)

Sinopse
m pseudo-documentário sobre a vida de Leonard Zelig (Woody Allen), o homem-camaleão, que tinha o dom de modificar a aparência para agradar as outras pessoas. Duração: 80 minutos

13/08: Manhattan (Woody Allen, 1979)

2011-08-12T20:15:00.001-07:00

Manhattan - Woody Allen (1979)

Sinopse

Um escritor de meia-idade divorciado (Woody Allen) se sente em uma situação constrangedora quando sua ex-mulher decide viver com uma amiga e publicar um livro, no qual revela assuntos muito particulares do relacionamento deles. Neste período ele está apaixonado por uma jovem de 17 anos (Mariel Hemingway), que corresponde a este amor. No entanto, ele sente-se atraído por uma pessoa mais madura, a amante do seu melhor amigo, que é casado. Duração: 95 minutos

Crítica: Manhattan (Woody Allen, 1972)

2011-08-12T20:06:00.000-07:00

por Rodrigo Carreiro
Extraído de http://www.cinereporter.com.br/criticas/manhattan/

“Manhattan” (EUA, 1979) é um desses filmes que expõem, da maneira mais dura possível, o enorme abismo que separa público e crítica cinematográfica. Ao longo dos anos, especialistas e estudiosos de cinema aprenderam a amar esse filme e considerá-lo como o melhor da longa e prolífica carreira do cineasta. Por outro lado, “Manhattan” não costuma ganhar palavras agradáveis dos habituais fãs do diretor. Muita gente acha que o filme é, na verdade, decepcionante. Afinal de contas, quem está com a razão?

Minha resposta, entre as muitas possíveis: nem os críticos e nem o público. “Manhattan” não é o melhor filme de Woody Allen, posto que pode ser disputado tranqüilamente por vários outros grandes filmes do mestre novaiorquino (“Noivo Neurótico, Noiva Nervosa”, “A Rosa Púrpura do Cairo” e “A Outra”, só para citar alguns). Mas é um trabalho ambicioso, que marcou uma fase de transição importante para a carreira de Allen. “Manhattan” transita entre a comédia romântica, a crônica de costumes e a homenagem a uma cidade neurótica. Talvez por mirar em três alvos tão diferentes, Woody Allen não tenha conseguido agradar a gregos e troianos.

Na verdade, não agradou nem a ele mesmo; na época do lançamento do filme, Woody Allen chegou a se oferecer para dirigir outro filme de graça para a Universal, o estúdio que bancou a obra, por achar que tinha feito um filme ruim. Depois, mudou de opinião. Em parte, fez isso devido à excelente recepção de críticos respeitados, como Roger Ebert.

Os elogios vieram por uma parte de especialistas que conseguiu compreender a verdadeira intenção de Woody Allen. Em 1979, o cineasta iniciava uma guinada ambiciosa na carreira cinematográfica. Allen desejava abandonar definitivamente o personagem cômico que havia criado em filmes como “Bananas” e “A Última Noite de Boris Grushenko”, e passar a filmar histórias mais densas, de humor mais refinado, com um toque de análise da condição humana. Algo na linha do grande ídolo de Allen, o diretor sueco Ingmar Bergman.

“Manhattan”, portanto, não é uma comédia anárquica como “Noivo Neurótico, Noiva Nervosa”, que havia dado o Oscar ao cineasta dois anos antes e permanecia vívido na memória do público. O filme tem uma fotografia esplêndida de Gordon Willis, em preto-e-branco, e caminha num ritmo tranqüilo. Não provoca gargalhadas a cada minuto, mas traz um enfoque crítico e bem-humorado a um aspecto da condição humana que Woody Allen iria, a partir dali, inspecionar repetidamente em seus filmes: a frivolidade dos relacionamentos amorosos nos grandes centros urbanos.

Isaac Davis (Allen) é o protagonista. Ele escreve um programa de TV bem-sucedido, mas não gosta do que faz. Foi abandonado pela mulher, Jill (Meryl Streep), que a trocou por uma garota; ela ameaça escrever um livro contando os podres do casal. Davis namora com uma garota de 17 anos, Tracy (Mariel Hemingway), e sofre porque não acredita numa relação com uma adolescente.

Nesse ínterim, o melhor amigo dele, o professor Yale (Michael Murphy), começa a trair a esposa com uma excêntrica intelectual da cidade, Mary Wilkie (Diane Keaton). No começo Davis a odeia, mas então algo muda dentro dele, e os dois começam a se aproximar. A confusão amorosa, como se pode ver, está armada. Não é um triângulo amoroso, com um rolo complicado que ninguém sabe direito onde começa, e muito menos onde vai terminar.

O texto limpo e preciso de Woody Allen ganha a tradução visual adequada nas mãos de Gordon Willis, que comanda um tour pelos principais pontos turísticos de Nova York (o museu Guggenheim, o Planetário, a Ponte do Brooklyn, cafés badalados) e integra perfeitamente cada um desses ambientes à história. A fotografia em preto-e-branco não enfatiza os contrastes, mas o jogo de sombras e as tonalidades acinzentadas, o que ajuda a imprimir ao filme o ritmo nostálgico que ele pede.

No final das contas, “Manhattan” é um filme de atores; uma comédia sem piadas – o que talvez seja a causa das críticas negativas que recebe. Woody Allen mantém parte da persona que construiu para si mesmo, o intelectual tagarela e inseguro, mas oferece, na verdade, uma versão mais rica e complexa de si mesmo. E o desempenho espontâneo de Mariel Hemingway confere o misto de jovialidade e sofisticação que o filme pede.

03/08: Tudo o que você sempre quis saber sobre sexo (e tinha medo de perguntar) (Woody Allen, 1972)

2011-08-05T06:21:00.000-07:00

Tudo o que você sempre quis saber sobre sexo (e tinha medo de perguntar) - Woody Allen (1972)

Sinopse

Woody Allen pega o livro sério sobre sexo de David Reuben e transforma seus capítulos na mais pura avacalhação. Prepare-se para ver um corpo humano por dentro em pleno ato sexual, um cientista que quer criar a máquina de sexo, a mulher que só tem orgasmo em locais perigosos... Muita confusão na melhor fase de Woody Allen. Duração: 87 minutos

Programação de Agosto: Woody Allen

2011-08-05T04:29:00.000-07:00

Um dos principais comediantes do cinema norte-americano, Woody Allen encontrou uma boa maneira de fazer psicanálise: levando seu divã para o cinema. Com diálogos ágeis e humor ácido, expõe as fraquezas humanas enquanto critica a sociedade americana e a comunidade judaica à qual pertence.

Cine Clube Ybitu Katu exibe:

06/08: Tudo o que você sempre quis saber sobre sexo (e tinha medo de perguntar) (1972)

Leonard Zelig (Woody Allen) é um artista inseguro que o obriga a imitar as pessoas ao seu redor física e mentalmente. Conhecido como o artista camaleão, Zelig começa a fazer um tratamento para cura-se desse mal que o persegue. Lentamente, Zelig desenha sua personalidade, mas quando as marcas do passado começam a aparecer, o homem camaleão tenta fugir desse passado obscuro. Duração: 79 minutos

27/08: Rosa Púrpura do Cairo (1985)

Em área pobre de Nova Jersey, durante a Depressão, uma garçonete (Mia Farrow) que sustenta o marido bêbado e desempregado, que só sabe ser violento e grosseiro, foge da sua triste realidade assistindo filmes. Mas ao ver pela quinta vez "A Rosa Púrpura do Cairo" acontece o impossível! Quando o herói da fita sai da tela para declarar seu amor por ela, isto provoca um tumulto nos outros atores do filme e logo o ator que encarna o herói viaja para lá, tentando contornar a situação. Assim, ela se divide entre o ator e o personagem. Duração: 81 minutos

30/07: Decálogo (Krzystof Kieslowski, 1989) - CAPÍTULOS IX e X

2011-07-29T17:52:00.000-07:00

Decálogo - Krzystof Kieslowski (1989)

*Sobre a série Decálogo: São 10 capítulos com cerca de uma hora cada. O cineclube exibirá 2 episódios por sábado. Os capítulos são independentes, portanto não tem importância caso você perca algum sábado. Entretanto, para o total deleite desta bela obra, recomenda-se que se vejam todos os capítulos.
Não são filmes religiosos.

Sinopse
Realizado para a televisão polonesa em 1989, Decálogo é um conjunto de filmes inspirados nos Dez Mandamentos. Ambientadas no mesmo condomínio de Varsóvia, a capital da Polônia, as histórias ilustram conflitos morais e dramas familiares. Vencedor do Prêmio da Crítica Internacional no Festival de Cinema de Veneza, Decálogo consagrou internacionalmente Kieslowski. Uma obra simplesmente monumental. Direção: Krszystof Kieslowski.

Decálogo 9 - Não Desejarás a Mulher do Próximo
Ao descobrir que o marido é impotente, mulher envolve-se co um jovem amante, criando uma situação conflituosa para si e seu marido. 56 minutos.

Decálogo 10 - Não Cobiçarás As Coisas Alheias
Com a morte de um filatelista que em vida mal se dedicava a sustentar a família, uma verdadeira fortuna em selos é descoberta. Seus dois filhos são obrigados a tomar medidas de segurança para proteger a inesperada herança. 56 minutos.

"O único trabalho que pode ser chamado de obra-prima no cinema de meu tempo" (Stanley Kubrick sobre o 'Decálogo')

23/07: Decálogo (Krzystof Kieslowski, 1989) - CAPÍTULOS VII e VIII

2011-07-22T08:33:00.000-07:00

Decálogo - Krzystof Kieslowski (1989)

Sinopse

Realizado para a televisão polonesa em 1989, Decálogo é um conjunto de filmes inspirados nos Dez Mandamentos. Ambientadas no mesmo condomínio de Varsóvia, a capital da Polônia, as histórias ilustram conflitos morais e dramas familiares. Vencedor do Prêmio da Crítica Internacional no Festival de Cinema de Veneza, Decálogo consagrou internacionalmente Kieslowski. Uma obra simplesmente monumental. Direção: Krszystof Kieslowski.

Decálogo 7 - Não Furtarás
Garota entrega sua filha para a avó criar, e se passa por sua irmã. Quando a criança está com 6 anos, a verdadeira mãe resolve aproximar-se, levantando antigas mágoas entre as duas mulheres. 57 minutos.

Decálogo 8 - Não Levantarás Falso Testemunho
Pesquisadora judia encontra-se com uma professora de Ética da universidade que, há 45 anos, negara-lhe ajuda durante a Segunda Guerra Mundial, pois sendo católica, não podia cometer falso testemunho. 56 minutos.

"O único trabalho que pode ser chamado de obra-prima no cinema de meu tempo" (Stanley Kubrick sobre o 'Decálogo')

Artigo: O Decálogo de Kieślowski e o debate sobre os Mandamentos

2011-07-22T08:20:00.000-07:00

por Márcia Junges e Patricia Fachin
Extraído de http://www.ihuonline.unisinos.br/index.php?option=com_content&view=article&id=3072&secao=321

Marcus Mello analisa a exibição do Decálogo I e acentua que essa série divide a produção do cineasta polonês

Uma obra que marca uma guinada temática na filmografia do diretor polonês Krzysztof Kieślowski. De acordo com Marcus Mello, da Usina do Gasômetro, de Porto Alegre, “Kieślowski aborda cada um dos mandamentos de forma extremamente original, colocando em permanente discussão a verdade de cada um deles. Sua relação com os dogmas da Igreja Católica não é nem um pouco tranquila e, embora o sentido de sagrado em seus filmes seja uma constante, sua visão muito pessoal dos mandamentos parece revelar uma leitura agnóstica da chamada ‘Lei de Deus’”.

Confira a entrevista.

IHU On-Line - O senhor pode fazer uma breve apresentação de quem foi Krzysztof Kieślowski?

Marcus Mello - Kieślowski foi o principal nome do cinema polonês entre os anos 1980 e 1990, e, sem dúvida alguma, é um dos mais importantes e influentes diretores surgidos nos últimos 50 anos. Sua morte prematura não o impediu de deixar como legado uma obra grandiosa, que reflete sobre o mundo contemporâneo com impressionante lucidez.

IHU On-Line - Como o senhor caracteriza as produções cinematográficas de Kieślowski? Há diferença entre a fase polonesa e a francesa?

Marcus Mello - Kieślowski tem uma obra vasta, mas sua primeira fase é menos conhecida pelo público. Na Polônia, dedicou-se inicialmente ao cinema documental, realizando vários filmes que abordam questões sociais e políticas importantes, mas sem muita repercussão internacional. É a partir do reconhecimento da crítica estrangeira em relação à série Decálogo que seu nome passa a ser conhecido fora da Polônia. O Decálogo também marca uma guinada temática em sua filmografia. Seus filmes da fase francesa, que viriam a seguir (A Dupla Vida de Verônica e a Trilogia das Cores), iriam revelar um cineasta mais preocupado com questões metafísicas, para quem a morte torna-se um tema recorrente e crucial.

IHU On-Line - A série Decálogo é baseada nos Dez Mandamentos. Como o diretor aborda cada um deles e os relaciona com conflitos morais?

Marcus Mello - Kieślowski aborda cada um dos mandamentos de forma extremamente original, colocando em permanente discussão a verdade de cada um deles. Sua relação com os dogmas da Igreja Católica não é nem um pouco tranquila e, embora o sentido de sagrado em seus filmes seja uma constante, sua visão muito pessoal dos mandamentos parece revelar uma leitura agnóstica da chamada “Lei de Deus”.

IHU On-Line - Como os temas ética e estética se relacionam na obra do diretor polonês?

Marcus Mello - Ética e estética são elementos indissociáveis no cinema de Kieślowski. Ele foi um diretor que sempre foi movido por preocupações éticas, traduzidas numa obra de profundo sentido humanista.

IHU On-Line - Em que medida o Decálogo proporciona aos espectadores a oportunidade de refletir sobre os conflitos contemporâneos?

Marcus Mello - Cada episódio do Decálogo está ambientado num conjunto gigantesco de apartamentos em Varsóvia. Este cenário pode ser visto como um microcosmo no qual estão representados os principais conflitos do final do século XX, com suas vertiginosas transformações políticas, tecnológicas e comportamentais. Para muitos críticos, o Decálogo é a grande obra sobre o estertor do regime comunista no leste europeu, cuja derrocada (em 1989) ele irá anunciar claramente.

