quinta-feira, 31 de março de 2011

02/04: O Sétimo Selo (Ingmar Bergman, 1956)

O Sétimo Selo - Ingmar Bergman (1956)

Sinopse
Após dez anos, um cavaleiro (Max Von Sydow) retorna das Cruzadas e encontra o país devastado pela peste negra. Sua fé em Deus é sensivelmente abalada e enquanto reflete sobre o significado da vida, a Morte (Bengt Ekerot) surge à sua frente querendo levá-lo, pois chegou sua hora. Objetivando ganhar tempo, convida-a para um jogo de xadrez que decidirá se ele parte com a Morte ou não. Tudo depende da sua vitória no jogo e a Morte concorda com o desafio, já que não perde nunca. Duração:100 minutos.

Crítica: O Sétimo Selo (Ingmar Bergman, 1956)

por Rodrigo Carreiro
Extraído de http://www.cinereporter.com.br/criticas/homevideo/setimo-selo-o/

Obra-prima de Bergman aborda o tema da ausência de Deus com estética não-realista e sem respostas fáceis

A primeira reação de um espectador típico do século XXI a “O Sétimo Selo” (Det Sjunde Inseglet, Suécia, 1957) é, normalmente, de estranhamento. A obra-prima de Ingmar Bergman não se encaixa no formato narrativo popularizado pela cultura cinematográfica baseada em Hollywood. Desde que a indústria cinematográfica começou a se firmar, nos idos da década de 1920, a maioria dos filmes tenta reproduzir a realidade. Apenas exceções buscam vias alternativas – e “O Sétimo Selo”, que é baseado em uma metáfora engenhosa e ao mesmo tempo muito simples, se afasta completamente do realismo, incluindo referências e alegorias de caráter religioso que expõem, de forma direta, o grande tema da obra: o silêncio de Deus.

O tema principal de “O Sétimo Selo” é, também, a temática dominante da primeira metade da obra de Bergman, composta de 62 longas-metragens. De meados dos anos 1940 até o princípio dos anos 1960, o diretor sueco trilhou diversas matizes do registro dramatúrgico – comédias, dramas, tragédias – através de variações do mesmo tema, que poderia ser resumido em uma pergunta: se Deus realmente existe, por que ele não fala, ou não interfere no destino trágico da humanidade? Vale ressaltar que aquela era a época do medo do holocausto nuclear, e a Europa ainda vivia o rescaldo da destruição causada na II Guerra Mundial. Tanto sangue derramado havia mergulhado os europeus, os artistas em especial, em uma fase de torturantes dúvidas religiosas.

Este trauma era ainda mais forte, em Bergman, devido ao background pessoal. Filho de um pastor luterano, o cineasta sueco cresceu em um ambiente de enorme repressão. Era constantemente surrado pelo pai, e sofria com a indiferença sentimental que ele lhe dedicava. Ao mesmo tempo, foi doutrinado desde pequeno através de uma educação protestante bastante rígida. O resultado foi o desenvolvimento de sentimentos ambivalentes, no que se refere à religião. Bergman se dizia ateu, mas fez diversos filmes cuja noção de Deus estava fortemente presente. Muitos críticos vêem, na postura crítica do sueco ante a religião, uma revolta contra o próprio pai, e não propriamente contra Deus.

Tudo isso se infiltrou com força em “O Sétimo Selo”, cuja história nasceu de uma peça teatral. Ao adaptar o enredo para o cinema, o cineasta optou por manter os traços não-realistas oriundos da origem nos palcos, e incrementou esta opção através de uma estética derivada de movimentos como o expressionismo, que adotavam técnicas radicais de iluminação para sugerir um cenário além da realidade. Com uma produção pobre, Bergman filmou quase tudo em estúdio, inclusive as cenas que se passam em florestas, o que justifica o uso de muitos planos com a câmera postada próxima aos atores. A história reúne esquetes em torno de uma situação única: uma partida de xadrez, disputada ao longo do filme, entre um homem comum e a Morte.

Bergman decidiu ambientar o enredo na Idade Média por uma razão objetiva: devido à Peste Negra e ao contexto das Cruzadas, aquele é o período histórico que melhor se assemelhava aos sangrentos anos 1950, e portanto se prestava muito bem a discutir o problema do silêncio divino. O protagonista virou um cavaleiro retornando das Cruzadas (Max von Sydow). A imagem adotada para a morte foi exatamente aquela oriunda da Idade Média – um ser encapuzado, vestido de negro, que porta uma foice. Além disso, a fotografia (iluminação, enquadramentos) e a cenografia foram ajustadas para que as diversas seqüências, organizadas de forma não-linear, reproduzissem imagens de afrescos pintados em uma igreja centenária que Bergman freqüentava quando criança.

A metáfora principal do filme, tornada mais clara nas longas conversas mantidas entre a Morte e o cavaleiro, funciona com eficiência – é simples, básica, engenhosa, atinge um nível profundo, quase como uma fábula. Além disso, o sueco pontua toda a ação com alegorias e referências religiosas que nem sempre têm intenção muito clara, mas contribuem para impregnar a obra de uma religiosidade melancólica e tortuosa, o que reforça a investigação do tema.

Um exemplo? Há uma família de andarilhos no filme, que o cavaleiro encontra e toma sob sua proteção, formada por pai, mãe e bebê. Muitos críticos interpretam esta família como uma metáfora para Jesus, José e Maria. Bergman jamais confirmou ou negou esta hipótese, mas ela parece bem plausível, inclusive porque o cavaleiro tem uma epifania justamente quando encontra o trio. Mas, afinal, o que a aparição da família quer dizer? A explicação fica por conta de cada espectador. Na obra de Bergman, não há respostas fáceis.

Biografia: Ingmar Bergman

por Ricardo Cota
Extraído de http://www.terra.com.br/cinema/favoritos/bergman.htm

A obra de Ingmar Bergman compõe um dos mais ricos e essenciais capítulos da história do cinema. Como poucos, o diretor se apropriou da linguagem para realizar um conjunto significativo que transcende a própria experiência cinematográfica. Abordando temas intrínsecos à existência humana – como desejo, morte e religiosidade –, o cineasta rompeu as fronteiras do cinema sueco e atingiu a universalidade.

A relação de Bergman com o cinema antecede seu trabalho como profissional. Antes de estrear na tela, já havia descoberto o cinema como forma de expressão e até de sobrevivência. Aos 9 anos, no natal de 1927, não resistiu à tentação de ver o irmão presenteado com um projetor e sugeriu uma barganha definitiva para o futuro de sua vida: trocou um exército de chumbo pelo cinematógrafo.

Filho de pastor luterano, amargou uma criação autoritária, baseada em conceitos relacionados ao pecado, confissão, castigo, perdão e indulgência. Em sua autobiografia, Lanterna mágica, Bergman faz relatos impressionantes. Sempre que contava uma mentira recebia castigos constrangedores, como desfilar vestido de menina ou ser trancafiado num armário. É nesse período que vivencia sentimentos como vergonha ou humilhação, tão explorados em seus filmes.

A iniciação profissional do diretor se deu através de um dos patriarcas do cinema sueco, Victor Sjostrom, homenageado em Morangos Silvestres, em que Sjostrom interpreta o protagonista que perde a noção da memória face à iminência da morte.

Do mestre, diretor do clássico O Vento, com Lilian Gish, Bergman herdou a compreensão da natureza como elemento de sustentação drmática. É o que ocorre, por exemplo, em Monika e o Desejo, onde o verão inunda a trama de sensualidade. Foi esse filme, por sinal, que despertou o interesse de Woody Allen pelo diretor sueco.

Embora Bergman seja quase sempre lembrado por suas obsessões mais frequentes, como o passar do tempo, a morte e a impossibilidade de comunicação, presentes em filmes como Luz de inverno, O Sétimo Selo, O Silêncio, Persona e tantos outros, o conhecimento mais aprofundado de sua obra revela um autor de talentos múltiplos. O Olho do diabo, Sorrisos de uma noite de Amor e Para não falar de todas essas mulheres são filmes de um bom-humor surpreendente, sobretudo quando se sabe que são filmes do mesmo autor de Vergonha, Face a face e Da Vida das Marionetes.


Com larga experiência teatral (foi diretor do Teato Municipal de Goteborg e do Teatro de Malmoe), Bergman trabalhou em seus filmes com uma equipe que praticamente não se alterou. Harriet Andersson, Erland Josephson, Max Von Sydow, Ingrid Thulin, Liv Ullman e o insuperável Gunnar Bjornstrand são apenas alguns dos nomes imortalizados pelo seu cinema.

Sem eles, não existiria essa obra feita a base de rostos, gritos, silêncios e sussurros. Apesar da fama mundial, Bergman não usufrui do mesmo prestígio na terra natal, a Suécia. Acusado de burlar o fisco, em meados da década de 70, caiu em desgraça. Desde então, vive recluso na ilha de Faro, de onde só sai para encenar suas peças teatrais ou realizar especiais para a tevê. Fanny e Alexander, Oscar de 1985, foi seu último trabalho para o cinema. Morreu em sua casa em Fårö aos 89 anos, de forma tranqüila – segundo sua filha, Eva Bergman – e, coincidentemente, no mesmo dia em que faleceu o grande cineasta italiano Michelangelo Antonioni.

FILMOGRAFIA

1)Kris (Crise) - 1945
2)Det Regnar paa Vaar Kaerleck (Chove em Nosso Amor) -1946
3)Skepp till Indialad (Um Barco para a Índia) - 1947
4)Música na Noite (Musik I Morker) - 1947
5)Porto (Hamnstad) - 1948
6)Fangelse (Prisão) - 1949
7)Sede de Paixões (Torst) - 1949
8)Till Gladje (Rumo à Alegria) - 1949
9)Saat Hander Inte Har ((Isto Não Aconteceria Aqui) - 1950
10)Juventude (Sommarlek) - 1951
11)Quando as Mulheres Esperam (Kvinnors Vantam) - 1952
12)Mônica e o Desejo (Sommaren Med Monika) - 1952
13)Noites de Circo (Gyclarnas Afton)
14)Uma Lição de Amor (En Lektion I Karlek) - 1954
15)Sonhos de Mulheres (Kvinnodrom) - 1955
16)Sorrisos de Uma Noite de Amor (Sommarnattens Leende) - 1955
17) O Sétimo Selo (Det Sjunde Inseglet) - 1956
18) Morangos Silvestres (Smultronstallet) - 1957
19) No Limiar da Vida (Nara Livet) - 1957
20) O Rosto (Ansiktet) - 1958
21) A Fonte da Donzela - (Jungfrukallan) - 1959
22) Djavulens Oga (O Olho do Diabo) - 1960
23) Através de um Espelho (Saasom I en Spegel) - 1960
24)Nattvardsgasterna (Luz de Inverno ou Os Comungantes) - 1962
25)O Silêncio (Tystnaden) - 1962
26)For Att Inte Tala Om Alla Dessa Kvinnor (Para não Falar de Todas Essas Mulheres) - 1963
27)Quando Duas Mulheres Pecam (Persona) - 1966
28)Stimulantia (Dirigiu o episódio Daniel)
29)A Hora do Lobo (Vartimmen) - 1968
30)Vergonha (Skammen) - 1969
31)Faro (Documentário de méia-metragem sobre a ilha onde Bergman vive) - 1969
32)Ritten (O Rito, filme feito para a tevê) - 1969
33)A Paixão de Ana (En Pasion) - 1970
34)A Hora do Amor (The Touch) - 1971
35)Gritos e Sussurros (Viskningar Och Rop) - 1973
36)Cenas de um Casamento (Scener ur ett Aktenskap) - 1974
37)A Flauta Mágica (Die Zauberfloete) - 1975
38)Face a Face (Ansiktet mot Ansiktet) - 1976
39)Sonata de Outono (Hortssonat) - 1978
40)O Ovo da Serpente (Das Schlangenei) - 1979
41)Da Vida das Marionetes (Aus dem Leben der Marionetten) - 1980
42)Fanny e Alexander (Fanny och Alexander) - 1982
43)Depois do Ensaio (Efter Repetitionen) - 1984
44)Les Deux Bienheureux (título em francês) filme feito para a tevê - 1986
45)Diário de uma Filmagem (documentário sobre Fanny e Alexander) - 1986
46)Le Visage de Karin (título em francês) filme feito especialmente para a tevê - 1986

Programação Abril 2011: O Cinema de Ingmar Bergman

Um dos maiores cineastas da história do cinema, Ingmar Bergman, terá parte de sua extensa e primoroza filmografia exibida no Cine Clube Ybitu Katu.

O Cine Clube Ybitu Katu exibe:

02/04: Sétimo Selo (1956)
Após dez anos, um cavaleiro (Max Von Sydow) retorna das Cruzadas e encontra o país devastado pela peste negra. Sua fé em Deus é sensivelmente abalada e enquanto reflete sobre o significado da vida, a Morte (Bengt Ekerot) surge à sua frente querendo levá-lo, pois chegou sua hora. Objetivando ganhar tempo, convida-a para um jogo de xadrez que decidirá se ele parte com a Morte ou não. Tudo depende da sua vitória no jogo e a Morte concorda com o desafio, já que não perde nunca. Duração:100 minutos.

09/04: Morangos Silvestres (1957)
Morangos Silvestres conta a história de um médico e professor aposentado, Isaak Borg , que aos 78 anos será homenageado com o título honorário da Universidade de Lund, sua cidade natal, a qual abandonara em favor de Estocolmo. Desde a véspera até a chegada em Lund, Borg é invadido por recordações do passado que confrontam o seu presente. Sonhos, devaneios e flashbacks conduzem-no a um mergulho no inconsciente, fazendo-o perceber que seu temperamento áspero e distante impossibilita o envolvimento afetivo com familiares e amigos, protegendo-o do sofrimento e, por outro lado, isolando-o. A constatação da velhice e solidão trazem a presença iminente da morte, incitando-o a repensar sua vida durante o percurso que faz até Lund. O desencadeador dessa viagem introspectiva é o sonho que teve na noite anterior à partida para a sua celebração. Duração: 91 minutos

16/04: Luz de Inverno (1963)
Após ler nos jornais que a China possuí a bomba atômica e pretende usá-la, um pescador vai à igreja, buscando palavras de conforto e consolo do pastor. Porém, este não consegue ajudá-lo porque está passando por uma crise de fé, temendo também o apocalipse nuclear. Realizado no apogeu da Guerra Fria, Luz de Inverno é uma amarga reflexão de Bergman, que teve como modelo o clássico O Diário de um Pároco de Aldeia (1950), de Robert Bresson. Duração: 81 minutos.

23/04: Persona (1966)
Uma atriz teatral de sucesso sofre uma crise emocional e emudece. Para se recuperar, parte para uma casa de campo, sob os cuidados de uma enfermeira, que a admira e tenta compreender a razão de seu silêncio. Isoladas, as duas mulheres desenvolvem uma relação de forte intensidade emocional. Duração: 83 minutos.