IHU On-Line - Como os pilares dos princípios cristãos são retratados na obra? De que maneira o diretor conseguiu torná-los universais?

Marcus Mello - Como eu já havia dito, a questão da religião em Kieślowski é nebulosa. Ele chegou a ser acusado de agnóstico por publicações católicas em diversos momentos de sua carreira, já que sua relação com Deus é sempre problemática. Tome-se como exemplo o primeiro episódio do Decálogo, que coloca em cena a morte de uma criança e a revolta de seu pai diante desse fato terrível. Ao invadir a igreja e destruir o altar no final do filme, esse pai desesperado desperta no espectador sentimentos ambíguos em relação à justiça de Deus, o que acaba tendo um efeito bastante perturbador.

IHU On-Line - A partir dos princípios dos Dez Mandamentos, como Kieślowski retrata os ideais da humanidade: ódio, amor, culpa, sob a perspectiva humanística?

Marcus Mello - O Decálogo, assim como os filmes da fase francesa de Kieślowski, são um libelo humanista de enorme densidade e profundidade filosófica. São filmes que revelam sim um sentido de sagrado, mas é como se o diretor identificasse esse sentido apenas no humano e em suas contradições e imperfeições. Sua obra parece dizer que, se Deus existe, esse Deus é cruel e ausente, cabendo apenas ao homem a responsabilidade de alcançar alguma forma de transcendência na vida. Transcendência que se dá, quase sempre, através da criação artística, como mostram as personagens de Irène Jacob em A Dupla Vida de Verônica e Juliette Binoche em A Liberdade é Azul

16/07: Decálogo (Krzystof Kieslowski, 1989) - CAPÍTULOS V e VI

2011-07-15T08:37:00.000-07:00

Decálogo - Krzystof Kieslowski (1989)

*Sobre a série Decálogo: São 10 capítulos com cerca de uma hora cada. O cineclube exibirá 2 episódios por sábado. Os capítulos são independentes, portanto não tem importância caso você perca algum sábado. Entretanto, para o total deleite desta bela obra, recomenda-se que se vejam todos os capítulos.
Não são filmes religiosos.

Sinopse

Decálogo 5 - Não Matarás
Um crime ocorrido em Varsóvia une três personagens: um desocupado, um taxista e um advogado em início de carreira. Episódio que deu origem, posteriormente, ao longa Não Matarás. 57 minutos.

Decálogo 6 - Não Pecarás Contra a Castidade
Jovem tímido declara seu amor a uma vizinha e fica decepcionado ao descobrir que ela encara com extrema liberdade uma possível relação entre eles. Foi posteriormente transformado no longa Não amarás. 56 minutos.

"O único trabalho que pode ser chamado de obra-prima no cinema de meu tempo" (Stanley Kubrick sobre o 'Decálogo')

Artigo: Um cinema humanista de primeira qualidade

2011-07-15T08:20:00.000-07:00

por Graziela Wolfart
Extraído de http://www.ihuonline.unisinos.br/index.php?option=com_content&view=article&id=3089&secao=322

Na visão do cineasta Carlos Gerbase, Kieślowski conseguiu construir uma obra verdadeiramente autoral e coerente

Nesta semana, entrevistamos o cineasta Carlos Gerbase sobre o diretor. Gerbase respondeu as breves perguntas que seguem, por e-mail, falando não apenas do Decálogo, mas comparando com outra obra prima de Kieślowski: a Trilogia das Cores. Nela, Gerbase crê que “há uma preocupação com os grandes desafios éticos do mundo contemporâneo, ao mesmo tempo em que certos valores ditos ‘universais’ são questionados e, de certa forma, resgatados”. Para ele, principalmente no filme Branco, Kieślowski “oferece ao espectador sua perplexidade com algumas soluções do nosso tempo. É como se ele dissesse: esse mundo parece tão sem sentido, tão absurdo, que alguém precisa encontrar, urgentemente, bases um pouco mais sólidas para aliviar a nossa angústia”. “Mas, é claro”, continua Gerbase, “ele não sabe que bases são essas. A filosofia e as religiões procuram essas bases, e talvez, por isso, o trabalho de Kieślowski possa ser classificado como filosófico e religioso”.

Carlos Gerbase é um cineasta gaúcho, integrante da Casa de Cinema de Porto Alegre. É também professor de cinema na PUCRS, escritor e músico, tendo sido membro da banda Replicantes como baterista e depois, vocalista.

Confira a entrevista.

IHU On-Line - Quais os principais pontos que marcam a trajetória do diretor polonês Krzysztof Kieślowski?

Carlos Gerbase - Ele é um cineasta que conseguiu construir uma obra verdadeiramente autoral e coerente, que alcançou distribuição internacional. Não são muitos os diretores do leste europeu que conseguem, em relativamente pouco tempo, um reconhecimento assim.

IHU On-Line - Como você define ou qualifica a obra Decálogo, projeto de dez médias-metragens?

Carlos Gerbase - Prefiro destacar apenas um filme da série: "Não matarás". É um dos filmes mais impressionantes sobre a morte (e a culpa de quem mata) que já foram produzidos. A cena em que o motorista de táxi é assassinado dura tanto tempo, e é tão angustiante, que o espectador pode ficar nauseado. Nesses tempos de mortes espetaculares, executadas às dúzias, com sentido mais coreográfico que emocional, essa cena é um exemplo de cinema humanista de primeira qualidade.

IHU On-Line - O que caracteriza a ética do cotidiano e o sentido da vida humana na obra de Kieślowski?

Carlos Gerbase - Na Trilogia das Cores, creio que há uma preocupação com os grandes desafios éticos do mundo contemporâneo, ao mesmo tempo em que certos valores ditos "universais" são questionados e, de certa forma, resgatados. A moral é sempre histórica, como já dizia Nietzsche, mas isso não resolve todos os nossos problemas de avaliação. É muito difícil fazer uma reflexão sobre o sentido da vida no cinema, mas Kieślowski não foge da luta. E me parece que, principalmente no "Branco", ele oferece ao espectador sua perplexidade com algumas soluções do nosso tempo. É como se ele dissesse: esse mundo parece tão sem sentido, tão absurdo, que alguém precisa encontrar, urgentemente, bases um pouco mais sólidas para aliviar a nossa angústia. Mas, é claro, ele não sabe que bases são essas. A filosofia e as religiões procuram essas bases, e talvez por isso o trabalho de Kieślowski possa ser classificado como filosófico e religioso.

09/07: Decálogo (Krzystof Kieslowski, 1989) - CAPÍTULOS III E IV

2011-07-07T07:28:00.000-07:00

Sinopse
Realizado para a televisão polonesa em 1989, Decálogo é... um conjunto de filmes inspirados nos Dez Mandamentos. Ambientadas no mesmo condomínio de Varsóvia, a capital da Polônia, as histórias ilustram conflitos morais e dramas familiares. Vencedor do Prêmio da Crítica Internacional no Festival de Cinema de Veneza, Decálogo consagrou internacionalmente Kieslowski. Uma obra simplesmente monumental. Direção: Krszystof Kieslowski.

Decálogo 3 - Guardarás Domingos e Feriados
Para procurar seu marido, desaparecido durante a véspera do Natal, mulher pede ajuda a um antigo amante, relembrando, durante o encontro, o relacionamento tumultuado que tiveram no passado. 56 minutos.

Decálogo 4 - Honrarás Pai e Mãe
O relacionamento afetuoso entre um viúvo e sua filha de 20 anos sofre alterações quando esta descobre, por meio de cartas escritas pela mãe, que ele não é seu verdadeiro pai. 56 minutos.

"O único trabalho que pode ser chamado de obra-prima no cinema de meu tempo" (Stanley Kubrick sobre o 'Decálogo')

Artigo: "Decálogo" de Kieślowski: o cinema repensando a ética

2011-07-07T07:19:00.000-07:00

por Moisés Sbardelotto
Extraído de http://www.ihuonline.unisinos.br/index.php?option=com_content&view=article&id=3071&secao=321

Em "Decálogo", diretor polonês Krzysztof Kieślowski aborda questionamentos éticos a partir de cenas do cotidiano, embasadas nos mandamentos bíblicos.

É difícil qualificar o que o diretor polonês Krzysztof Kieślowski (1941-1996) conseguiu realizar em sua obra "Decálogo" (1988), um projeto de dez médias-metragens. Seria um filme dividido em dez partes ou uma série para a televisão? Uma obra laica, já que nunca se refere a Deus, ou que possui uma teologia profunda, cujo título apenas faz referência? Seria uma obra que faz refletir sobre graves questões éticas que embasam o agir humano, ou, pelo contrário, apresenta a complexidade da vida humana, mostrando que qualquer lei moral ou valor ético são de um simplismo quase infantil?

O próprio Kieślowski nos ajuda a desfazer um pouco o mistério de sua obra. "Durante 6.000 anos, essas regras [os Mandamentos] estiveram inquestionavelmente certas. E, mesmo assim, nós as desobedecemos todos os dias. As pessoas sentem que algo está errado na vida. Há uma espécie de atmosfera que faz com que as pessoas, agora, se voltem para outros valores. Elas querem contemplar as questões básicas da vida, e provavelmente é essa a real razão para querer contar essas histórias [em 'Decálogo']".

A ética do cotidiano

Em "Decálogo", as dez histórias, independentes, possuem uma unidade temática e narrativa rara. Kieślowski manteve a mesma equipe técnica durante a realização de todos os episódios, com exceção do diretor de fotografia, que mudava em cada filme. A série completa, originalmente, foi produzida para a TV polonesa, coescrita por Krzysztof Piesiewicz, com trilha sonora de Zbigniew Preisner.

As dez histórias se passam em um conjunto residencial da Varsóvia, na Polônia contemporânea, onde pessoas comuns enfrentam problemas cotidianos, mas que apresentam profundas questões existenciais sobre amor, culpa, solidão, amizade, tristeza, medo, colocando em xeque o sentido da condição humana.

A obra, muito aclamada pela grande maioria dos críticos, é hoje considerada a obra-prima de Kieślowski, um dos diretores europeus mais influentes da história do cinema. É autor de outros clássicos como "A dupla vida de Veronique" (1990) e a "Trilogia das Cores" ("A liberdade é azul", 1993, "A igualdade é branca" e "A fraternidade é vermelha", ambos de 1994). Com "Decálogo", Kieślowski ganhou nove prêmios internacionais, incluindo o prêmio da crítica da 13ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, de 1988, e o prêmio FIPRESCI do Festival de Cinema de Veneza do mesmo ano.

O projeto inicial da obra envolvia a produção de um pequeno filme sobre cada um dos Dez Mandamentos, a ser exibido na TV local. Mas Kieślowski preferiu uma reflexão mais ampla, a partir da decadência dos valores em uma Polônia em transformação durante o século XX, marcada pelo nazismo e pelo ateísmo. Ao iniciar os trabalhos, porém, preferiu retirar todas as referências históricas e geográficas locais e deu dimensões mais universais à obra.

Assim, mesmo que a história se passe em um apartamento frio e monótono de um país do Leste Europeu, na verdade, dentro daquelas paredes, desenvolve-se um drama universal: um pai e professor universitário, dividido entre a crença científica e a fé religiosa; uma mulher que engravida de seu amante e resolve abortar; outra mulher que, para procurar seu marido desaparecido, pede ajuda a um antigo amante; uma jovem de 20 anos que descobre, por meio de cartas escritas pela mãe, que o homem viúvo com quem vive não é seu verdadeiro pai; três personagens (um desempregado, um taxista e um advogado novato) reunidos por causa de um crime; um jovem que declara seu amor a uma vizinha; uma garota que entrega sua filha para a avó criar; o encontro entre uma pesquisadora judia com sua ex-professora universitária que, há 45 anos, negara-lhe ajuda durante a Segunda Guerra Mundial; uma mulher que se envolve com um jovem amante após descobrir a impotência sexual de seu marido; uma família em busca de segurança após a morte de seu patriarca, um filatelista, que deixou uma grande fortuna.

Histórias singelas e comuns, mas que questionam profundamente, em cada decisão, em cada circunstância, as "certezas" da vida. Nem tudo é preto ou branco: é em uma zona incerta que a desobediência dos personagens a um dos mandamentos bíblicos se coloca. Decisões certas ou erradas? O espectador não é convidado a dar seu veredito final: espera-se que ele reflita eticamente: o que eu faria em seu lugar?

Os desafios da convivência humana

Foi por isso que outro grande diretor do século XX, Stanley Kubrick, do clássico "Laranja Mecânica" (1971), relutou em escrever um posfácio ao livro publicado com os roteiros de "Decálogo", exatamente para não simplificar e reduzir a obra. Porém, afirma Kubrick, Kieślowski e Piesiewicz "tiveram a habilidade muito rara de dramatizar suas ideias, em vez de apenas falar sobre elas". Ao apresentá-las por meio da ação dramática da história, comenta Kubrick, "eles ganharam o poder adicional de permitir que os espectadores descubram o que realmente está acontecendo", em vez de simplesmente ficarem sabendo por meio de um narrador. Segundo ele, em "Decálogo", "você nunca vê as ideias vindo e só percebe muito depois o quão profundamente elas atingiram o seu coração".

Em época de preparação para a Páscoa, a obra irá permitir uma reflexão profunda sobre as possibilidades e os limites éticos da convivência humana nas situações mais comuns do dia-a-dia. Em uma análise cristã, a Páscoa nos relembra as consequências extremas que nossas decisões podem acarretar, mesmo que vislumbremos sempre a vitória, manifestada na Ressurreição de Cristo. Em uma perspectiva laica, a vida nos propõe desafios e situações em que nos é exigido um posicionamento, uma resposta pessoal. Nossa esperança é que essa contrapartida pessoal nos leve à felicidade. Por isso, acompanhando as histórias de "Decálogo", podemos pensar sobre a nossa postura ética diante de situações extremas que talvez ainda não vivemos, ou diante de situações comuns que enfrentamos cotidianamente, mas cujas consequências passam-nos despercebidas.

Nesse sentido, há em toda a série um personagem anônimo, interpretado por Artur Barciś, que não fala absolutamente nada, em nenhum dos filmes, apenas presenciando os momentos chave das histórias, sem nunca tomar parte neles. Alguns veem nesse personagem a representação do divino. Mas, talvez, essa seja a postura que nós, enquanto espectadores, somos chamados a ter: durante a exibição, apenas acompanhar de perto tudo aquilo que os personagens vivem, sem julgá-los. Depois que as luzes se acendem, do lado de fora da sala de exibição, nossa vida diária nos oferecerá, talvez, as mesmas situações. E, nesse momento, seremos convidados a fazer uma escolha pessoal, não mais embasada em "tábuas de pedra", mas sim em "tábuas de carne", em nossos corações, como diria Paulo de Tarso, séculos mais tarde, a respeito do Decálogo bíblico. Para que "vivais e sejais felizes, e vossos dias se prolonguem", como disse Moisés, há 6.000 anos, ao transmitir os mandamentos ao povo.