30/04: Gritos e Sussuros (1972)
Em uma casa no campo, uma mulher está bastante enferma e recebe cuidados de suas duas irmãs e de uma empregada da família, que precocemente perdeu sua filha e por isso extravasa seu amor de mãe dando o maior carinho possível para aquela moça tão debilitada. Dentro deste contexto, lembranças, frustrações e imaginações, em um misto de amor e ódio, surgem no interior de cada pessoa. Duração: 91 minutos.

sexta-feira, 25 de março de 2011

26/03: A Palavra (Carl Theodor Dreyer, 1955)

A palavra - Carl Theodor Dreyer (1955)

Sinopse
Uma família de fazendeiros, unida por fortes laços emocionais, passa por momentos de tensões provocados por pequenas desavenças. Sua rotina, após retorno de um dos filhos do patriarca, é modificada pela sua aparente loucura, que tudo indica, deriva de um estudo radical teosófico, que o fez acreditar ser Jesus Cristo. Nem todos aceitam que Johannes Borgen seja demente e fanático. E essa situação estará à prova, depois que um ente querido fica doente. Adaptação da peça teatral de Kaj Munk, pastor e dramaturgo, muito conhecido nos países escandinavos, que foi assassinado pelos nazistas. A Palavra é considerado uma obra-prima dentre os filmes que exploram o poder da fé, do amor e do sobrenatural. Isso se deve a maneira "realista" e "naturalista" que enfoca o tema. Ovacionado no Festival de Veneza, com o Leão de Ouro em 1955, é considerado um dos mais belos filmes em preto-em-branco já produzidos. É possível que este filme não influencie a nossa crença religiosa, mas, por meio dele, presenciemos um dos momentos mais marcantes da história da sétima arte. Duração: 125 minutos

Crítica: A Palavra (Carl Theodor Dreyer, 1955)

por Tatiana Hora
Extraído de http://flordehospital.blogspot.com/2008/09/palavra-1955-carl-theodor-dreyer.html

A palavra, do diretor dinamarquês Carl Theodor Dreyer, é, antes de tudo, um filme sobre a linguagem, como o próprio nome indica. Essa palavra que é o que nos torna humanos, pela nossa capacidade de criar símbolos, essa palavra que parece querer tomar conta do mundo e desvendá-lo, essa palavra que pode trazer diversos desentendimentos.

O filme apresenta um homem, Johannes Borgen, que passa a acreditar que é Jesus de Nazaré depois de se debruçar sobre a obra do filósofo e teólogo dinamarquês Soren Kierkegaard, para angústia do seu pai, Merton Borgen, que desejava que o filho se dedicasse à vida religiosa, e via nele o talento para tal devido às suas feições que lembravam Jesus, como também a sua voz de profeta. Algo que se cristaliza no filme é a rigidez dos valores religiosos das duas famílias presentes no filme, e ainda a violência provocada através das aspirações que uns familiares infligem sobre outros do mesmo sangue. Essa violência é produzida por Merton, o chefe da família, em dois momentos: quando ele impõe que Johannes seja pastor, e o filho termina por perder a razão, e quando Merton pede para sua nora Inger lhe dar um neto homem, e, por fim, o filho dela nasce homem, porém morto.

Entretanto, o que se revela muito forte no filme, mais do que relação entre diversas gerações, é a contradição entre razão e misticismo. Logo na primeira seqüência, Johannes sobe no monte junto à sua casa e esbraveja contra todos aqueles que não crêem que ele é o Filho de Deus. Durante o filme, em diversos momentos ele surge perambulando pelos cômodos da casa, proferindo palavras em tom bíblico: “Vocês crêem no Cristo morto, mas não crêem em mim”, brada. Assim como Jesus, que foi renegado por muitos daqueles que aguardavam a vinda do Salvador, Johannes também enfrenta a incredulidade dos crentes. A morte santifica – e Johannes vivo, de carne e osso, não convence os cristãos, que o chamam de louco.

Johannes perde a razão através da própria razão – ele assume a postura de um esquizofrênico pelo caminho da filosofia – irracionalidade e racionalidade se mostram aí como duas faces de uma mesma moeda. E o misticismo, o irracional, o religioso, e a razão e a ciência são apresentados como faces de uma mesma moeda no filme de Dreyer: tanto a ciência quanto a religião são vontades irrefreáveis de compreender a totalidade do universo, de encontrar finalmente a Verdade.

Destarte, com a mesma maestria de Umberto Eco no livro O nome da rosa, Dreyer tece uma reflexão sobre o eterno dilema dos homens diante da linguagem, a procura pela verdade, pela intersecção entre linguagem e realidade. Se na obra de Umberto Eco uma biblioteca medieval guarda às sete chaves os livros sagrados, a verdade escrita por Deus, e nela acontecem diversos assassinatos em virtude de um livro proibido, no filme de Dreyer a luta a respeito da Verdade acontece quando a fé de Merton vai de encontro à fé de Peter. Tanto Merton quanto Peter são cristãos, mas, mesmo guiados pela palavra do mesmo Deus, eles divergem, e Peter não permite que sua filha Anne se case com o filho de Merton, Anders, por eles serem de religiões diferentes.

O conflito entre Merton e Peter assume maiores proporções quando o primeiro vai à casa do segundo com o objetivo de pedir permissão para que seu filho Anders se case com Anne. Depois de eles se digladiarem ao tratar sobre a legitimidade de sua fé, Merton recebe um telefonema informando que sua nora Inger está adoentada em pleno trabalho de parto. Peter, tomado pelo ardor das discussões com Merton, afirma que tal fato era um castigo para guiar Merton no caminho do verdadeiro Deus.

A Morte, assim, aparece como um elemento que perturba os personagens na sua relação com o mundo. A Morte põe em cheque a fé e a existência. Para Wittgenstein, em seu Tratactus Logico-Philosophicus, caso compreendamos a eternidade como duração atemporal, “vive eternamente quem vive no presente”. Essa fala desloca o sentido de uma vida após a morte para negligenciar a continuidade do tempo e a própria morte. No filme, a Morte surge como representação do Místico, daquilo sobre o qual não podemos falar, e o que nos causa estupefação. Na noite em que Inger agoniza com as dores do parto, Johannes anuncia que ela morrerá, mas que ele se encarregará de ressuscitá-la.

Da mesma maneira que Jesus Cristo fez ao ressuscitar o falecido Lázaro, Johannes pretende provar que é Deus superando a Morte. Não obstante, ninguém acredita que ele fará tal milagre, exceto a pequena Mareen, uma das filhas de Inger, e Johannes, assim como Jesus, afirma que as criancinhas são maiores no reino dos céus.


Na cena em que ele fala à Mareen que sua mãe morrerá, como em outros diálogos do filme, Dreyer coloca a câmera de forma a auscultar os personagens rondando em torno deles. Nesta obra, o diretor opta pelos movimentos de câmera em lugar do jogo de campo/contracampo, como presente em outro filme seu, A paixão de Joana D’arc (1928), em que ele havia explorado o plongée e contre-plongée para contrapor o sentimento de superioridade dos inquisidores e a humilhação de Joana D’arc. Em A palavra, Dreyer pouco se utiliza do campo/contracampo e, em lugar desse recurso, usa travellings para apresentar diálogos entre os personagens. Através dos travellings, a câmera se movimenta como se estivesse à espreita – ela investiga a cena e se move junto com ela.

O filme faz ver o invisível, quando enfatiza o movimento das roupas no varal provocado pelo vento, e ressalta a passagem do tempo através do tic-tac do relógio da sala dos Borgen, barulho que fica ainda mais evidente nas seqüências em que os personagens se afligem na sala da casa da família diante da iminência da morte de Inger. Após minutos de muita angústia dos familiares, o médico sai do quarto com ar de missão cumprida. O pastor chega à casa dos Borgen e há um momento em que ficam lado a lado o pastor e o médico, a religião e a ciência. O médico questiona sobre o que havia salvado Inger, se sua competência ou as orações de Merton, e este último elogia o poder da fé. O pastor, crédulo e incrédulo, parabeniza a atuação do médico e, sobre a existência de milagres, afirma: as leis naturais são leis de Deus, e Deus não contrariaria as suas próprias leis. O médico questiona:

– Mas e os milagres de Cristo?

– Os milagres de Jesus aconteceram em contextos particulares.

Não havia mais milagres. Não havia mais milagres por quê o homem agora tinha um novo deus, a ciência? A ciência assegura que há leis naturais. A filosofia chega a questionar essas leis aparentemente inquestionáveis. Segundo Wittgenstein em seu Tratactus, “que o sol nascerá amanhã não é uma certeza concreta, mas uma necessidade lógica”. O fato de o sol nascer todos os dias não infere que ele não possa simplesmente deixar de aparecer amanhã. Wittgenstein, dessa forma, aponta os limites da linguagem. Para o filósofo, o que está além da linguagem é o Místico. E a Morte é o elemento místico do filme. Johannes desafia as leis naturais.