Em Limeira: 1º Festival Clandestino de Curta Metragem

2011-07-05T14:42:00.000-07:00

Mais informações em: http://coletivopodemico.blogspot.com/

02/07: Decálogo (Krzystof Kieslowski, 1989) - CAPÍTULOS I E II

2011-07-01T05:28:00.000-07:00

Sinopse
Realizado para a televisão polonesa em 1989, Decálogo é... um conjunto de filmes inspirados nos Dez Mandamentos. Ambientadas no mesmo condomínio de Varsóvia, a capital da Polônia, as histórias ilustram conflitos morais e dramas familiares. Vencedor do Prêmio da Crítica Internacional no Festival de Cinema de Veneza, Decálogo consagrou internacionalmente Kieslowski. Uma obra simplesmente monumental. Direção: Krszystof Kieslowski.

Decálogo 1 - Amarás a Deus Sobre Todas as Coisas
O primeiro episódio trata das emoções a que o ser humano está exposto durante sua passagem pela Terra. Neste, um professor universitário que acredita na razão e nas forças das leis da ciência, convive com seu filho de 10 anos, dividido entre a crença científica paterna e a fé religiosa de uma tia. 53 minutos.

Decálogo 2 - Não Tomarás Seu Santo Nome em Vão
Mulher engravida de seu amante e resolve abortar, caso seu marido, gravemente enfermo, se recupere. Uma reflexão profunda sobre morte e uma nova vida, quando elas conflitam entre si, e a visão do grande diretor polonês. 57 minutos.

"O único trabalho que pode ser chamado de obra-prima no cinema de meu tempo" (Stanley Kubrick sobre o 'Decálogo')

Crítica: Decálogo (Krzystof Kieslowski, 1989)

2011-07-01T05:20:00.000-07:00

por Rodrigo Carreiro
Extraído de http://www.cinereporter.com.br/criticas/decalogo/

“Decálogo” (Dekalog, Polônia, 1987), do grande diretor polonês Krzysztof Kieslowski, é um projeto difícil de classificar e árduo de descrever. Alguns críticos preferem vê-lo não como um filme, mas como dez médias-metragens independentes entre si. Eles não estão errados, mas também não estão certos. Difícil de entender? É o seguinte: as dez histórias independentes de “Decálogo” possuem uma unidade temática e narrativa rara. Você pode ver um só episódio ou os dez, e então perceber conexões aparentemente invisíveis entre elas. De qualquer forma, a minissérie filmada para a TV polonesa está sendo, desde 2000, comercializada como um único pacote de três DVDs, nos EUA.

O formato é virtualmente perfeito para introduzir o espectador num dos projetos mais densos e belos já formatados para a telinha da TV. “Decálogo” é Kieslowski – o último dos grandes cineastas europeus a beber na fonte do existencialismo, a exemplo de Bergman e Antonioni – na plenitude de seus poderes de dramaturgo. Nas dez histórias, todas ambientadas em um conjunto residencial de Varsóvia, pessoas comuns enfrentam problemas cotidianos que se manifestam em diversas camadas de significados. Nas histórias, Kieslowski propõe uma discussão livre sobre temas universais da condição humana: amor, culpa, solidão, amizade, tristeza, ética, medo.

A idéia inicial do cineasta, que escreveu os dez roteiros junto com o parceiro Krzysztof Piesiewicz, era fazer um pequeno filme sobre cada um dos Dez Mandamentos. O projeto partiria de uma reflexão mais ampla a respeito da decadência dos valores católicos em uma Polônia transformada durante o século XX em terra devastada, pelos nazistas, e depois em território de ateísmo obrigatório, pelos comunistas. Enquanto escrevia as histórias, contudo, KIeslowski mudou de idéia. Retirou todas as referências à política, ao tempo e ao país, e deu dimensões mais universais à narrativa.

Além disso, o diretor não cometeu o erro de restringir cada história à abordagem de um único mandamento. Essa abordagem, pelo contrário, era sempre fluida, mera desculpa para a investigação de problemas que todos nós vivemos, em algum momento de nossas vidas. O fio narrativo comum é o espaço em que as tramas se desenrolam. O conjunto de apartamentos, com sua arquitetura monótona típica dos países do Leste europeu, sugere que, dentro de cada uma daquelas janelas, um drama universal e, ao mesmo tempo, particular se desenrola. Kieslowski sugere ter escolhido, quase aleatoriamente, dez dessas histórias para narrar.

Agindo assim, o diretor conseguiu produzir uma pequeno conjunto de filmes que pode ser assistido tanto como um projeto único quanto como dez pedaços de vida independentes. Coletivamente, “Decálogo” ganha ares de obra-prima; trata-se de uma coleção completa de histórias intimistas, que cobre todo o espectro de emoções a que um ser humano está exposto durante sua breve passagem pela Terra. Nesse sentido, “Decálogo” consegue algo que nem mesmo os melhores trabalhos de Kieslowski (“A Dupla Vida de Verónique” e a trilogia das Cores) ousou atingir: transcendência. A soma dos dez fatores supera, e muito, o valor individual de cada um deles. É um caso atípico em que 2 mais 2 são 5.

Quando se observa os dez pequenos filmes como um conjunto único, fica difícil apontar destaques. Os episódios têm uma admirável coerência e uma força coletiva inigualável. Entre os meus preferidos está o terceiro, em que uma mulher desesperada bate à porta da casa de um ex-amante, em plena noite de Natal, e pede a ajuda dele para encontrar o marido desaparecido. O sexto, que narra a história de um rapaz tímido que se apaixona por uma vizinha e adquire o hábito de espiá-la e segui-la sempre que tem chance, é também surpreendente. Mas todas as histórias, de certa forma, o são. Elas estão muito distante do tipo de narrativa clássico, com começo, meio e fim bem demarcados. São pequenas fatias de vida, como se o Robert Altman de “Short Cuts” fizesse um filme menos dramático e enfocasse problemas mais banais.

Kieslowski filmou os dez episódios com diferentes diretores de fotografia, mas a unidade visual é bastante evidente. Ele também providenciou que os diferentes protagonistas de cada episódio aparecessem, como figurantes, em outros; assim, o espectador atento pode reconhecer o médico do episódio 2 dividindo um elevador com o casal que protagoniza o episódio 3, e assim por diante. Há ainda um personagem misterioso, que não tem nome e jamais abre a boca, que aparece nos dez episódios, observando a ação sem nunca tomar parte dela. O sujeito é um mistério que Kieslowski nunca quis elucidar. Ele só pediu que o “homem sem nome” não servisse de distração para os verdadeiros mistérios que quis apresentar nos enredos de cada história. Que assim seja. “Decálogo” é cinema em um nível de excelência que não existe mais, obrigatório na coleção de qualquer cinéfilo que se interessa pelos mistérios da natureza humana.

Decálogo de Kieslowski. Uma provocação

2011-07-01T05:07:00.000-07:00

por Graziela Wolfart
Extraído de http://www.ihuonline.unisinos.br/index.php?option=com_content&view=article&id=3108&secao=323

Ao refletir sobre a importância da série de dez filmes Decálogo, do diretor polonês Krzysztof Kieslowski, a jornalista e crítica de cinema, Neusa Barbosa, lembra que os dez mandamentos, inspiração para a obra, “falam de não matar, não roubar, não cobiçar a mulher do próximo. Eles tentam cobrir algumas das que seriam as questões principais da vida, mas não conseguem. A primeira discussão é essa: os dez mandamentos encerram toda a ética da humanidade, tudo o que se precisa saber ou pensar sobre o comportamento humano? Não. Mesmo que se fizessem 20 mandamentos, 30, 50 ou 100 mandamentos, também não esgotaria, porque a vida humana é complexa. Isso que Kieslowski coloca na obra dele. A vida é mais complexa do que nossas tentativas de colocar regras nas coisas”. Na entrevista que concedeu por telefone à IHU On-Line, Neusa considera que “Kieslowski olha para a vida humana e tenta ser honesto com o retrato da humanidade. Ele não está querendo criar receitas com seus filmes. Os personagens que ele cria e coloca em determinadas situações e interações uns com os outros, mostram que ele tenta olhar para a vida humana e evidenciar o quanto ela é rica, complexa e difícil também”. Ela não percebe uma ética clara nos filmes de Kieslowski. “Existe um amor pelo ser humano nos filmes dele, um amor pelos personagens em todas as suas fraquezas, limitações, até sob os personagens marginais, criminosos, ele tem um enfoque que permite que vejamos o ser humano, não um monstro, não um maniqueísta. Ele não julga os personagens”.

A série de filmes Decálogo está sendo exibida na Unisinos, como parte da programação de Páscoa IHU 2010. Nesta semana, serão exibidos os Decálogos V, VI, VII, VIII, IX e X.

A jornalista, crítica e pesquisadora paulistana Neusa Barbosa trabalhou no jornal Folha de S. Paulo e na revista Veja S. Paulo. Atualmente, edita o site "Cineweb" (www.cineweb.com.br), especializado em cinema, e colabora com as revistas Bravo e Wish Report. Especialista em crítica de cinema, costuma participar da cobertura de festivais internacionais, como Cannes e Veneza, e nacionais, como Brasília, Recife e Gramado. Além disso, dedica-se a cursos sobre cinema. Entre seus livros publicados citamos Gente de Cinema – Woody Allen (Editora Papagaio, 2002), e Críticas de Luiz Geraldo de Miranda Leão: Analisando Cinema (Imprensa Oficial SP, 2006).

Confira a entrevista.

IHU On-Line – O que caracteriza a carreira do diretor polonês Krzysztof Kieslowski?

Neusa Barbosa – Ele foi um dos diretores mais importantes do século XX. A obra dele repercute até hoje, principalmente pela maneira como retratou as relações humanas. Ele é um diretor humanista, acima de tudo, e conseguiu fazer filmes de uma enorme sensibilidade e uma obra que não foi muito grande, em termos numéricos, mas com filmes muito intensos, e que influenciaram vários outros diretores.

IHU On-Line - Como você define ou qualifica a obra Decálogo, projeto de dez médias-metragens?

Neusa Barbosa – Esse projeto é interessante, porque a Polônia é um país católico, de tradição católica. Mas no momento em que Kieslowski se torna cineasta, eles estão sob o regime comunista e, na verdade, escolher o Decálogo, que tem uma correspondência com os dez mandamentos cristãos, não deixa de ser uma provocação kieslowskiana. A maneira como ele aborda as situações dos filmes, em cada um deles, não é nada cristã. Quem achou que ele faria uma abordagem religiosa, perdeu o bonde. É uma provocação artística, principalmente em termos políticos. É algo curioso, porque ele produzia para a televisão. E a televisão com certeza era estatal, num regime comunista. Ele estava testando os limites. E, ao fazer os filmes, ele não respeita uma liturgia católica, porque em todos os filmes as problemáticas pessoais de cada uma das pessoas são profundamente humanas e também há a interferência do acaso, que é muito forte na obra do Kieslowski. O acaso é tão importante quanto a vontade, o desejo, o sonho do personagem; é o acaso que muda tudo. E o acaso é algo cego, que não é moral, não é religioso. O acaso é como um raio que cai na cabeça de alguém. E não teve diretor que retratou de maneira melhor a dualidade da vida humana, mostrando que a intenção, o sonho e tudo o que o ser humano faz deliberadamente, achando que tem livre arbítrio, é algo que dura até que o acaso modifique a situação. Mas, reitero, não é um acaso religioso. Kieslowski não era uma pessoa religiosa. Ele era um humanista.

IHU On-Line - Como as questões da ética e da complexidade da vida humana aparecem na obra?

Neusa Barbosa – Em muitos de seus filmes, no Decálogo e fora dele também, Kieslowski coloca os personagens confrontados com dilemas morais, pois têm que fazer escolhas muito drásticas. A questão ética percorre toda a obra dele. Por exemplo, no filme Não matarás, tem toda uma discussão sobre alguém que comete um crime hediondo, mas existe também a pena de morte, que é algo eticamente discutível. Ele nunca facilita. Os filmes do Kieslowski nunca são maniqueístas. Ele sempre tenta compreender a complexidade das questões de vários ângulos.

IHU On-Line - Como entender que os dez mandamentos tenham inspirado a obra cinematográfica Decálogo?

Neusa Barbosa – A própria existência dos dez mandamentos tem uma preocupação ética por trás. Fazer dez mandamentos para pautar a conduta humana, significa procurar impor limites éticos para as coisas, definir o que é crime, que limites se devem respeitar. E isso encontra um espaço na doutrina religiosa. Só que Kieslowski, ao colocar isso como tema, faz uma provocação artística mesmo. Ele quer colocar isso em questão, que não dá para seguir uma regra 100%, porque a vida humana é muito mais complicada do que isso. Por mais que você queira seguir um Abraão, não vai conseguir totalmente. E daí você fica sozinho com a sua ética, com a sua vontade, e tendo que lidar com o imponderável, que é um acaso, um acidente, que é uma escolha a fazer naquele momento. A obra Decálogo tem várias questões. Os dez mandamentos falam de não matar, não roubar, não cobiçar a mulher do próximo. Eles tentam cobrir algumas das que seriam as questões principais da vida, mas não conseguem. A primeira discussão é essa: os dez mandamentos encerram toda a ética da humanidade, tudo o que se precisa saber ou pensar sobre o comportamento humano? Não. Mesmo que se fizessem 20 mandamentos, 30, 50 ou 100 mandamentos, também não esgotaria, porque a vida humana é complexa. Isso que Kieslowski coloca na obra dele. A vida é mais complexa do que nossas tentativas de colocar regras nas coisas. Embora o fato de ter uma ética seja positivo.

IHU On-Line - O que caracteriza a ética do cotidiano e o sentido da vida humana na obra de Kieslowski?

Neusa Barbosa – Kieslowski olha para a vida humana e tenta ser honesto com o retrato da humanidade. Ele não está querendo criar receitas com seus filmes. Os personagens que ele cria e coloca em determinadas situações e interações uns com os outros, mostram que ele tenta olhar para a vida humana e evidenciar o quanto ela é rica, complexa e difícil também. Não sei se podemos ler uma ética tão clara nos filmes dele. Existe um amor pelo ser humano nos filmes dele, um amor pelos personagens em todas as suas fraquezas, limitações, até sob os personagens marginais, criminosos, ele tem um enfoque que permite que vejamos o ser humano, não um monstro, não um maniqueísta. Ele não julga os personagens.

IHU On-Line - Qual é a visão da "Lei de Deus" de Kieslowski?

Neusa Barbosa – Não sei se Kieslowski acreditava em Deus. Pelos filmes, para mim, passa que não. Ele não seguia os dez mandamentos. Vejo que os dez mandamentos no filme aparecem como um pretexto para ele olhar para a situação das pessoas, naquele momento, naquele lugar. Não acho que vamos ver lei de Deus nos filmes do Kieslowski, vamos ver a lei dos homens. Não vejo religião nos filmes do Kieslowski a não ser para colocar em dúvida, para mostrar que a religião não dá conta da complexidade da vida humana. Talvez ele nem fosse ateu. A leitura que faço é que ele não está reafirmando a lei de Deus nos filmes, mas a está colocando em questão, e está refletindo sobre os limites que ela tem. Kieslowski faz muita falta, sinto muita falta do toque que ele tinha para contar suas histórias, com delicadeza e intensidade. Ele não tem um herdeiro à altura. Sinto saudades dele.

Para saber mais:

* "Decálogo" de Kieślowski: o cinema repensando a ética, artigo de Moisés Sbardelotto, publicado na IHU On-Line número 321, de 15-03-2010;

* O Decálogo de Kieślowski e o debate sobre os Mandamentos, entrevista com Marcus Mello, publicada na IHU On-Line número 321, de 15-03-2010;

* Um cinema humanista de primeira qualidade, entrevista com Carlos Gerbase, publicada na IHU On-Line número 322, de 22-03-2010.

Programação de Julho: Decálogo (Krzystof Kieslowski, 1989)

2011-07-01T04:38:00.000-07:00

"O único trabalho que pode ser chamado de obra-prima no cinema de meu tempo" (Stanley Kubrick sobre o 'Decálogo')

"“Decálogo” é Kieslowski – o último dos grandes cineastas europeus a beber na fonte do existencialismo, a exemplo de Bergman e Antonioni – na plenitude de seus poderes de dramaturgo." -> http://www.cinereporter.com.br/criticas/decalogo/

"O cinema de Kieslowski justifica que se faça a pé, e de joelhos, o caminho de São Tiago." -> http://blogs.estadao.com.br/luiz-carlos-merten/kieslowski/

25/06: Ninho Vazio (Daniel Burman, 2008)

2011-06-23T17:52:00.000-07:00

Ninho Vazio - Daniel Burman (2008)

Sinopse

Quando os filhos de Leonardo e Martha saem de casa para o mundo, os dois voltam a conviver de forma intensa, trazendo à tona diferenças antes encobertas. Martha se adapta rapidamente às mudanças: retoma a faculdade e uma vida social intensa. Leonardo, escritor renomado, está cansado das obrigações sociais e opta pela introversão. Ele sente medo das transformações em seu entorno e vê uma crise de meia-idade se aproximar. Para descobrir como se acomodar à nova configuração de sua vida e salvar o casamento, Leonardo se entrega à imaginação e embarca numa longa viagem interior. Duração: 91 minutos

Assista aqui ao trailer.

Crítica: Ninho Vazio (Daniel Burman, 2008)

2011-06-23T17:43:00.000-07:00

por Tiago Mota
Extraído de http://paradacritica.blogspot.com/2009/02/ninho-vazio-el-nido-vacio.html

Nossos hermanos da Argentina fazem bom cinema, isso já é sabido. É uma pena que não muitas produções argentinas cheguem a nós, motivo pelo qual vale conferir Ninho Vazio, na sala alternativa mais perto de você. É interessante notar a estética diferente, a narração típica e mesmo a fotografia puxando bastante do cinema europeu. Aliás, como é colocado pelo senso comum, os argentinos adoram se sentir europeus, e se no cinema isso não é necessariamente verdade, neste filme é. Das paisagens às tomadas, e às vezes também na forma como colocam os diálogos, por pouco não somos enganados. Só a trilha sonora, alternando entre o jazz norte-americano e a bossa - sim, a nossa bossa - remonta ao clima do reino do Prata.

O diretor, Daniel Burman, gosta de dramas familiares. Seus dois últimos filmes, Direitos de Família e Abraço Partido, tratam desse tema, e especificamente relacionado ao pai. Ninho Vazio segue a mesma tendência, acompanhando um pai depois que seus filhos deixaram o lar. No papel principal, Oscar Martínez, um dos mais conhecidos atores argentinos, em uma atuação muito boa. Como seu par, Cecilia Roth é aquela atriz que temos a sensação de já ter visto antes. Estamos certos, ela protagonizou Tudo Sobre Minha Mãe, de Almodovar. O estilo argentino de drama é bastante realista, com cenas em que às vezes todos falam ao mesmo tempo e não se percebe um diálogo propriamente dito, e outros com longos silêncios. A trama, muito centrada em um único personagem, parece correr solta, mas é na verdade uma ótima armadilha de Burman.

Para quem gosta mesmo de cinema, uma visita à filmes como este são essenciais. Além de nos impactarem com as diferenças estéticas, também nos apresentam uma sétima arte muito boa, nossa vizinha, e a quem não damos muita atenção. Eles produzem mais que nós, e a mais tempo, mas com mais ou menos o mesmo dinheiro. E, mesmo em filmes aparentemente simples como este, podemos perceber que há um caminho a ser trilhado por nós. Pelo menos no cinema, vamos esquecer a eterna rixa brasileiro-argentino - rixa que, aliás, para eles se resume ao futebol.

11/06: Homem Olhando Para o Sudeste (Eliseo Subiela, 1986)

2011-06-09T19:45:00.000-07:00

Homem Olhando Para o Sudeste - Eliseo Subiela (1986)

Sinopse

Inesperadamente aparece um novo paciente no hospício. Seu nome é Rantes e ele afirma ser um mensageiro que veio de outro planeta estudar a estupidez humana. Rantes é tratado como mais um dos doentes e o psiquiatra do hospício, Julio Denis, é extremente cético e suspeita que ele seja um foragido da lei. Mas com o passar do tempo começa a observar alguns estranhos fenômenos que o levam a ter dúvidas de sua incredulidade. Entretanto, se acreditar em Rantes, também será tachado de louco. Hombre mirando al sudeste é de uma atmosfera profunda e hipnotizante e é uma das maiores obras primas do cinema argentino, sendo uma das obras responsáveis, ao lado de e A História Oficial (Luis Puenzo, 1985) e Boda Secreta (Alejandro Agresti, 1989), que fez renascer o cinema argentino após o fim de sua ditadura militar. Duração: 103 minutos.

NÃO PERCAM! APÓS A SESSÃO HAVERÁ UM DEBATE COM O PSICOLÓGO AUGUSTO CALLILE.

"Hombre Mirando al Sudeste es un film preciso en su construcción, realizado con mínimos recursos pero colmado de elocuencia y sensibilidad en su exposición, con actuaciones justas donde destaca particularmente Hugo Soto, quien nutre al loco-extraterrestre de un matiz invariable durante todo el film, tornándolo asertivo e inasible."
(...)
Hombre Mirando al Sudeste resulta un trabajo hermoso y trascendente, humano. El cine trasmutado, con honestidad, en poesía."
por Voga (Confira aqui o texto completo em espanhol)

E aqui, um texto, em inglês, sobre o renascimento do cinema argentino após a ditadura militar. O texto chama-se The Repressed Signifier: the Cinema ofAlejandro Agresti and Eliseo Subiela.

04/06: O Segredo dos Seus Olhos (Juan Jose Campanella, 2009)

2011-06-03T06:30:00.000-07:00

O Segredo dos Seus Olhos - Juan Jose Campanella (2009)

Sinopse
Um oficial de justiça aposentado que, para seguir tranquilo em seu caminho, precisa se livrar do que ficou pra trás. Para isso, Esposito resolve escrever um romance, não um romance sobre toda sua vida, mas sobre um caso em especial, um crime que mudou a sua forma de enxergar a realidade, que mudou completamente a sua vida. Além desse crime, Esposito também fala no livro de sua relação com sua ex-chefe, Irene que acompanha de perto a confecção do romance, 30 anos depois do crime. Vencedor do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro de Oscar de 2009. Duração: 127 minutos

Crítica: O Segredo dos Seus Olhos (Juan Jose Campanella, 2009)

2011-06-03T06:21:00.000-07:00

por Bruno Marques
Extraído de http://cinema10.com.br/criticas/o-segredo-dos-seus-olhos

Costumo brincar que os argentinos são especialistas em somente três coisas: Alfajores, tango e roteiros de cinema. Futebol nem pensar. Brincadeiras a parte, o cinema produzido pelos “hermanos”, principalmente após os anos 90, é atualmente o grande representante do cinema latino-americano em festivais e mostras em todo o mundo. Um dos responsáveis pela transição da industria áudio-visual naquele país, Juan José Campanella, diretor de sucessos como O Filho da Noiva (2001) e O Mesmo Amor, a Mesma Chuva (2000), realizou em 2009 o seu melhor filme: O Segredo Dos Seus Olhos. Um thriller policial profundo, que só comprova a evolução das películas realizadas na “terra de Gardel”.

O roteiro adaptado pelo próprio Juan, conta a história de Benjamín Esposito, interpretado pelo soberbo ator Ricardo Darín, um ex-defensor público, que vive atormentado por fantasmas do passado, por não ter conseguido resolver um caso de homicídio. Obcecado em se livrar do peso de sua consciência, resolve então escrever um livro que resgate as lembranças daquela época, tentando de alguma forma chegar uma conclusão sobre os erros que contribuíram para seu insucesso.

Muito mais que um filme de mistério, O Segredo Dos Seus Olhos, trata-se de um estudo sobre a obsessão, assim como O Silêncio do Lago (1988) e Zodíaco (2007), tanto que em determinado momento da trama o filme deixa de lado a questão do delito, passando a explorar o comportamento psicológico do protagonista, que afunda em angústia frente a sua impotência em resolver o caso.

No elenco além de Darín estão Soledad Villamil, que já havia trabalhado com o diretor em O Mesmo Amor, a Mesma Chuva e Guillermo Francella, mais conhecido por suas atuações em comédias. Todos estão ótimos em cena, principalmente a partir da primeira hora de projeção, quando a trama vai elevando sua tensão.

É imprescindível lembrar do ótimo trabalho de caracterização, que contribuiu para dar maior realismo a trama, já que o envelhecimento e rejuvenescimento dos atores ao longo do filme é digno de grandes produções americanas.

Outro destaque fica por conta da fotografia, que usa e abusa da profundidade de campo, efeitos de desfoque (na linda cena inicial) e planos sequências. Na verdade o filme conta com apenas um plano sequência, mas que vale por um Arca Russa* inteiro. A cena de tirar o fôlego, mostra a perseguição do assassino durante uma partida de futebol, começando em um grande plano geral da cidade de Avellaneda, captada de um helicóptero, aos poucos vai se transformando em um plano fechado da tentativa de captura do marginal, tudo captado no meio dos torcedores. A cena terminando em um close do rosto do delinquente preso no gramado onde se realizava o jogo.

A produção teve grande êxito comercial na Argentina, perto de 1 milhão de expectadores, além de ter tido boa recepção pela crítica. Acredito que este sucesso só foi possível graças a boa relação do público com seus atores e diretores, pois assim como no México, a Argentina conta com um casting que atrai expectadores exclusivamente para o cinema, diferentemente de nossas produções em que nossos atores dividem suas carreiras entre o cinema e a TV, aumentando suas exposições e consequentemente o desgaste de suas imagens, além de por vezes nossos diretores recorrerem a tentativa da adaptação de uma linguagem televisiva para o cinema. O resultado é o esvaziamento das salas de exibição.

Em função de sua grande qualidade, o filme foi um dos pré-qualificados para tentar uma vaga na corrida pelo Oscar de melhor filme estrangeiro em 2010, representando a Argentina na disputa. Não seria exagero se concorresse também ao prêmio de melhor fotografia e Roteiro adaptado, porém acredito que o filme não terá força política para tanto.

Mesmo com ou sem Oscar, o filme merece ser visto, pois se trata do melhor filme de um dos grandes diretores argentinos contemporâneos.

*Arca Russa: Filme de 2002 dirigido por Aleksandr Sokurov, totalmente feito em plano sequência.

Programação Junho 2011: O Cinema Argentino

2011-06-03T04:17:00.001-07:00

Em junho de 2011, o Cine Clube Ybitu Katu terá como tema o Cinema Argentino realizado após o período de ditadura militar.

O Cine Clube Ybitu Katu exibe:

04/06: O Segredo dos Seus Olhos (Juan Jose Campanella, 2009)

Um oficial de justiça aposentado que, para seguir tranquilo em seu caminho, precisa se livrar do que ficou pra trás. Para isso, Esposito resolve escrever um romance, não um romance sobre toda sua vida, mas sobre um caso em especial, um crime que mudou a sua forma de enxergar a realidade, que mudou completamente a sua vida. Além desse crime, Esposito também fala no livro de sua relação com sua ex-chefe, Irene que acompanha de perto a confecção do romance, 30 anos depois do crime. Duração: 127 minutos

11/06: Homem Olhando para o Sudeste (Eliseo Subiela, 1986)
Inesperadamente aparece um novo paciente no hospício. Seu nome é Rantes e ele afirma ser um mensageiro que veio de outro planeta estudar a estupidez humana. Rantes é tratado como mais um dos doentes e o psiquiatra do hospício, Julio Denis, é extremente cético e suspeita que ele seja um foragido da lei. Mas com o passar do tempo começa a observar alguns estranhos fenômenos que o levam a ter dúvidas de sua incredulidade. Entretanto, se acreditar em Rantes, também será tachado de louco. Hombre mirando al sudeste é de uma atmosfera profunda e hipnotizante e é uma das maiores obras primas do cinema argentino, sendo uma das obras responsáveis, ao lado de e A História Oficial (Luis Puenzo, 1985) e Boda Secreta (Alejandro Agresti, 1989), que fez renascer o cinema argentino após o fim de sua ditadura militar. Duração: 107 minutos.