Logo após a saída do médico, Johannes afirma que Inger está morta. Ele aponta para uma luz que adentra a sala. Anders explica que se tratava da luz do farol do carro do médico que estava partindo. Johannes se espanta e afirma que um determinado barulho era a morte chegando para Inger. Anders informa que, em verdade, era o carro do médico dando partida. Destarte, o encanto diante do mistério e o desencanto através de explicações racionais se contrapõem na cena. Por fim, Mikkel, o marido ateu de Inger, sai do quarto e dá a notícia da morte dela.

Após o falecimento de Inger, Johannes foge de casa. A sua morte traz a união entre Anne e Anders, pois Peter se arrepende de ter desejado o falecimento de Inger como forma de provar a Merton a verdade do seu Deus. Mais tarde, Johannes retorna para casa, justamente no velório de Inger.

Admirados com sua volta, seus familiares se mostram esperançosos de que ele esteja curado. No entanto, ele afirma que irá ressuscitar Inger. Johannes chegara logo após Merton dizer que o corpo de Inger será enterrado, para revolta de Mikkel, que grita “eu também amava o corpo dela!”. O corpo, esse lugar profano, impregnado de vida, ele é prova da existência.

Johannes, então, ressuscita Inger. Como o Deus que se fez corpo, que trouxe Lázaro de volta à vida, e que ressuscitou no terceiro dia após sua morte, Johannes também desafia a Morte e a transcende. Não seria a Morte o grande mistério da vida? Johannes ressuscita Inger através da palavra. É quando o filme aponta a palavra e a vontade de objetivação, o tornar-se realidade a partir da linguagem. Assim como o Deus que criou o mundo a partir das palavras - faça-se a luz- Johannes traz Inger de volta à vida através da palavra. Após levantar-se, Inger abraça seu marido e o beija ardentemente. O corpo em contato com outro corpo, o corpo como certeza da vida, a vida havia superado a morte.

O filme de Dreyer não termina por defender a fé contra a razão. O diretor antes faz um elogio ao Místico, àquilo sobre o que não podemos falar. Dreyer coloca em cheque o poder da linguagem, a pretensão do homem de conhecer e domar o mundo. Um "louco" prova a sua verdade aos incrédulos contra os quais havia bradado na cena inicial do filme. A história desafia as leis naturais – uma morta é ressuscitada! - e o espectador cai na estupefação diante daquilo que não consegue explicar.

Biografia: Carl Theodor Dreyer

Extraído da Wikipedia

Carl Theodor Dreyer (Copenhague, 3 de Fevereiro de 1889 - Copenhague 20 de março de 1968) foi um cineasta dinamarquês. Começou a filmar do final da década de 1910, até os anos 1960. É considerado um dos maiores cineastas de todos os tempos e o mais importante do cinema Dinamarquês.

A infância de Dreyer pode se afigurar como a grande influencia de seus filmes. O cineasta nasceu como um filho bastardo na Dinamarca (com o nome de Karl Nielsen). Sua mãe biológica era uma empregada sueca, com quem viveu durante os primeiros dois anos de sua vida. Sem condições para criá-lo, o menino foi entregue para adoção ao casal Dreyer, sendo registrado posteriormente com o nome do pai adotivo: Carl Theodor Dreyer.

Dreyer foi criado com severidade e com os valores luteranos de seus pais adotivos. Sua educação era baseada em interpretações rígidas da fé. Dreyer só soube de suas verdadeiras origens na idade adulta. Em entrevistas, Dreyer sempre falava de sua infância, mas frisava que não influenciava de forma alguma em seus filmes. Porém, é notável a presença de temas sobre a fé em seus filmes - a infância de Dreyer deixou-lhe uma marca profunda. Na escola foi considerado um aluno brilhante. Após o término dos estudos, afastou-se da família para realizar serviços burocráticos em escritórios. Anos mais tarde, tornou-se jornalista, fundando, em 1910, o jornal Riget. A experiência no jornal o levou a ter relações amigáveis com uma empresa de aviação.

Os conhecimentos técnicos que Dreyer adquiriu sobre o tema da aviação fizeram com que ele trabalhasse na Nordisk Film como técnico para o uso de balão de ar quente. Foi aí que Dreyer passou a se interessar pelo cinema. Começou escrevendo títulos e legendas, porém, em 1913 assinou um contrato de exclusividade com a Nordisk Film, passando a escrever roteiros. Em 1914, seu nome já aparecia nos créditos como roteirista, no filme "Abaixo as Armas", baseado em uma novela de Bertha Von Suttner. Nesse período, o cinema dinamarquês passava por uma queda de produção. Após um ano, Dreyer virou funcionário efetivo da imprensa, mostrando grandes habilidades nas edições de filmes. Em 1918 realizou seu primeiro filme, intitulado "O presidente". Dreyer segui seu instinto para escolher o elenco, fazendo escolhas conforme o perfil psicológico das personagens. Nesse filme, o cineasta ousou ao dispensar vários ornamentos do cenário e o uso de maquilagens, buscando naturalidade e realidade. Seus filmes foram considerados muitos sombrios para a época. Desde seu primeiro filme já abordava temas como: a responsabilidade da separação dos pais no amadurecimento dos filhos, idealização do auto-sacrifício e da mulher oprimida. A Nordisk acabou, portanto, desistindo dos projetos de Dreyer.

O cineasta buscou outras produções alemãs, suecas e dinamarquêses para seus próximos cinco filmes. Com a repercussão do filme "O amo da casa", o cineasta foi contratado por uma produtora francesa para dirigir o filme "A paixão de Joana d'Arc", de 1928. É o filme mais conhecido de Dreyer, e uma das obras mais completas do cinema mudo. O filme sobre Joana d'Arc mostra a santa francesa apenas em martírio. Como um apaixonado pela expressão humana, filmou grande parte em planos fechados e close-ups. Ainda na França, realizou o filme "O Vampiro", em 1932. De volta à Dinamarca, Dreyer se deparou apenas com projetos falidos, indo à Alemanha para produzir outros três filmes, lugar o qual se identificou muito, pois gostava da iluminação presente no expressionismo alemão. A fotografia extremamente contrastada dessa escola cinematográfica era ideal para Dreyer, pois conseguiria elementos climáticos para dissertar sobre o universo interior das pessoas. Na década de 1930 e 1940, Dreyer realizou um série de curta-metragens. Nesse período, os dinamarqueses gostavam de ir ao cinema como entretenimento, buscando diversão, o que Dreyer não proporcionava.

Durante a segunda Guerra Mundial, Dreyer não pôde realizar filmes, tendo que esperar 10 anos para realizar um longa-metragem. "A palavra" (Ordet), de 1955, foi mais um filme que consagrou o diretor, sendo considerado por muitos sua obra máxima. Trata-se de um filme sobre fé e milagre, através de uma perspectiva muito peculiar. Dreyer foi influenciado pelas teorias do filósofo dinamarquês Kierkegaard nesse filme. "Gertrud", de 1964, foi seu último filme. Retrata uma mulher vivendo um cassamento sem perspectivas. Foi bastante criticado, mas hoje é considerado uma obra importante do cineasta. É importante destacar em Dreyer o fato do cineasta tentar absorver o máximo possível do ator, tentando reproduzir o sentimento das personagens, penetrar em profundos pensamentos por meio de expressões. Antes de falecer, Dreyer declarou que gostaria de filmar "A paixão de cristo". Hoje, o também cineasta dinamarquês Lars von Trier se diz discípulo de Dreyer. É notável que as abordagens sobre o sacrifício feminino e a tentativa de deixar o cinema mais realista são algumas das influências.

CINEMA E FILOSOFIAS DA EXISTÊNCIA: Bergman, Dreyer e Bresson


INTRODUÇÃO

Entre a filosofia existencial de Soren Kierkeggard e o cinema de Ingmar Bergman e Carl Th. Dreyer existe uma “afinidade eletiva” que acontece na forma de tratar a trama humana do existir e na estrutura formal de incorporar alguns elementos da filosofia do pensador dinamarquês nas películas. Na abordagem de um grupo específico de temáticas, fica claro as relações entre o filósofo e os cineastas escandinavos: a existência ou não de Deus; a morte; a culpa; a experiência da crise; a escolha; a angustia; a fina ironia... Seguindo uma preciosa observação do pensador canadense Charles Le Blanc, de que existem verdades nas quais temos de comprometer a nós mesmos e tão essenciais que a existência é incompreensível sem elas, podemos situar as obras de Bergman/Dreyer e Kierkegaard num paralelo constante.

O nosso trabalho está dividido em duas partes: na primeira, apresentamos uma breve leitura de algumas categorias da filosofia de Kierkegaard que terão relevância na compreensão do cinema de Bergman. Na segunda, destacamos da obra do cineasta sueco a chamada “trilogia do silêncio” (O silêncio; Através de um espelho; Luz de inverno) e dois filmes do dinamarquês Carl Dreyer (O martírio de Joana D´arc e A palavra). Nessas obras dos cineastas escandinavos procuramos trabalhar uma perspectiva de filosofia da existência de forte influencia do pensador dinamarquês.

Søren Kierkegaard - Filósofo e Teólogo Dinamarquês

1.NOTAS SOBRE A FILOSOFIA DE KIERKEGAARD COM INTERESSE EM BERGMAN E DREYER

Lendo as obras de Kierkegaard, uma situação nos chama de imediato à atenção: o entrelaçamento radical entre vida e obra do filósofo. Situação esta comprovada pelos seus comentadores, tais como: Álvaro Valls; Ernane Reichmann; Charles Le Blanc; Márcio Gimenes; Deyve Redyson e outros. E isto é de muita relevância para uma primeira aproximação entre o filósofo e os cineastas. As raízes luteranas de Carl Dreyer e Ingmar Bergman são as mesmas de Kierkegaard. Uma comprovação de tais raízes em Bergman esta no seu filme “Fanny e Alexander” de 1982, uma película marcadamente autobiográfica em que o cineasta sueco se volta para uma infância (na verdade, a sua própria) e a partir do olhar de uma criança ele narra os dramas das relações com um religioso autoritário. Já em A Palavra, filme de 1955, Dreyer chega colocar na boca de um personagem um tal “efeito Kierkegaard” que teria acontecido com o irmão diante de um comportamento estranho vivido pelo mesmo, sendo na verdade, o filme todo uma “espécie de citação” da filosofia da existência do pensador dinamarquês. Afirmação sustentada por uma referência de André Bazin num texto em que comenta a obra de Dreyer2. O teatro, as relações familiares difíceis, os medos de um Deus tirânico; as hipocrisias são captadas pelas lentes de Bergman e Dreyer, que em muito se aproximam de imagens presentes nas obras de Kierkegaard, bastando pensar em “Temor e Tremor” de 1843.

O pensador dinamarquês, criado dentro dos rígidos princípios da religião luterana, que proclama a natureza pecaminosa do homem e sua irrevogável tendência a se corromper, viveu obcecado pelo sentimento de pecado. Isso não o impediu, durante certa fase da sua vida, de entregar-se a prazeres desregrados, onde o consumo do álcool e a exibição de roupas vistosas e pomposas ocupassem o centro de seus interesses imediatos. Aqui temos mais uma aproximação entre o cineasta e o filósofo, bastando ler as dez entrevistas feitas por três cineastas suecos com Bergman ainda na década de 60 e publicadas no Brasil pela editora paz e terra em 1978. Ainda podemos citar dois acontecimentos bem conhecidos dos leitores de Kierkegaard, a saber, a maldição que supostamente estariam sobre a família devido ao fato do pai ter blasfemado contra Deus nos campos gélidos da Dinamarca devido a uma aflição muito grande. Episódio jamais esquecido pelo filósofo e citado na obra “Diário de um sedutor”. Um segundo acontecimento esta ligado ao rompimento com a noiva e sua estranha explicação para tal fato. À medida que amadurecia suas idéias descobrindo sua vocação para o isolamento, percebeu ser incapaz de adaptar-se à convivência matrimonial, o que o levou a desmanchar o compromisso e viver atormentado com tal rompimento a vida toda, transformando-se numa situação existencial para várias meditações do filósofo. Mas as desventuras de Kierkegaard não se limitaram ao circulo familiar. Embora se mantendo fiel à confissão religiosa na qual foi educado, suas desavenças com a igreja luterana oficial, acusada por ele de ter-se burocratizado, distanciando-se da “religiosidade interior”, fundamental a todo verdadeiro cristão, impeliram-no a entrar em choque com a hierarquia eclesiástica. Os pastores luteranos, protestava, haviam se tornado oficiais dos reis, por conseguinte, totalmente desligados de alguma verdades básicas e históricas do cristianismo. Segundo os comentadores citados, impossível dissociar a filosofia de Kierkegaard das vicissitudes pelas quais passou. Mas, também afirmam os mesmos comentadores, não é menos verdadeiro, também, angústias e inquietações latentes em sua época, que só muito mais tarde se manifestariam de maneira dramática. O pensador dinamarquês pertence ao conturbado e crítico século XIX e de certa forma, sua obra tem as marcas dessa época. Mas é importante fazer jus a uma observação de Álvaro Valls e seus seguidores de que não podemos reduzir a “obra agônica” de Kierkegaard aos acontecimentos pungentes de sua existência. Por isso seria bom evitar conferir um caráter absoluto à crônica biográfica de Kierkegaard, como se fosse uma única leitura possível da sua obra e fazer com isto uma espécie de “método” de leitura de outros filósofos. Ao longo da história do pensamento Ocidental, muitos filósofos padeceram inúmeros infortúnios pessoais, e nem por isso é licito afirmar que suas doutrinas são simples ilustração desses fatos. O nosso destaque na vida e obra de Kierkegaard, num imbricamento dialético importante, se dá a partir de uma brevíssima comparação intencional com a vida de Bergman.

Um outro ponto de partida importante para caracterizar a filosofia de kierkegaard, seria a referencia a obra de Hegel3, cujas as idéias são vistas como opostas as suas. Há referencias a obra de Kierkegaard como sendo uma grande reação ao hegelianismo. Percebemos que inicialmente empolgado, como a maioria dos seus contemporâneos, pelas idéias de Hegel. O pensador dinamarquês logo depois se oporia energicamente ao intento hegeliano de condensar a realidade num sistema. Mediante o sistema, pretende-se explicar o todo, de modo a estabelecer uma visão total da realidade, em seus mínimos aspectos, a partir de determinados princípios que se interligam ordenadamente. A ambição de Hegel, segundo Kierkegaard, foi a de integrar, no que denominou de “idéia absoluta”, toda a realidade do mundo, apreendendo-o no conceito (palavra-chave no vocabulário filosófico hegeliano). O problema central para o filósofo da Dinamarca é que esse processo conduz a um esquecimento do individuo, a ponto de torná-lo desnecessário na “odisséia do Espírito hegeliano”. O individuo seria apenas uma das fases do sistema hegeliano e só. Para Kierkegaard, o individuo não pode ser apenas uma mera manifestação da idéia. O erro de Hegel, sentencia o dinamarquês, foi ter ignorado a existência concreta do individuo. Percebe-se que é daí que nasce uma certa aversão de Kierkegaard ao “espírito de sistema” na sua vontade de explicar a existência (tema central na cinematografia de Dreyer e Bergman). A existência humana, na leitura do pensador dinamarquês, não pode ser explicada através de conceitos frios, de esquemas abstratos. Um sistema promete tudo, mas não pode oferecer absolutamente nada, pois é incapaz de dar conta da realidade, sobretudo a realidade humana. O sistema é abstrato completamente, a realidade é absolutamente concreta. Aqui podemos perceber como Bergman se insere perfeitamente nessa perspectiva filosófica de Kierkegaard. No filme “Luz de inverno” (um dos filmes da trilogia do silêncio) o sacerdote luterano sofre amargamente a incapacidade dos conceitos racionais da sua religião em tentar explicar os fenômenos que lhe afoga a alma e as inquietações dos seus fiéis.