18/06: A História Oficial (Luis Puenzo, 1985)

Na Buenos Aires dos anos 80, Alicia e seu marido Roberto vivem tranqüilamente com Gaby, sua filha adotiva. Porém, após o reencontro com uma velha amiga recém-chegada do exílio, Alicia começa a tomar conhecimento da cruel realidade do regime militar argentino, passando a questionar todas as suas certezas e o que considerava como verdade. Uma realidade para a qual Alicia não estava preparada, mas que agora terá de enfrentar com todas as suas conseqüências.
Um dos mais importantes filmes do cinema político mundial, A História Oficial é vencedor de vários festivais de cinema internacionais, incluindo o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, além da Palma de Ouro de Melhor Atriz para Norma Aleandro. Duração: 113 minutos

25/06: O Ninho Vazio (Daniel Burman, 2008)

Programação Junho 2011: O Cinema Arenting

2011-06-03T04:17:00.000-07:00

28/05: Novos Baianos Futebol Clube (Solano Ribeiro, 1973)

2011-05-27T06:34:00.000-07:00

Novos Baianos Futebol Clube - Solano Ribeiro (1973)

Sinopse

Novos Baianos F. C., gravado há 35 anos para uma emissora de TV alemã e que permanece inédito até hoje no Brasil. Em quase duas horas de filme, Moraes Moreira, Pepeu Gomes, Baby Consuelo e companhia são flagrados em ações cotidianas, jogando futebol, cuidando de crianças e, claro, fazendo música. É um retrato fiel do estilo riponga do qual os baianos eram um ícone no começo dos anos 70.

As músicas desse mágico documentário são de dois discos antológicos da Música Popular Brasileira, "Acabou Chorare" e "Futebol Clube", do momento mais criativo da banda, Moraes Moreira compondo muito, Galvão o poeta escrevendo demais, Pepeu mandando brasa na guitarra, Paulinho Boca de Cantor soltando o gogó brasileiríssimo, a menina dança Baby arrepiando, e aqueles músicos fantásticos que faziam um som único e grandioso.

A abertura com Brasil Pandeiro do genial Assis Valente, imortalizada pelos Novos Baianos, e na sequência clássicos, como "A menina dança", "Preta Pretinha", ao vivo no quintal no sítio Cantinho do Vovô, em Jacarepaguá, local onde os Novos Baianos viviam numa comunidade familiar de paz, amor e muita música. O câmera brinca com o humor oscilante e a malandragem de Paulinho Boca de Cantor em Mistério do Planeta, a fantástica versão de "Besta é Tu" no interior da casa, com toda a percussão maravilhosa num clima de naturalidade e de um Brasil brasileiro vibrante e resplandecente e muitas outras músicas, momentos e emoções captadas magistralmente por Solano Ribeiro com uma filmagem de profunda sensibilidade a altura da riqueza da música dos Novos Baianos.

O filme rendeu ao diretor, Solano Ribeiro, uma premiação no Festival Europeu de Televisão, realizado na Áustria. O produtor é conhecido como o idealizador dos famosos festivais de música popular brasileira da TV Record. Entre outros artistas, lançou Elis Regina, Nara Leão, Chico Buarque, Tom Zé, Mutantes e Raul Seixas.
É um tesouro cultural de valor incalculável.
"Abre a porta e a janela e vem ver o sol nascer..."

p.s. Como este documentário é curto (30 minutos de duração) exibiremos também outro mini documentário sobre Os Mutantes, dirigido por Antônio Carlos da Fontoura em 1970 (6 minutos).

21/05: Loki - Arnaldo Batista (Paulo Henrique Fontanelle, 2009)

2011-05-19T21:28:00.000-07:00

Loki - Arnaldo Batista - Paulo Henrique Fontanelle (2009)

Sinopse
Cinebiografia do músico Arnaldo Baptista, ex-integrante dos Mutantes, contada através de um quadro traçado pelo próprio artista. A pintura é intercalada com imagens históricas que remetem aos principais momentos de sua trajetória artística, que fizeram dele um dos grandes nomes do rock brasileiro. Depoimentos de Tom Zé, Nelson Motta, Gilberto Gil, Sean Lennon, entre outros. Duração: 120 minutos.

Assista aqui ao trailer.

Crítica: Loki - Arnaldo Batista (Paulo Henrique Fontanelle, 2009)

2011-05-19T21:14:00.000-07:00

por Ana Martinelli
Extraído de http://cinema.cineclick.uol.com.br/criticas/ficha/filme/loki-arnaldo-baptista/id/2171

sinto o pulso de todos os tempos, comigo

até quando eu não sei

sinto o barato de ser ser humano, comigo

até quando, até quando Deus quiser.

O trecho acima faz parte da música Desculpe, do álbum Lóki?, de Arnaldo Baptista. O nome do primeiro álbum solo do eterno Mutante também dá nome ao documentário de Paulo Henrique Fontenelle, Loki – Arnaldo Baptista.

Produção do Canal Brasil, Loki – Arnaldo Baptista é muito fácil de assistir, por sua linguagem simples, direta, televisiva. O filme ganha com o tom despretensioso, Fontenelle deixa o espectador muito a vontade para se envolver com o personagem e sua trajetória de vida. Talvez a opção dê-se por conta da genialidade de seu objeto, podemos pensar em algo do tipo: ‘não temos a pretensão de ser tão genial quanto o gênio’. Mas pode ser também por falta de ousadia, pois o personagem permitia uma maior experimentação de linguagem.

Fontenelle acumula as funções de roteirista, diretor e montador. Logo, pressupõe-se que ele conhecia como ninguém o rico material que tinha em mãos e teve acesso privilegiado à Baptista, ex-Mutantes com exceção de Rita Lee, Tom Zé, Lobão, amigos e familiares. Cabia a ele a função de cortar os excessos e, certamente, o filme ganharia se fosse encurtado em pelo menos 20 minutos. O diretor faz um bom trabalho ao aproximar-se carinhosamente do mundo de Baptista, descortinar o que ele tem de mais precioso: seu senso de humanidade. Justamente por esta razão o filme merece ser visto, Arnaldo Baptista é absolutamente fascinante.

Arnaldo Baptista hoje dedica grande parte de seu tempo à pintura e Loki começa justamente com um quadro em branco. Com este recurso começamos o filme com um quadro a ser pintado, com as possibilidades de alçar vôo, a tela em branco é o convite à jornada e, cabe ao próprio Baptista a tarefa de pintá-la.

A ideia de construir com o espectador o quadro representando o caminho da narrativa da pintura pelo documentário é interessante e, apesar de não ser tão formal (leia-se muito "careta"), o filme é didático. Segue uma linha cronológica, aproveita-se de “ganchos” das falas dos entrevistados ou de frases musicais para introduzir e encadear a narrativa por temas. Flerta com a busca de imagens e sons mais poéticos ao sobrepor passado e presente.

Sem dúvida, é delicioso conhecer mais e, para alguns, até reviver os tempos dos Mutantes. Compartilhar a inocência e as rupturas do jovem grupo que revolucionou a música brasileira fazendo o bom e "novo" rock´n´roll. Mas Loki é sobre Arnaldo Baptista, o homem, que é também músico, compositor, que mantém uma pureza no olhar de causar inveja às crianças mais inocentes, mas que sofreu por viver para e pela música e nesta trajetória há passagens obscuras, drogas, depressão e mesmo uma tentativa de suicídio. Confortador, o documentário trata tudo com leveza, reverência, sem contestação.

Nos últimos tempos, o documentário brasileiro tem se dedicado a resgatar a memória musical do país, entre eles Um Homem de Moral, sobre Paulo Vanzolini, Simonal - Ninguém Sabe o Duro que Deu e Cantoras do Rádio. Em breve teremos Raul Seixas: O Início, o Fim e o Meio. Loki – Arnaldo Baptista vem contribuir neste sentido, mas o seu maior trunfo não é a música em si. Arnaldo Baptista é um gênio, entrar em sua sintonia é um deleite!

13/05: SESSÃO ESPECIAL DA VIRADA: A Palavra (En)Cantada (Helena Solberg, 2008)

2011-05-13T19:55:00.000-07:00

A Palavra (En)Cantada - Helena Solberg (2008)

Sinopse

Palavra (En) Cantada percorre uma viagem na história do cancioneiro brasileiro com um olhar especial para a relação entre poesia e música. Dos poetas provençais ao rap, do carnaval de rua aos poetas do morro, da bossa nova ao tropic...alismo, o filme traça um panorama da música brasileira até os dias de hoje, costurando depoimentos emocionantes, performances musicais e surpreendente pesquisa de imagens. Com depoimentos de Chico Buarque, Maria Bethânia, Martinho Da Vila, Tom Zé, Zelia Duncan, Jorge Mautner, Arnaldo Antunes, Lenine, Lirinha, entre outros. 84 minutos.
Mais informações, aqui (site oficial do filme).
Assista aqui ao trailer.

ESSA SESSÃO OCORRERÁ ESPECIALMENTE ÀS 23 HORAS NO ESPAÇO CULTURAL, APÓS A FESTA DA MANDIOCA, COMO PARTE DA PROGRAMAÇÃO DA VIRADA CULTURAL DE BOTUCATU.

Crítica: A Palavra (En)Cantada (Helena Solberg, 2008)

2011-05-13T19:44:00.000-07:00

por Celso Sabadin
Extraído de http://cinema.cineclick.uol.com.br/criticas/ficha/filme/palavra-en-cantada/id/2076

Quem acompanha cinema já está cansado de saber da verdadeira explosão de documentários brasileiros que têm chegado às nossas telas. Nem todos conseguem encontrar um bom tema. Só sobre paraquedismo tivemos dois quase simultaneamente. Também não são todos que desenvolvem o assunto escolhido com conteúdo e interesse cinematográfico, mas tudo bem. Da quantidade acaba saindo a qualidade.

Exemplo desta qualidade é Palavra (En)Cantada, documentário dirigido e co-roteirizado por Helena Solberg que teve a criatividade e a ousadia de buscar um tema tão fascinante quanto abstrato e, convenhamos, não muito fácil de desenvolver em linguagem fílmica: as relações entre a música popular brasileira, a poesia e a literatura.

Por meio de depoimentos de músicos, professores e especialistas, o filme sustenta com credibilidade a tese de que a produção musical popular tem qualidade por ser uma extensão sonora da nossa forte tradição oral de contar histórias, que por sua vez é fruto de uma crônica ignorância erudita e literária de nossas raízes colonizadoras, incapazes de perpetuar nossa cultura por meio da palavra escrita. Parece acadêmico demais? Pode até ser. Mas, se por um lado o documentário levanta este tipo de questão, por outro ele é despojado o suficiente para registrar Tom Zé (sempre ele) dizendo que antigamente a música entrava pelos ouvidos e hoje, graças aos poderosos sistemas de som dos automóveis, "ela entra pela bunda. É uma loucura!".

Ou seja, o filme disseca o tema sob variados pontos de vista. Ou pontos de ouvido. E brinda o espectador com belos momentos de música e poesia protagonizados por, entre outros, Adriana Calcanhoto, Arnaldo Antunes, Chico Buarque, Lenine, Maria Bethânia, Martinho da Vila. De quebra, ainda exibe imagens inéditas no Brasil, como a encenação da peça Morte e Vida Severina, de João Cabral de Mello Neto, no Festival de Teatro Universitário de Nancy, na França, em 1966, e cenas raras (restauradas pela própria produção do filme) de Dorival Caymmi cantando O Mar, nos anos 40.

Helena Solberg, que já havia demonstrado talento e sensibilidade no documentário Carmen Miranda - Banana is My Business e na ficção Vida de Menina, acerta novamente com Palavra (En)Cantada, filme premiado como Melhor Direção de Longa Documentário do Festival do Rio 2008. Talvez tivesse faltado apenas um depoimento, ainda que breve, da ótima dupla musical paulista denominada, justamente, Palavra Cantada.

07/05: Uma Noite em 67 (Renato Terra & Ricardo Calil, 2010)

2011-05-06T10:11:00.000-07:00

Uma Noite em 67 - Renato Terra & Ricardo Calil (2010)

Sinopse

Final do III Festival da Música Popular Brasileira da TV Record, em 21 de outubro de 1967. Entre os candidatos que disputavam os principais prêmios figuravam Chico Buarque de Holanda, Caetano Veloso, Gilberto Gil com os Mutantes, Roberto Carlos, Edu Lobo e Sérgio Ricardo, protagonista da célebre quebra da viola no palco e lançado para a platéia, depois das vaias para “Beto Bom de Bola”. Com imagens de arquivo e apresentações de músicas como “Roda Viva”, “Alegria Alegria”, “Domingo no Parque” e “Ponteio”, o filme registra o momento do tropicalismo, os rachas artísticos e políticos na época da ditadura e a consagração de nomes que se tornaram ídolos até hoje no cenário musical brasileiro. Duração: 93 minutos.

Assista aqui ao trailer.

Crítica: Uma Noite em 67 (Renato Terra & Ricardo Calil, 2010)

2011-05-06T10:01:00.000-07:00

por Mattheus Rocha
Extraído de http://www.cinemanarede.com/2010/07/critica-uma-noite-em-67.html

A impressão que tive de Uma Noite em 67 é que a intenção do documentário é desmistificar ídolos da música popular brasileira, os humanizando, ao mostrar os bastidores daquele memorável Festival de MPB que chegou a incomodar até a ditadura militar. Os então garotos de vinte e poucos anos Caetano Veloso, Chico Buarque, Gilberto Gil, Roberto Carlos e Edu Lobo, entre outros (alguns até então jovens desconhecidos, como os revolucionários Mutantes), apesar de famosos, eram pessoas comuns - e ainda o são. Eles também têm medo, ficam nervosos e, de vez em quando, até embolam o meio de campo ao dar uma entrevista.

Uma Noite em 67 não tem a pretensão de ser um filme sobre política, ideologia e afins. É um documentário sobre seis canções - Roda Viva (Chico Buarque e MPB4); Alegria, Alegria (Caetano Veloso); Domingo no Parque (Gilberto Gil e Os Mutantes); Ponteio (Edu Lobo); Maria, Carnaval e Cinzas (Roberto Carlos) e Beto Bom de Bola (Sérgio Ricardo) -, que tinham como pano de fundo um dos períodos históricos mais turbulentos da história brasileira: a ditadura. O próprio programa de TV que produzia o Festival não tinha pretensões de ser mais do que um programa de TV, preocupado apenas em entreter o público e os telespectadores com fórmulas de roteiro televisivo para gerar mais audiência.