O sistema é racional e só pode ser assim. A realidade é tudo, menos sistema. Eis a base de Kierkegaard, Dreyer e Bergman. No “Diário de um sedutor”, ele escreve que diante de uma situação concreta que enseja solução, mesmo um filósofo tenta resolve-la fora do sistema que se filia. As soluções preconizadas pelos sistemas não são seguidas por seus criadores quando se encontram em apuros. Na vida cotidiana, os criadores de sistema se valem de alternativas diferentes daquelas que recomendam para os outros. Por que esse procedimento? Porque a realidade da qual os indivíduos têm maior conhecimento é sua própria realidade, a única que interessa de fato. Só a realidade singular, concreta interessa, e apenas esta o individuo pode conhecer. Só podemos nos apropriar da realidade subjetivamente. O universal não passa de mera abstração do singular, eis uma marca fundamental da filosofia de Kierkegaard e do cinema de Dreyer e Bergman. O pensamento abstrato só compreende o concreto abstratamente, enquanto que o pensamento centrado no individuo busca compreender concretamente o abstrato, aprende-lo em sua singularidade, capta-lo em sua manifestação subjetiva. O individuo, por isso mesmo, jamais pode ser dissolvido no anonimato, no impessoal. Todo conhecimento deve ligar-se inapelavelmente à existência, à subjetividade, nunca ao abstrato, ao racional, pois se assim proceder fracassará no intento de penetrar no sentido profundo das coisas, logo, de atingir a verdade. Singular é o homem. Contrariamente ao que ocorre entre os animais, o homem singular vale mais que a espécie. Apenas ele tem consciência de sua singularidade. Portanto, o homem é categoria central da existência. A existência individual, assim a concebe Kierkegaard, é para ser vivida, dispensando ter como explicação última algo de racional. Diferente da concepção hegeliana de homem, o dinamarquês exalta o concreto, o singular, o homem enquanto subjetividade. Kierkegaard atribui a si mesmo a missão de defender o singular contra o geral, tarefa que, no “Diário de um sedutor”, compara a Leônidas, herói das Termópilas, a quem coube resistir às investidas do inimigo Persa (KIERKEGAARD, 1979). No caso de filósofo da Dinamarca, não há dúvida, o inimigo é toda forma de sistema.

Se os temas da existência e da singularidade são temas que em muito aproxima Kierkegaard de Bergman, o tema da fé e todas as conseqüências existenciais de um enfrentamento com o tema, leva tal relação a uma situação de influência direta4. Para Kierkegaard, a “verdadeira fé” não está ligada à instituição da igreja ou das igrejas, quanto a um estado de crise existencial constante. Não se trata, como comenta Charles Le Blanc, tanto de ter fé ou de conservá-la, quanto de vivê-la (LE BLANC, 2003). Ser religioso de nascença ou pela educação não nos faz cristãos. Longe de nos contentarmos com uma etiqueta de cristãos porque fomos batizados ou porque somos fiéis, temos que nos perguntar perpetuamente em como se tornar existencialmente cristão (tema central no filme “Luz de inverno” de Bergman, em que um sacerdote protestante vive as voltas com o drama de ser religioso e ter que ter fé e não poder ser do outra maneira. A existência ou não de Deus o atormenta constantemente). O filósofo situa-se nos antípodas de um povo que se satisfaz com um estatuto cristão, e que Kierkegaard qualifica de “pagão batizado”.

A religiosidade da existência tal como Kierkegaard a percebe afirma-se primeiro como reação à concepção totalizante e universal na qual Hegel englobava a existência humana. Se par este último a existência não contava se não como momento de um sistema lógico universal, o pensador dinamarquês entende reafirma a primazia da subjetividade, ou seja, tudo que é próprio de cada individuo e que escapa a toda categoria. Não se pode apreender o espírito religioso que anima Kierkegaard a não ser que se preserve e espírito do domínio do conceito e da categoria, a fim de perceber com toda sua força as questões que emanam da intimidade do homem confrontado ao trágico da existência. A lógica hegeliana torna-se impotente e cai em desuso frente ao sofrimento humano, por exemplo. Pois, como o faz notar Álvaro Valls no seu livro “Entre Sócrates e Cristo”: “O que existe não é o conceito de sofrimento e sim os homens que sofrem” (VALLS, 2001:37). O espírito religioso autêntico é, portanto aquele que experimenta a existência em seu foro íntimo e não mais através do conceito. A fé é para o pensador dinamarquês um elemento fundamental para a existência e para a filosofia. A fé não se reivindica mais, experimenta-se mergulhando-nos numa busca sem fim. Segundo Charles Le Blanc, a “fé autêntica” nos coloca confrontados a um aprendizado da vida que corresponde de algum modo a situações limites de interrogação sobre a própria existência e seus dramas cotidianos (tema explorado em vários filmes de Bergman). Kierkegaard situa a fé a partir de uma espécie de postulado existencial em três estágios: na esfera estética, o homem (a imagem de Don Juan) refugia-se no imediatismo do desejo, no instante, assim como na recusa de toda escolha. Na esfera ética, compreendemos ao cabo de um desespero sem fim, compreendemos ao cabo de um desespero sem fim, que precisamos ir ver além do imediatismo para nos tornarmos o que nos tornamos, ou seja, admitir a existência de uma alternativa no lugar da indiferença ao bem e ao mal, logo, aceder ao reconhecimento do bem e do mal (esse desespero vivido pelo individuo no estágio ético em Kierkegaard, pode ser encontrado no cinema de Dreyer e Bergman na construção de vários dos seus personagens). No cinema de Bergman este estágio ético corresponde aquilo que Susan Sontag num artigo magistral sobre Persona, afirmou: “O que é mostrado no final de Persona assemelha-se a um empate angustiante.” (SONTAG, 1987:124). O que parece irônico na lógica de Kierkegaard é que entramos na esfera religiosa pelo humor e assim libertados do cinismo autodestruidor. Aceitamos, em nome da fé, o peso de uma falta de Homem perante um Deus para com o qual temos uma divida. Sempre em busca da felicidade, e esta nos faltando sempre, temos que admitir esse fato e esperar para além de toda decepção. Marcado e preocupado em responder a questão “que devo fazer?”, Kierkegaard aprofunda, amplia essa interrogação ao extremo, e assimila a paixão à existência: o ser humano mantém-se entre a dúvida e a fé, num estágio de existência fechado que se basta a si mesmo, e no qual só sai por um “salto” (e não por graus de evolução, como pensa a filosofia hegeliana). Como afirma Charles Le Blanc: “Todo homem se encontra necessariamente em uma ou outra esfera da existência e o problema que cada um tem que resolver é determinar em estágio se encontra” (LE BLANC, 2003:58)

É nesta relação entre dúvida e fé que o ponto de encontro entre Kierkegaard e Bergman se torna mais intenso e nítido. Para exemplificar tal afirmação, basta-nos reportar ao belíssimo filme “O sétimo selo” ou, ainda a “Luz de inverno”. Tanto para o cineasta, como para o pensador dinamarquês a relação torturante e angustiante entre dúvida e fé é o essencial da existência, por ser tão irredutível e inevitável. É em face de Deus que o homem experimenta o paradoxo inerente a existência... Aqui estamos no ponto mais alto da relação de influencia de Kierkegaard sobre Bergman. O paradoxo existencial que trabalha Kierkegaard intensifica-se logo que o homem se relaciona com um Deus que o transcende: sem Deus, o homem perde toda significação, e sua busca é desprovida de sentido. Ocorre que se o paradoxo é o lugar onde uma verdade se revela a nós, nossa subjetividade reside não na sua falsidade, mas na sua insuficiência em relação a esse Todo-Outro (Deus) que nós não somos. A existência é e permanecerá sempre falta, uma ascensão inacabada e inacabável. Não cessamos de aspirar uma plenitude enquanto vagamos num meio de uma incerteza infinita; é com esta própria incerteza que nos devemos contentar como verdade. É nesse sentido que Kierkegaard afirmava em “Temor e Tremor” que “Deus está justamente presente logo que a incerteza de tudo é pensada como infinita”. E jamais experimentamos tanto erro da subjetividade quanto logo que nos encontramos remetidos a nós mesmos, numa solidão radical. “O homem Kierkegaardiano, esceve Charles Le Blanc, é antes de tudo aquele que busca um ponto onde jogar a âncora, pois, se se limitar a si mesmo, mostra-se injustificável, sem mensagem, e o mundo em que mora lhe dá náusea” (LE BLANC, 2003:51). Neste ponto é possível perceber, como as imagens existenciais criadas pelo filósofo dinamarquês são muito utilizadas no cinema de Bergman. A filosofia existencial de Kierkegaard é a base para o cinema também existencial de Carl Dreyer e Ingmar Bergman. Como afirma Luiz Gustavo Onisto de Freitas em um artigo dedicado as relações entre Kierkegaard e Bergman: “Da mesma maneira que Bergman prioriza a individualidade de seus personagens no cinema, Kierkegaard concede um papel fundamental ao indivíduo em sua obra” (FREITAS, 2007:323).


Carl Theodor Dreyer - Cineasta Dinamarquês

2. NOTAS SOBRE O CINEMA DE DREYER E BERGMAN COM INTERESSE EM KIERKEGAARD

Comentar a obra de Ingmar Bergman e Carl Dreyer num espaço de escrita introdutória como esse, torna-se uma tarefa muito difícil. Cineasta de uma vastíssima obra teatral e cinematográfica que vai de 1944 a 2003, Bergman é um dos mais comentados e citados diretores do século XX. Já o diretor dinamarquês, Carl Dreyer é considerado o mais importante cineasta do mundo escandinavo e um mestre de toda uma geração, a começar por Bergman e Laars Von Trier. O nosso intuito é fazer um pequeno recorte na obra de ambos e tentar demonstrar a presença da filosofia de Kierkegaard nessas mesmas obras. Comecemos pela obra de Dreyer.

Considerado um dos maiores realizadores do cinema dinamarquês, Carl Dreyer teve uma carreira internacional. Desde O Presidente, filme de 1920 nota-se um cuidado com a imagem e com um rigor de pensamento, que marcará sua obra posterior e demonstrará sua fonte filosófica na obra de Kierkegaard. O que no filme A Palavra um personagem chamará de “efeito Kierkegaard”. É como se Dreyer se encontrasse inteiro nesse trabalho. Seu segundo filme permite que se acrescente a esse retrato duas pinceladas: o gosto pelo fantástico e uma preocupação por temas religiosos, marcante em sua carreira até o fim da vida. Página do livro de satã inspira-se em Intolerância do americano Griffith. Suas outras obras serão filmadas na Suécia e na Alemanha. Dreyer produziu pelo menos, três grandes obras primas do cinema mundial: O martírio de Joana D´arc (1928); Dias de ira (1943) e A palavra (1955). Para o nosso breve comentário, interessanos as obras de 1928 e 1955, respectivamente. Extraído, em principio de um roteiro, o filme sobre Joana D`arc foi inspirado nas minutas do processo em um arquivo em Paris onde temos os detalhes das acusações e das palavras de defesa utilizada pela virgem de San Remy, mas a ação destacada pelo cinema de Dreyer condensa num único dia segundo um imperativo trágico que de forma alguma falseia5. A Joana D`arc do cineasta dinamarquês permanece memorável nos anais do cinema pela audácia fotográfica. Com exceção de algumas imagens, o filme é inteiramente composto de closes, principalmente rostos. Essa técnica atendia a dois propósitos aparentemente contraditórios, mas, na verdade, intimamente complementares: mística e realismo. Marca importante da filosofia de Kierkegaard no cinema de Dreyer. A história de Joana, tal como nos é contada/mostrada por Dreyer, apresenta-se despojada de qualquer incidência anedótica; é o puro combate das almas, mas essa tragédia exclusivamente espiritual, onde todo o movimento é interior, expressa-se cabalmente por intermédio dessa parte privilegiada do corpo e do rosto. Importa precisá-lo mais uma vez. O ator emprega seu rosto para expressar sentimentos, porém Dreyer exigiu de seus interpretes outra coisa a mais que a interpretação. Vista de tão perto em grande close, a máscara da interpretação cai. Como escreve Robert Bresson, discípulo francês de Dreyer: “A câmara penetra todas as camadas da fisionomia. Além do rosto que se faz, ela descobre o rosto que se tem, visto de tão perto, o rosto humano torna-se documento” (BRESSON, 2005:31). O paradoxo fecundo, o ensinamento inesgotável desse filme é que, nele, a extrema purificação espiritual se entrega ao realismo mais escrupuloso sob o microscópio da câmara e revela a presença determinante da concepção de existência elaborada por Kierkegaard. Dreyer proibiu qualquer maquiagem, os crânios dos monges são efetivamente raspados e foi diante de toda equipe em lágrimas que o carrasco cortou realmente os cabelos de Falconetti (a Joana D´arc de Dreyer) antes de conduzi-la à fogueira. Não se tratava, em absoluto, de uma tirania. Devemos-lhe esse sentimento irrecusável de tradução direta da alma. A verruga, as sardas e as rugas dos acusadores de Joana são consubstanciais às suas almas e significam mais que suas interpretações. A grandeza desse filme kierkegaardiano pode ser resumido numa frase de Charles Le Blanc ao comentar o sentido da fé na obra do pensador dinamarquês: “Ter fé é assumir os riscos que derivam das possibilidades da existência”. Frase que bem define a fisionomia e a decisão firme da Joana D`arc de Carl Dreyer.

A Palavra (1955) é um filme arrebatador em todos os sentidos. As marcas da filosofia de Kierkegaard estão por todos os lados. No tema religioso e angustiante; na crítica de uma certa prática de cristianismo; na fotografia de uma brancura existencial e num acontecimento raro no cinema de Carl Dreyer: é o seu único filme em que há uma citação do nome de Kierkegaard ligado a um acontecimento que marcou a vida de um dos filhos de um velho patriarca camponês da Dinamarca (ambiente da película). Só por essas referências rápidas daria para perceber a influencia determinante da filosofia da existência de Kierkegaard no cinema de Carl Dreyer. Mas percebemos que a influencia vai além de algumas citações ou semelhanças temáticas. Esta na própria estrutura formal do estilo de Dreyer. Ele incorpora Kierkegarrd e faz da sua obra argumento de roteiro no intuito de melhor trabalhar um determinado tema.