Em 21 de outubro de 1967, o III Festival de Música Popular Brasileira, da TV Record, colocou para competir pelos primeiros lugares da competição artistas hoje considerados fundamentais para a história da MPB. Tropicalismo explodindo, MPB rachando, passeata contra a guitarra elétrica, vaias e aplausos fervorosos como se a plateia fosse uma torcida de futebol, violão quebrado e arremessado ao público, músicos com firmes visões políticas que seriam refletidas em suas composições, entrevistas da época e atuais com os protagonistas do Festival, o jurado Sérgio Cabral e o produtor Solano Ribeiro, entre outros... Para os amantes da música brasileira, Uma Noite em 67 é um documentário obrigatório.

Programação Maio 2011: A Música Popular Brasileira no Cinema

2011-05-06T09:31:00.000-07:00

No mês de maio de 2011, o Cine Clube Ybitu Katu terá como tema filmes que retratam a história da música popular brasileira.

O Cine Clube Ybitu Katu exibe:

07/05: Uma Noite em 67 (Renato Terra & Ricardo Calil, 2010)

Palavra (En)Cantada é um documentário de longa-metragem (86min), dirigido por Helena Solberg, que percorre uma viagem na história do cancioneiro brasileiro com um olhar especial para a relação entre poesia e música. Dos poetas provençais ao rap, do carnaval de rua aos poetas do morro, da bossa nova ao tropicalismo, Palavra (En)cantada passeia pela música brasileira até os dias de hoje, costurando depoimentos de grandes nomes da nossa cultura, performances musicais e surpreendente pesquisa de imagens. Duração: 86 minutos.

Essa sessão especialmente será realizada às 23 horas no Espaço Cultural de Botucatu, como parte da programação da Virada Cultural de Botucatu.

21/05: Loki - Arnaldo Baptista (Paulo Henrique Fontenelle, 2009)
Cinebiografia do músico Arnaldo Baptista, ex-integrante dos Mutantes, contada através de um quadro traçado pelo próprio artista. A pintura é intercalada com imagens históricas que remetem aos principais momentos de sua trajetória artística, que fizeram dele um dos grandes nomes do rock brasileiro. Depoimentos de Tom Zé, Nelson Motta, Gilberto Gil, Sean Lennon, entre outros. Duração: 120 minutos.

28/05: Novos Baianos Futebol Clube (Solano Ribeiro, 1973)
Novos Baianos F. C., gravado há 35 anos para uma emissora de TV alemã e que permanece inédito até hoje no Brasil. Em quase duas horas de filme, Moraes Moreira, Pepeu Gomes, Baby Consuelo e companhia são flagrados em ações cotidianas, jogando futebol, cuidando de crianças e, claro, fazendo música. É um retrato fiel do movimento hippie do qual os baianos eram um ícone no começo dos anos 70. Duração: 35 minutos.

23/04: Persona (Ingmar Bergman, 1966)

2011-04-21T18:26:00.000-07:00

Persona- Ingmar Bergman (1966)

Sinopse
Uma atriz teatral de sucesso sofre uma crise emocional e emudece. Para se recuperar, parte para uma casa de campo, sob os cuidados de uma enfermeira, que a admira e tenta compreender a razão de seu silêncio. Isoladas, as duas mulheres desenvolvem uma relação de forte intensidade emocional. Duração: 83 minutos.

Crítica: Persona (Ingmar Bergman, 1966)

2011-04-21T15:27:00.000-07:00

por Rodrigo Carreiro

Extraído de http://www.cinereporter.com.br/criticas/homevideo/persona/

Com diálogos e monólogos inesquecíveis, filme é Ingmar Bergman no melhor da forma.

Era 1965 e o sueco Ingmar Bergman, já estabelecido como um dos maiores diretores de cinema do planeta, contraiu pneumonia. Internado num hospital por vários dias, ele viu a crise física se transformar em depressão profissional, quando passou a questionar a própria validade como artista. Naqueles dias de solidão, aproveitando o tempo livre para fazer uma reavaliação da carreira, Bergman começou a perceber que sua arte, tão elogiada, não contribuía em nada para mudar a humanidade. Foi a partir deste questionamento, da falta de fé no poder curativo da arte, que o cineasta concebeu aquele que se tornaria, para muitos fãs, o maior de todos os filmes que dirigiu: “Persona” (Suécia, 1966).

A crise de Bergman foi integralmente transposta para uma personagem inesquecível. Elizabeth é uma atriz de teatro, famosa e consagrada, que pára de falar no meio de uma apresentação da peça Elektra. Não há qualquer razão clínica para aquele silêncio. Ela simplesmente não quer falar. Ao ver que três meses de tratamento psiquiátrico não estavam ajudando em nada, a diretora do hospital decide mandá-la para uma temporada em uma ilha deserta, acompanhada apenas de uma enfermeira. A maior parte do filme se dedica a observar a complexa relação de amor e ódio que se estabelece entre aquelas duas mulheres, tão diferentes e ao mesmo tempo tão semelhantes.

“Persona” flagra Bergman no apogeu do talento como roteirista. Ele cria diálogos e monólogos inesquecíveis, sem ceder à tentação de explicar os personagens, analisá-los, psicologizá-los. A tarefa de decodificar os significados ocultos da narrativa onírica, de textura fantasmagórica, construída com a ajuda inestimável do fotógrafo Sven Nykvist, é exclusiva do espectador. Algumas seqüências, como a colagem de cenas soltas que funciona como uma abertura antológica, são responsáveis por emprestar ao filme uma aura imbatível de mistério. Cinéfilos se debruçaram durante décadas sobre as imagens de dor, prazer e morte construídas pela câmera impassível de Bergman. Elaboraram dezenas de teorias para esclarecê-las, e ainda assim elas continuam a conservar a aura essencial de humanidade própria dos melhores trabalhos do diretor.

Foi por causa de “Persona” que Ingmar Bergman passou a ser reconhecido mundialmente como o cineasta que melhor soube filmar o rosto humano. Graças ao trabalho esplêndido de Nykvist, que ilumina as cenas de forma magistral, usando fortes contrastes e recusando o naturalismo para expor sem reservas cada linha, cada sombra, cada poro das faces de Bibi Andersson e Liv Ullmann (ambas musas de Bergman e atrizes extraordinárias), o diretor sueco desnuda a alma das duas mulheres, ao mesmo tempo sem desvelar aquele componente inefável, invisível, que as torna essencialmente humanas. A seqüência em que os rostos das duas se fundem em uma face híbrida pode parecer inofensiva nos dias de hoje, mas na época era recebida com um misto de surpresa, excitação, horror e repulsa pelos espectadores. Talvez a cena seja a chave do mistério do filme – as duas mulheres, com seus traumas relacionados à maternidade, vistas como se fossem uma só.

A cena mais lembrada do filme, e talvez a mais extraordinária de todas, é o incrível monólogo de Bibi Andersson sobre uma orgia na praia, da qual ela participou, com dois adolescentes. É possível que seja a seqüência mais excitante e erótica de todo o cinema – e no entanto a câmera permanece estática, mostrando apenas as duas mulheres, durante oito longos minutos sem cortes. A história da farra sexual sobre a areia da praia é narrada de forma tão vívida e colorida, com tal riqueza de detalhes, que praticamente se torna possível ver as imagens da lembrança de Alma, e enfermeira. A força tas palavras é tão vibrante que cada espectador formula, sem perceber, um quadro mental completo com as informações dadas. O crítico Roger Ebert diz conhecer pessoas que juram ter visto a cena da orgia, e no entanto ela jamais foi filmada. Dá para contar nos dedos de uma mão os roteiristas capazes de criar imagens mentais tão poderosas.

Quando exibido nos cinemas brasileiros, o filme de Bergman ganhou o inacreditável título de “Quando Duas Mulheres Pecam”. Felizmente, a edição em DVD da Versátil eliminou a canhestra tentativa de tradução e resgatou o nome original da obra.

16/04: Luz de Inverno (Ingmar Bergman, 1962)

2011-04-14T13:53:00.000-07:00

Luz de Inverno - Ingmar Bergman (1962)

Sinopse

Após ler nos jornais que a China possuí a bomba atômica e pretende usá-la, um pescador vai à igreja, buscando palavras de conforto e consolo do pastor. Porém, este não consegue ajudá-lo porque está passando por uma crise de fé, temendo também o apocalipse nuclear. Realizado no apogeu da Guerra Fria, Luz de Inverno é uma amarga reflexão de Bergman, que teve como modelo o clássico O Diário de um Pároco de Aldeia (1950), de Robert Bresson. Duração: 81 minutos.

Crítica: Luz de Inverno (Ingmar Bergman, 1962)

2011-04-14T13:33:00.000-07:00

por Rafael Lopes
Extraído de http://cinetoscopio.com/filmes/critica-luz-de-inverno/

”Se Deus realmente não existe, isso faria alguma diferença?”

Quando os sinos de uma igreja tocam, é sinal de que a missa está prestes a começar. Logo no primeiro minuto de filme, sinos badalam e o Padre Tomas (Gunnar Björnstrand) reza uma missa para poucos fiéis. Já de cara, o diretor expõe algo às vezes obvio: precisa-se realmente de uma missa para conversar com Deus? Porque ir a uma missa é uma obrigação e não algo de espontânea vontade? A fé é uma salvação ou um instrumento de proteção?

Os questionamentos vão surgindo. O padre rezando a missa para poucos fiéis é algo assolador, seria o fim do que se acredita santo? Seria o fim da fé? O filme se situa numa época conturbada da história, a Guerra Fria, mais precisamente no longo ano que foi 1962, por se tratar do ano em que as armas nucleares fizeram um grande boom no mundo. Era o ano em que a guerra nuclear era iminente, era o ano que as pessoas começaram a temer por sua existência, era o ano que Deus se esqueceu do mundo.

Ele tem uma amante, Marta (Ingrid Thulin), que a ama. Em um dos momentos mais espetaculares do filme, enquanto ele lê a carta que ela deixa, fica clara a associação inevitável dela com a pessoa de Jesus Cristo. As chagas na mão e o pedido de amor, uma vez que ela está doando seu amor por alguém, é onde o padre começa a se questionar sobre a veracidade de sua fé.

Ele mesmo sendo padre é primeiramente um ser humano, e está ali desempenhando uma função: pregar o evangelho. Só que ele guarda um trauma, o de se culpar pela morte da mulher, alguém que amou muito e agora só existe em lembrança. Porque ele não mais consegue sentir o mesmo amor?

O amor por esse ponto é algo que se renova como Jesus ressuscitou para renovar nossa fé. Mas ele não acredita nisso, é como se não acreditasse mais no amor, como se não mais acreditasse na fé que defende. Em um momento onde ele explica a ela sobre a dualidade que pode ser acreditar em Deus, uma vez que ele pode ser algo tenebroso e amedrontador, vingativo e em alguns sentidos perverso, como no Antigo Testamento da Bíblia; ou nesse mesmo tempo pode ser amoroso, complacente, capaz de mandar seu filho morrer por nós para provar seu amor, como no Novo Testamento, ele quer mostrar que Deus existe para cada um de formas diferentes, mas no fim, ele é um só. Deus é amor, e é nisso que ele existe. Mas quando não mais se acredita no amor, o que é Deus?

As estruturas do padre são mais abaladas quando um homem (Max Von Sydow), abalado pelo medo de viver a crise atômica, decide procurar o padre para pedir auxilio em sua angustia. O padre é ainda mais abalado que o pobre pescador, e isso culmina na sua própria morte. Como alguém que está ali para prestar um serviço de ajuda espiritual e não consegue nem ao menos ajudar um homem a tranqüilizar a mente? A partir desse momento ele sente o peso da batina, e sente também que não pode mais procurar a solução do seu problema na hora de rezar uma missa. Só que um padre também é humano, e sua fé dizia que os alicerces de sua fé estavam no amor que ele sentia pela esposa, e era onde ele enxergava o Deus bom. Com a morte dela e o declínio de sua paróquia, só pode enxergar o Deus cruel.

O que muito me veio à cabeça enquanto assistia a Luz de Inverno foi a pintura de Michelangelo , A Criação do Homem, onde o que seria Deus na pintura (com trajes rosados, lembrando que pode ser também uma figura feminina) e o lugar onde ele se encontra é o corte perfeito de um cérebro humano na metade. E como os artistas da época entendiam muito sobre anatomia, conseguiam deixar em mensagens o que queria dizer com seus desenhos. E nesse caso, Michelangelo quer dizer que Deus está na cabeça de cada um, e que cada um possui livre arbítrio para dar a ele a imagem que quiser. Ou seja, esqueça qualquer coisa que lhe tenham ensinado numa igreja ou num lugar onde Deus é motivo de obrigação e não espontaneidade. Você não ama sobre obrigação, ama quando sente que deve amar.

E esse não é um filme que diz que Deus não existe e que não se pode mais acreditar no melhor. Mas é um filme que te pede acima de tudo, para renovar sua fé e se desprender de qualquer dogma ou corrente que te aprisione e te obrigue a amar e a adorar aquelas estátuas, comer a hóstias e beber o vinho, ajoelhar, sentar e cantar. É um filme que diz para renovar aquilo que acredita e ter mais fé em si mesmo e no que julga ser a verdade. No fim das contas, é isso que Deus é. Fé.

Os questionamentos que surgem ao longo do filme sobre a existência ou não de Deus são a base para o argumento que rendeu esse belíssimo filme sobre fé. Falar sobre religião e ainda por cima sem se prender a um lado e sem criticar gratuitamente a religião em si é difícil, mas só um gênio como Ingmar Bergman para fazer tudo parecer tão fácil.

Filmando os olhos e tirando deles sinceras e destruidoras (no bom sentido) atuações, produz-se um filme intenso e muito realista sobre o poder da fé e sobre o seu significado, indo além do que seja Deus e suas lições.

Artigo: Ingmar Bergman e a Trilogia do Silêncio

2011-04-14T13:20:00.001-07:00

por Roberto Acioli de Oliveira
Extraído de http://cinemaeuropeu.blogspot.com/2008/01/ingmar-bergman-e-trilogia-do-silncio.html

"Agora vemos
em espelho e de
maneira confusa, mas
depois veremos
face a face"
Coríntios 13:11

Também conhecida como Trilogia da Fé, uma temática perpassa os três títulos: a impossibilidade de comunicação e o silêncio de Deus. Compõe-se de Através de um Espelho (1961-2), Luz de Inverno (1961-2) e O Silêncio (1962). Estes filmes apresentam algumas das temáticas obsessivas de Ingmar Bergman: a impossibilidade da comunicação, a religião e a morte. Qual será o destino de uma civilização que, ao mesmo tempo em que questiona suas limitações através da filosofia existencialista, inventa (e utiliza) a bomba atômica, desafiando o próprio Criador? Bergman resume a problemática da trilogia:

“Cada filme [da trilogia] tem esse momento de contato, de comunicação humana: na frase ‘papai falou comigo’, no final de Através de um Espelho; o pastor conduzindo a missa na igreja para Martha, no final de Luz de Inverno; o garotinho lendo a carta de Ester no trem, no final de O Silêncio. Um diminuto, mas crucial momento em cada filme. O que mais importa na vida é conseguir fazer esse contato com outro ser humano. Do contrário você está morto, como muitas pessoas hoje estão mortas. Mas se você puder dar esse primeiro passo em direção à comunicação, em direção à compreensão, em direção ao amor, então não importa o quanto o futuro possa ser difícil – e não tenha ilusões, mesmo com todo amor do mundo, viver pode ser diabólicamente difícil – então você está salvo. Isso é tudo que importa, não é?” (1)

Através de um Espelho se passa numa ilha isolada onde uma família se reúne na casa de férias. A filha Karin, uma esquizofrênica recém saída do internamento, acredita que Deus está atrás da porta do sotão, onde na verdade está uma pequena aranha. Suas dúvidas giram em torno da chegada ou não do Criador, que abrirá a porta e nos encontrará face a face. O título deste filme é uma referência à 1ª Epístola do apóstolo Paulo aos Coríntios (“Agora vemos em espelho e de maneira confusa, mas depois veremos face a face…”, Coríntios 13:11). Caridade, enquanto caminho para a verdade, é a inspiração de Bergman para mostrar a mudança de atitude de um pai - da indiferença ao envolvimento em relação aos filhos. Seu marido até que tenta, mas é ou sente-se impotente para resolver o problema. Digno de nota é o momento em que Karin encontra o diário onde seu pai descreve a evolução da doença dela e se coloca como mero espectador da deterioração mental de sua filha. Neste filme temos o tema do incesto, que os dois irmãos efetivam por iniciativa de Karin.

A partir de Através de Um Espelho a relação pessoal de Bergman com a fé termina. A santidade está dentro de cada um de nós, santidade que está neste mundo e não fora dele. O deus-aranha de Karin não é um acaso. Este filme afirma a tese de que todo conceito divino é obra humana, e sempre é um conceito monstro. Um monstro com dois rostos, deus-aranha. (imagem ao lado, atravessando corredores labiríntios e encruzilhadas, Johan, o pequeno filho de Anna, irmã de Ester; ele vaga pelos corredores do hotel enquanto sua mãe e sua tia se dilaceram; no meio do caminho dele, um grupo de anões saltimbancos e um funcionário de hotel mudo; abaixo, à esquerda, Martha; à direita, Ester; Em suas caminhadas, Johan olha pela fechadura do quarto de sua mãe quando ela está com um amante casual).

Em Luz de Inverno, em função da possibilidade da China detonar uma bomba atômica, um suicida não consegue acreditar na existência de Deus. Só que o pastor da aldeia (chamado Tomás, o que evocaria outro apóstolo) não consegue ajudá-lo, pois ele próprio passa por profundo questionamento de sua fé. Viúvo, o pastor também não consegue amar novamente, ou entregar-se novamente – “quando ela morreu, eu também morri”. Uma mulher, Martha, que também não acredita em Deus, mas continua freqüentando a igreja como ele, o ama com força – uma força que ele não tem mais. O problema dela é que não consegue expressar seu sentimento, tomando atitudes que o fazem odiá-la. Apenas no final do filme alguma possibilidade de amor emerge. Os dois estão na igreja vazia para a missa das três horas da tarde, ninguém veio. Ao contrário do que alguns fariam, ele não se retira, ele reza a missa para ela. Em entrevista, Bergman esclarece que seu objetivo foi estabelecer este ato como o primeiro passo do pastor descrente em direção ao sentimento, ao aprendizado do amor. Somos salvos não por Deus, mas pelo amor. Diante de todas as negativas do pastor, Martha percebe que não existe amor entre eles, mas ela persiste: “supliquei uma missão na vida e puseram você em minhas mãos”. Então, após uma conversa onde Tomás destrói com palavras cruéis todas as esperanças de Martha, ela tira os óculos, enxuga as lágrimas e olha para ele:

Tomás – Pode olhar o quanto quiser. Eu agüento.
Martha – Eu mal enxergo sem os óculos. Você está indefinido e seu rosto é apenas uma bolha branca. Você não é real (2). Compreendo que cometi um erro. Desde o princípio.
Tomás – Tenho de ir embora. Preciso falar com a senhora Persson.
Martha – Eu me enganei. Cada vez que senti ódio por você, me esforcei por transformar esse ódio em compaixão. Senti pena de você. Estou tão habituada a isso que não posso mais odiá-lo. O que será de você sem mim?
Tomás – [indiferente] Ora!
Martha – [desvairada] Não, você não vai poder viver assim. Meu queridinho Tomás, você vai afundar. Nada vai poder salvá-lo. Você morrerá à força de tanto se odiar.

De volta à paróquia, Tomás percebe nos comentários do sacristão o enigma de seu sofrimento. Tudo foi destruído, seu casamento, sua fé. Mas essa é a oportunidade para semear novamente. “Se uma pessoa é crente, pode dizer que Deus fala com ela”. (…) “Nesse caso é indiferente se Deus se mantém calado ou se pronuncia” (3). Um detalhe pouco comentado neste filme é o corpo do sacristão. Ele anda meio torto, como um corcunda, um quasímodo – mas eu não conheço comentários de Bergman de que fosse intenção sua sugerir esse personagem como uma espécie de Corcunda de Notre Dame. O comentário do sacristão foi o seguinte:

Sacristão – A paixão de Cristo, Seu sofrimento. Não acha que é um equívoco enfatizar Seu sofrimento?
Tomás – O que quer dizer ?
Sacristão – Enfatizar a dor física. Não pode ter sido tão ruim. Posso parecer presunçoso, mas humildemente digo que sofri tanta dor física quanto Jesus. [o sacristão vinha se queixando de dores nas costas] E Seus sofrimentos foram breves. Duraram umas 4 horas, certo? Sinto que ele sofreu muito mais em outro aspecto. Talvez eu esteja errado. Mas pense em Getsêmani, pastor. Todos os discípulos de Cristo adormeceram. Eles não haviam entendido o sentido da última ceia. Quando os guardas chegaram, eles fugiram e Pedro O negou. Cristo já conhecia seus discípulos há três anos. Eles conviviam dia e noite, mas nunca entenderam o que Ele pretendia. Eles o abandonaram, todos eles. Ele ficou totalmente sozinho. Isto deve ter sido um grande sofrimento. Perceber que ninguém o compreende. Ser abandonado quando precisa contar com alguém. Isto deve ser extremamente doloroso. Mas o pior ainda estava por vir. Quando Cristo foi pregado na cruz, em meio ao sofrimento ele gritou: ‘Deus, meu Deus! Por que me abandonastes?’ Ele gritou tão alto quanto podia. Ele achou que Seu pai o havia abandonado. Achou (4) que tudo que havia pregado era mentira. Nos momentos que antecederam sua morte, Cristo teve dúvidas. Certamente, aquele deve ter sido seu maior sofrimento. Deus ficou em silêncio.

Em O Silêncio, Deus se “mostra” em sua ausência, a incomunicabilidade entre as pessoas é o que resta. Duas irmãs viajam de trem juntamente com o filho de uma delas. Existe uma insinuação de incesto entre as duas, mas isso não evita que elas mantenham um clima hostil entre si. Bergman esclarece esse ponto em 1964: “Ester ama sua irmã, acha ela bonita e sente grande responsabilidade por ela, mas seria a primeira a se horrorizar caso seus sentimentos fossem considerados incestuosos. Seu engano está no fato de que ela deseja controlar sua irmã – como seu pai a controlou através de seu amor por ela. Amor tem de ser aberto. De outra forma Amor é o começo da Morte. É isso que estou tentando dizer”.

Ester, lingüista de profissão, sem filhos e solteirona, entra noutra crise de sua bronquite crônica e está próxima da morte. Já estão num quarto de hotel, e sua irmã abandona para buscar aventuras sexuais (amorosas?) com desconhecidos. A impossibilidade da comunicação: de um lado, uma mulher doente da via respiratória que também é a via da palavra, que, apesar de ter como profissão os significados da linguagem, não consegue traduzir seus sentimentos em palavras – ou nas palavras corretas; do outro lado, uma hedonista autocentrada, que se perde num comportamento obsessivo em relação ao sexo (ao desejo?). Enquanto isso, as irmãs trocam palavras em seu ensurdecedor silêncio. Bergman ao mesmo tempo mostra a falta de ternura nas relações e a busca dela como a única saída num mundo sem Deus, ou sem fé em Deus, ou sem fé de qualquer forma em qualquer coisa. De cama após a última crise, Ester fala para o garçon (e não sabemos se ele vai compreender) sobre seus tortuosos sentimentos:

“Tecido erétil. É tudo uma questão de ereções e secreções. Uma confissão antes da extrema unção: Acho o cheiro do sêmen horrível. Tenho o olfato muito aguçado e eu fedia como peixe podre quando estava fértil. É opcional. Não queria aceitar meu desprezível papel. Mas agora é solitário demais. Tentamos tomar atitudes e as achamos inúteis. As forças são muito fortes. Quero dizer as forças, as forças horríveis. É preciso ter cuidado com os fantasmas e as lembranças. Para que isso? Não adianta discutir a solidão. É perda de tempo”.

Enquanto tudo isso acontece, o menino pesquisa seu próprio labirinto no labirinto dos corredores vazios do prédio. Os únicos outros habitantes do hotel são anões de uma trupe teatral. Estes anões falam em espanhol, mais inteligível para nós brasileiros que o sueco utilizado no filme inteiro. Idioma nórdico que, por isso mesmo, poderia funcionar para nós como uma metáfora dessas fronteiras da compreensão mútua que a todo o momento tentamos expandir – mesmo que não confessemos a ninguém. Existe um garçom idoso que fala mais do que todos no filme, só que sua linguagem murmurada é incompreensível, e ainda assim é o único a se comunicar com quase todo mundo. Ele lembra o sacristão de Luz de Inverno, não porque seja manco ou corcunda. Desta vez, Bergman colocou a lucidez do personagem na constatação de que não é o fato de viverem em mundos diferentes que leva as pessoas a não conseguirem se comunicar.

A trilogia parece apontar para a salvação da solidão pelo amor, mas Bergman não acredita que isso seja possível. Restariam-nos apenas alguns momentos de iluminação, quando os personagens conseguem perceber a si mesmos (5).

Notas

1. Bergman em entrevista a Playboy, em 1964.
2. Existe uma pequena diferença entre as traduções dos diálogos a que tive acesso. Nas primeiras duas frases, utilizei a tradução presente na edição em dvd da Versátil Home Vídeo (2005); a partir da frase que segue, a fonte é o livro de Bergman, Imagens. Tradução Alexandre Pastor. São Paulo: Martins Fontes, 1996. Pp. 267-8.
3. BERGMAN, Ingmar. Op. Cit., pp. 269.
4. Na tradução do dvd da Versátil, aqui lemos a palavra “acho”. Decidi colocar a palavra “achou” porque acredito que o sacristão estivesse se referindo à opinião de Cristo, e não à sua própria.5. Op. Cit., nota 1.

09/04: Morangos Silvestres (Ingmar Bergman, 1957)

2011-04-09T05:49:00.000-07:00

Morangos Silvestres - Ingmar Bergman (1957)

Sinopse

Morangos Silvestres conta a história de um médico e professor aposentado, Isaak Borg , que aos 78 anos será homenageado com o título honorário da Universidade de Lund, sua cidade natal, a qual abandonara em favor de Estocolmo. Desde a véspera até a chegada em Lund, Borg é invadido por recordações do passado que confrontam o seu presente. Sonhos, devaneios e flashbacks conduzem-no a um mergulho no inconsciente, fazendo-o perceber que seu temperamento áspero e distante impossibilita o envolvimento afetivo com familiares e amigos, protegendo-o do sofrimento e, por outro lado, isolando-o. A constatação da velhice e solidão trazem a presença iminente da morte, incitando-o a repensar sua vida durante o percurso que faz até Lund. O desencadeador dessa viagem introspectiva é o sonho que teve na noite anterior à partida para a sua celebração. Duração: 91 minutos

Crítica: Morangos Silvestres (1957)

2011-04-09T05:39:00.000-07:00

por Sindicato dos Cinéfilos
Extraído de http://sindicatodoscinefilos.wordpress.com/2010/10/05/morangos-silvestres-1957/

A obra de Ingmar Bergman já se encontra inscrita no cânone cinematográfico. Tal qual Machado de Assis ou Fiódor Dostoiévski para a literatura universal, só para citar dois exemplos, a produção bergmaniana é preciosa para o cinema. Sua filmografia é vasta, mas se tivéssemos de resumi-la em uma única palavra, talvez a melhor fosse: interiores. Daí, pode-se desdobrar o que configura a grande busca do diretor: o entendimento do que se passa no coração dos homens, a angústia que qualquer um tem diante da existência e de sua finitude, as incongruências da vida a dois, o silêncio que paira, latente e lancinante, entre os homens, ainda que se fale muito e se dialogue muito. Temas universais, como se vê, ainda que quase toda sua obra tenha sido filmada na longínqua Suécia.

No caso de Morangos Silvestres, a chave para que se penetre no longa não está presente desde seu título, um tanto obscuro, mas interessante. O interesse de Bergman no filme é flagrar a memória, uma das mais importantes ferramentas que um indivíduo tem, pois se trata de uma aliada do conhecimento.

A memória específica de que o sueco fala no filme é a de um professor de idade avançada, que tem um prêmio importante para receber na cidade onde morou, por sua contribuição como docente e como médico. Para chegar ao local da honraria, toma seu carro, e para lá segue com sua nora. No caminho, é tomado por lembranças de episódios de sua longa vida. Lembranças boas e ruins, que trazem à boca e ao coração gosto de mel ou de fel, como ocorre com qualquer indivíduo. O mergulho feito pelo personagem em suas memórias é acompanhado pelo espectador, que flagra a infância do personagem, na qual ele costumava colher morangos silvestres, o que justifica o título dado ao filme. O idoso relembra festas, diálogos, pessoas, cores, sabores, texturas e emoções que o atravessaram ao longo do tempo.

Ainda que em preto e branco, a história é contada com belas imagens, e num ritmo lento para os padrões contemporâneos. Lentidão que cabe às recordações de alguém que já não tem mais seus vinte anos. E vale lembrar também que o longa foi rodado no distante ano de 1957, época em que Bergman dirigira outra pérola: O Sétimo Selo. Apesar de longe no tempo, o cinema de Bergman não ficou datado. Suas questões são ainda atuais, pois o ser humano é sempre ser humano, em qualquer lugar ou momento histórico.

Os filmes do cineasta evocam todo tipo de discussão: filosófica, existencial, psicanalítica. A preocupação aqui não é enveredar por nenhum desses caminhos, mas apenas descrever o êxtase gerado pela contemplação de pequenas epifanias de alguém que já percoreu uma extensa trajetória, o que Bergman faz como poucos. Ele desnuda o humano, expondo suas fragilidades, tendo a câmera como cúmplice. É como se, em certa medida, o espectador também fosse desnudado, a partir da identificação que tem com as cenas apresentadas.

São esses fatores que, somados, dão beleza, graça e vitalidade a Morangos Silvestres. É cinema autoral, que não se faz preocupado em arrebatar grandes platéias, e que deleita olhos enfadados de efeitos visuais escalafobéticos. Um cinema que se faz sem traço algum de maniqueísmo, sem a preocupação de se colocar um herói e seu antagonista. Até porque, sabe-se muito bem, nós mesmos podemos ser nossos maiores inimigos.

Assistir ao filme é tarefa obrigatória. Mas é uma obrigação que e cumpre com extremo prazer por aqueles que se interessam por vislumbrar a dimensão do humano, e que desejam compartilhar, ainda que pela simples contemplação, a dúvida sobre o sentido da vida, a maior inquietação que temos.

02/04: O Sétimo Selo (Ingmar Bergman, 1956)

2011-03-31T15:17:00.000-07:00

O Sétimo Selo - Ingmar Bergman (1956)

Sinopse
Após dez anos, um cavaleiro (Max Von Sydow) retorna das Cruzadas e encontra o país devastado pela peste negra. Sua fé em Deus é sensivelmente abalada e enquanto reflete sobre o significado da vida, a Morte (Bengt Ekerot) surge à sua frente querendo levá-lo, pois chegou sua hora. Objetivando ganhar tempo, convida-a para um jogo de xadrez que decidirá se ele parte com a Morte ou não. Tudo depende da sua vitória no jogo e a Morte concorda com o desafio, já que não perde nunca. Duração:100 minutos.

Crítica: O Sétimo Selo (Ingmar Bergman, 1956)

2011-03-31T15:05:00.001-07:00

por Rodrigo Carreiro
Extraído de http://www.cinereporter.com.br/criticas/homevideo/setimo-selo-o/

Obra-prima de Bergman aborda o tema da ausência de Deus com estética não-realista e sem respostas fáceis

A primeira reação de um espectador típico do século XXI a “O Sétimo Selo” (Det Sjunde Inseglet, Suécia, 1957) é, normalmente, de estranhamento. A obra-prima de Ingmar Bergman não se encaixa no formato narrativo popularizado pela cultura cinematográfica baseada em Hollywood. Desde que a indústria cinematográfica começou a se firmar, nos idos da década de 1920, a maioria dos filmes tenta reproduzir a realidade. Apenas exceções buscam vias alternativas – e “O Sétimo Selo”, que é baseado em uma metáfora engenhosa e ao mesmo tempo muito simples, se afasta completamente do realismo, incluindo referências e alegorias de caráter religioso que expõem, de forma direta, o grande tema da obra: o silêncio de Deus.

O tema principal de “O Sétimo Selo” é, também, a temática dominante da primeira metade da obra de Bergman, composta de 62 longas-metragens. De meados dos anos 1940 até o princípio dos anos 1960, o diretor sueco trilhou diversas matizes do registro dramatúrgico – comédias, dramas, tragédias – através de variações do mesmo tema, que poderia ser resumido em uma pergunta: se Deus realmente existe, por que ele não fala, ou não interfere no destino trágico da humanidade? Vale ressaltar que aquela era a época do medo do holocausto nuclear, e a Europa ainda vivia o rescaldo da destruição causada na II Guerra Mundial. Tanto sangue derramado havia mergulhado os europeus, os artistas em especial, em uma fase de torturantes dúvidas religiosas.

Este trauma era ainda mais forte, em Bergman, devido ao background pessoal. Filho de um pastor luterano, o cineasta sueco cresceu em um ambiente de enorme repressão. Era constantemente surrado pelo pai, e sofria com a indiferença sentimental que ele lhe dedicava. Ao mesmo tempo, foi doutrinado desde pequeno através de uma educação protestante bastante rígida. O resultado foi o desenvolvimento de sentimentos ambivalentes, no que se refere à religião. Bergman se dizia ateu, mas fez diversos filmes cuja noção de Deus estava fortemente presente. Muitos críticos vêem, na postura crítica do sueco ante a religião, uma revolta contra o próprio pai, e não propriamente contra Deus.

Tudo isso se infiltrou com força em “O Sétimo Selo”, cuja história nasceu de uma peça teatral. Ao adaptar o enredo para o cinema, o cineasta optou por manter os traços não-realistas oriundos da origem nos palcos, e incrementou esta opção através de uma estética derivada de movimentos como o expressionismo, que adotavam técnicas radicais de iluminação para sugerir um cenário além da realidade. Com uma produção pobre, Bergman filmou quase tudo em estúdio, inclusive as cenas que se passam em florestas, o que justifica o uso de muitos planos com a câmera postada próxima aos atores. A história reúne esquetes em torno de uma situação única: uma partida de xadrez, disputada ao longo do filme, entre um homem comum e a Morte.

Bergman decidiu ambientar o enredo na Idade Média por uma razão objetiva: devido à Peste Negra e ao contexto das Cruzadas, aquele é o período histórico que melhor se assemelhava aos sangrentos anos 1950, e portanto se prestava muito bem a discutir o problema do silêncio divino. O protagonista virou um cavaleiro retornando das Cruzadas (Max von Sydow). A imagem adotada para a morte foi exatamente aquela oriunda da Idade Média – um ser encapuzado, vestido de negro, que porta uma foice. Além disso, a fotografia (iluminação, enquadramentos) e a cenografia foram ajustadas para que as diversas seqüências, organizadas de forma não-linear, reproduzissem imagens de afrescos pintados em uma igreja centenária que Bergman freqüentava quando criança.

A metáfora principal do filme, tornada mais clara nas longas conversas mantidas entre a Morte e o cavaleiro, funciona com eficiência – é simples, básica, engenhosa, atinge um nível profundo, quase como uma fábula. Além disso, o sueco pontua toda a ação com alegorias e referências religiosas que nem sempre têm intenção muito clara, mas contribuem para impregnar a obra de uma religiosidade melancólica e tortuosa, o que reforça a investigação do tema.

Um exemplo? Há uma família de andarilhos no filme, que o cavaleiro encontra e toma sob sua proteção, formada por pai, mãe e bebê. Muitos críticos interpretam esta família como uma metáfora para Jesus, José e Maria. Bergman jamais confirmou ou negou esta hipótese, mas ela parece bem plausível, inclusive porque o cavaleiro tem uma epifania justamente quando encontra o trio. Mas, afinal, o que a aparição da família quer dizer? A explicação fica por conta de cada espectador. Na obra de Bergman, não há respostas fáceis.

Biografia: Ingmar Bergman

2011-03-31T14:47:00.001-07:00

por Ricardo Cota

Extraído de http://www.terra.com.br/cinema/favoritos/bergman.htm

A obra de Ingmar Bergman compõe um dos mais ricos e essenciais capítulos da história do cinema. Como poucos, o diretor se apropriou da linguagem para realizar um conjunto significativo que transcende a própria experiência cinematográfica. Abordando temas intrínsecos à existência humana – como desejo, morte e religiosidade –, o cineasta rompeu as fronteiras do cinema sueco e atingiu a universalidade.

A relação de Bergman com o cinema antecede seu trabalho como profissional. Antes de estrear na tela, já havia descoberto o cinema como forma de expressão e até de sobrevivência. Aos 9 anos, no natal de 1927, não resistiu à tentação de ver o irmão presenteado com um projetor e sugeriu uma barganha definitiva para o futuro de sua vida: trocou um exército de chumbo pelo cinematógrafo.

Filho de pastor luterano, amargou uma criação autoritária, baseada em conceitos relacionados ao pecado, confissão, castigo, perdão e indulgência. Em sua autobiografia, Lanterna mágica, Bergman faz relatos impressionantes. Sempre que contava uma mentira recebia castigos constrangedores, como desfilar vestido de menina ou ser trancafiado num armário. É nesse período que vivencia sentimentos como vergonha ou humilhação, tão explorados em seus filmes.

A iniciação profissional do diretor se deu através de um dos patriarcas do cinema sueco, Victor Sjostrom, homenageado em Morangos Silvestres, em que Sjostrom interpreta o protagonista que perde a noção da memória face à iminência da morte.

Do mestre, diretor do clássico O Vento, com Lilian Gish, Bergman herdou a compreensão da natureza como elemento de sustentação drmática. É o que ocorre, por exemplo, em Monika e o Desejo, onde o verão inunda a trama de sensualidade. Foi esse filme, por sinal, que despertou o interesse de Woody Allen pelo diretor sueco.

Embora Bergman seja quase sempre lembrado por suas obsessões mais frequentes, como o passar do tempo, a morte e a impossibilidade de comunicação, presentes em filmes como Luz de inverno, O Sétimo Selo, O Silêncio, Persona e tantos outros, o conhecimento mais aprofundado de sua obra revela um autor de talentos múltiplos. O Olho do diabo, Sorrisos de uma noite de Amor e Para não falar de todas essas mulheres são filmes de um bom-humor surpreendente, sobretudo quando se sabe que são filmes do mesmo autor de Vergonha, Face a face e Da Vida das Marionetes.

Com larga experiência teatral (foi diretor do Teato Municipal de Goteborg e do Teatro de Malmoe), Bergman trabalhou em seus filmes com uma equipe que praticamente não se alterou. Harriet Andersson, Erland Josephson, Max Von Sydow, Ingrid Thulin, Liv Ullman e o insuperável Gunnar Bjornstrand são apenas alguns dos nomes imortalizados pelo seu cinema.

Sem eles, não existiria essa obra feita a base de rostos, gritos, silêncios e sussurros. Apesar da fama mundial, Bergman não usufrui do mesmo prestígio na terra natal, a Suécia. Acusado de burlar o fisco, em meados da década de 70, caiu em desgraça. Desde então, vive recluso na ilha de Faro, de onde só sai para encenar suas peças teatrais ou realizar especiais para a tevê. Fanny e Alexander, Oscar de 1985, foi seu último trabalho para o cinema. Morreu em sua casa em Fårö aos 89 anos, de forma tranqüila – segundo sua filha, Eva Bergman – e, coincidentemente, no mesmo dia em que faleceu o grande cineasta italiano Michelangelo Antonioni.

FILMOGRAFIA

1)Kris (Crise) - 1945
2)Det Regnar paa Vaar Kaerleck (Chove em Nosso Amor) -1946
3)Skepp till Indialad (Um Barco para a Índia) - 1947
4)Música na Noite (Musik I Morker) - 1947
5)Porto (Hamnstad) - 1948
6)Fangelse (Prisão) - 1949
7)Sede de Paixões (Torst) - 1949
8)Till Gladje (Rumo à Alegria) - 1949
9)Saat Hander Inte Har ((Isto Não Aconteceria Aqui) - 1950
10)Juventude (Sommarlek) - 1951
11)Quando as Mulheres Esperam (Kvinnors Vantam) - 1952
12)Mônica e o Desejo (Sommaren Med Monika) - 1952
13)Noites de Circo (Gyclarnas Afton)
14)Uma Lição de Amor (En Lektion I Karlek) - 1954
15)Sonhos de Mulheres (Kvinnodrom) - 1955
16)Sorrisos de Uma Noite de Amor (Sommarnattens Leende) - 1955
17) O Sétimo Selo (Det Sjunde Inseglet) - 1956
18) Morangos Silvestres (Smultronstallet) - 1957
19) No Limiar da Vida (Nara Livet) - 1957
20) O Rosto (Ansiktet) - 1958
21) A Fonte da Donzela - (Jungfrukallan) - 1959
22) Djavulens Oga (O Olho do Diabo) - 1960
23) Através de um Espelho (Saasom I en Spegel) - 1960
24)Nattvardsgasterna (Luz de Inverno ou Os Comungantes) - 1962
25)O Silêncio (Tystnaden) - 1962
26)For Att Inte Tala Om Alla Dessa Kvinnor (Para não Falar de Todas Essas Mulheres) - 1963
27)Quando Duas Mulheres Pecam (Persona) - 1966
28)Stimulantia (Dirigiu o episódio Daniel)
29)A Hora do Lobo (Vartimmen) - 1968
30)Vergonha (Skammen) - 1969
31)Faro (Documentário de méia-metragem sobre a ilha onde Bergman vive) - 1969
32)Ritten (O Rito, filme feito para a tevê) - 1969
33)A Paixão de Ana (En Pasion) - 1970
34)A Hora do Amor (The Touch) - 1971
35)Gritos e Sussurros (Viskningar Och Rop) - 1973
36)Cenas de um Casamento (Scener ur ett Aktenskap) - 1974
37)A Flauta Mágica (Die Zauberfloete) - 1975
38)Face a Face (Ansiktet mot Ansiktet) - 1976
39)Sonata de Outono (Hortssonat) - 1978
40)O Ovo da Serpente (Das Schlangenei) - 1979
41)Da Vida das Marionetes (Aus dem Leben der Marionetten) - 1980
42)Fanny e Alexander (Fanny och Alexander) - 1982
43)Depois do Ensaio (Efter Repetitionen) - 1984
44)Les Deux Bienheureux (título em francês) filme feito para a tevê - 1986
45)Diário de uma Filmagem (documentário sobre Fanny e Alexander) - 1986
46)Le Visage de Karin (título em francês) filme feito especialmente para a tevê - 1986