A Palavra é uma adaptação de uma peça de Kaj Munk, um pastor-dramaturgo bem conhecido nos paises escandinavos que morreu em 1944, assassinado pelos nazistas. A Palavra foi criada em 1932 e seguramente, o argumento dramático esta ligado aos costumes religiosos escandinavos, bem temperado com referencias filosóficas e teológicas retiradas da obra de Kierkegaard. Tentemos resumir essa ação dramática em que a “banalidade cotidiana” se acha estranhamente desnaturada pela presença ambígua do sobrenatural. Ela parece passar-se numa fazenda do interior da Dinamarca. O velho fazendeiro tem três filhos, dentre os quais o mais velho, se casou com uma bela jovem que lhe deu duas filhas e que esperava um bebê. O mais jovem, que desposar a filha de um pequeno alfaiate da aldeia que dirige um grupo religioso protestante fervoroso, cuja influencia se opõe à do fazendeiro patriarca, homem piedoso, mas defende um cristianismo mais alegre e menos rigoroso. Sua rivalidade religiosa é complicada por uma certa animosidade social. Quanto ao seu segundo filho, Johannes, é o grande tormento da família. Regressando atormentado de uma experiência em um seminário luterano em que descobriu a obra de Kierkegaard onde passou a criticar violentamente a religiosidade protestante, mas sem se desligar do cristianismo, querendo apenas uma vida cristã sem as hipocrisias dos rituais sem piedade e seriedade, Johannes passa afirmar que uma das coisas mais tristes é “um cristianismo indiferente” (bem ao estilo Kierkegaard nas lentes de Dreyer). O grande tormento da família torna-se mais grave quando Johannes passa a comportar-se como se fosse a “encarnação de cristo” e começa a profetizar nos campos da redondeza. A partir daí uma desgraça abate-se sobre essa gente. A mulher do irmão mais velho, dá a luz penosamente um natimorto e em seguida também morre. O atormentado Johannes, que “profetizara” várias desgraças, foge no meio da noite. Quando, enfim, chega a hora de fechar o caixão, Johannes aparece, aparentemente curado, para repreender os homens de pouca fé por não terem pedido a Deus para devolver a vida à morta. Sua sobrinha mais nova vem pedir-lhe para fazer um milagre e, em nome da fé dessa criança, Johannes pronuncia as palavras bíblicas da ressurreição. Deixemos aos interessados o final da película e a incerteza extraordinária, prolongada por Dreyer. Limitemo-nos a dizer que ele não se presta a atenuar a estranheza da história. Certamente, se refletirmos bem, o desfecho de Joana D´arc não tampouco banal, mas tem a seu favor a força da “lenda” e o recuo da história. Quanto a Dia de ira, Dreyer não teria muita dificuldade para nos fazer admitir a realidade do além numa época em que tanto se acreditava nela. Todos esses recursos são recusados pela atualidade da peça de Kaj Munk; e, de resto, é do realismo mais direto, às vezes mais brutal, que ele pretende falar. De um certo ponto de vista, A Palavra pertence a uma estética quase naturalista. Mas essa matéria dramática realista é como que iluminada de dentro por sua realidade última. Essa imagem impõe-se por si mesma pelo uso que Dreyer faz da luz. A encenação de A Palavra é a principio uma espécie de “metafísica do branco”. Um branco que esta na base , e que é sua referencia absoluta. É o branco que constitui a cor da morte e a cor da vida. A Palavra é, de certo modo, o último filme em preto e branco, aquele que fecha todas as portas para o limite do uso do branco. Um elemento nos filmes de Dreyer e, em especial em A Palavra, nos informa de uma presença decisiva da obra de Kierkegaard no seu cinema: num universo cinematográfico atento ao mistério, o sobrenatural não surge do exterior. É pura imanência. Ele revela-se, no limite extremo, como ambigüidade da natureza, e antes de tudo, no caso di filme, como ambigüidade da morte. Nunca no cinema, nos afirma André Bazin, “a morte foi abordada de tão perto, ou seja, ao mesmo tempo em sua realidade e em seu sentido”. A Palavra é uma espécie de tragédia teológica, sem a menor concessão ao terror... Nada mais Kierkegardiano.

Passando a Bergman, podemos afirmar que o que o que de chofre nos chama a atenção é a maneira como o cineasta sueco trabalha temas delicados e de forte carga existencial, tais como: o escândalo erótico; as polaridades de violência e impotência; a razão e o absurdo; a linguagem e o silêncio; o inteligível e o ininteligível, tudo isso soa ainda hoje por demais estranho e carregado de problemas para uma compreensão linear do que foi entendido como uma narrativa clássica no cinema moderno.

Ingmar Bergman é considerado hoje o ponto mais alto do cinema sueco e o mais conhecido cineasta do mundo escandinavo juntamente com Carl Theodor Dreyer e Laars Von Ttrier (cineasta contemporâneo marcado profundamente pela filosofia de Kierkegaard). A produção cinematográfica de Bergman vai de 1946 a 2003, intercalada com uma série de trabalhos no teatro e na televisão. Nosso comentário à obra de Bergman esta baseado em dois textos muito importantes. Um trata do cinema sueco e sua base psicológica, intitulado: “O realismo psicológico: herança literária do cinema sueco” de Rude Waldekranz (crítico do instituto sueco de cinema), texto este que nos informa da influencia da filosofia de Kierkegaard no cinema sueco e de um modo geral no cinema escandinavo como um todo. Afirma o crítico: “Bergman fez da alma o centro da ação, dando assim ao filme uma nova dimensão, que até então lhe faltava: a profundidade psicológica” (WALDEKRANZ, 1969:55) e ainda numa outra frase esclarecedora: “Disseca a verdade até ai oculta, revelando o verdadeiro rosto do ser humano, que, impiedosamente, põe a descoberto” (WALDEKRANZ, 1969:56). Dessa forma, podemos afirmar que Bergman provou de maneira brilhante que a arte cinematográfica poderia se constituir num meio de expressão extremamente pessoal de trabalhar as imagens e a narrativa. Um outro texto é do próprio Bergman, intitulado Imagens (1990), espécie de diário de trabalho do cineasta sueco onde através de uma leitura crítica de seus próprios trabalhos e de suas influencias intelectuais, nos informa que a presença de Kierkegaard no cinema escandinavo (Suécia e Dinamarca) tem inicio com a obra de Carl Dreyer (que fazia filmes centrado na expressão facial e dramática dos atores e atrizes), passando por ele próprio e chegando ao (então jovem cineasta) Laars Von Trier. Nesse cinema visto pelas palavras de Bergman é possível perceber um elemento importante da filosofia de Kierkegaard, a saber, que o individuo na sua singular existencia deve fazer uma opção decisiva, pró ou contra a uma “forma existencial”. Este cinema nos mostra que não há neutralidade no ato de existir. Na dramática expressão facial da Joana D´arc de Dreyer diante dos seus algozes; nas dúvidas e angústias dos personagens da trilogia do silêncio de Bergman ou na pureza irônica dos personagens principais de Os idiotas ou de Dançando no escuro de Laars Von Trier, existir já é posicionar-se.

A titulo de conclusão, destaquemos na chamada “Trilogia do silêncio” de Bergman, dois filmes que podem nos servir como uma espécie de lugar privilegiado de onde podemos observar com mais nitidez a influencia do pensador dinamarquês. A trilogia foi elaborada por Bergman entre 1960 a 1962 e é composta pelo filmes: “Através de um espelho”; “Luz de inverno” e “O Silêncio”. Um tema fundamental que une a trilogia é a situação de personagens problemáticos, vivendo situações de dilaceramento. É a loucura da protagonista de “Através de um espelho”; a falta de fé e a rotina angustiante de um pastor em “Luz de inverno” ou a incapacidade de comunicação de duas irmãs em “O silêncio”.

Comecemos pela película “Através de um espelho”. Segundo Susan Sontag, a dificuldade desse filme deriva do fato de Bergman não oferecer nenhum tipo de sinalização nítida para separar fantasia de realidade, como por exemplo, o faz L. Bunuel em “A bela da tarde. O cineasta espanhol coloca as pistas, quer que o espectador seja capaz de decifrar o filme. A insuficiência das pistas oferecidas pelo diretor sueco pode ser tomada como indicio de que ele pretende que o filme permaneça parcialmente codificado. O espectador pode apenas aproximar-se, mas nunca atingir a certeza sobre a ação. Entretanto, esta distinção entre fantasia e realidade tem pouca utilidade para a compreensão de “Através de um espelho” e para o tipo de cinema de Bergman. Dos quatro personagens da película de 1960, é Karin o centro da narrativa. Bergman a apresenta como uma pessoa atormentada pela loucura que lhe tira a completa lucidez. É com essa personagem que a distinção entre fantasia e realidade perde sua importância. Por exemplo, Karin confessa ver e acreditar num “Deus-aranha”, que com suas teias vai lhe puxando pouco a pouco para si, sem se importar se as outras pessoas (pai, irmão e marido) acreditam ou não no “deus-araquinídeo”. Aqui a divida de Bergman para com Kierkegaard se mostra pelo uso da “comunicação indireta”. Na personagem Karin esta uma metáfora da idéia de que um ser humano viu o que significa existir. Na sua personagem, Bergman se realiza como num pseudônimo ao afirmar o caráter indeterminado das suas interrogações importantes a respeito do individuo, pois, tanto revela quanto esconde os diversos momentos dessa existência louca e lúcida da personagem Karin. Em “Através de um espelho”, Bergman nos põe a pensar à semelhança dos personagens-pseudônimos de Kierkegaard.

Já em “O silêncio”, o diretor sueco chega ao ponto mais alto da trilogia, ao trazer uma carga de agonia pessoal quase profana na luta na luta vivenciada pelas duas personagens irmãs, Ester e Ana. Quase profana, porque Bergman nunca se separa completamente do Sagrado (a semelhança de Dreyer). A viagem das duas irmãs a uma cidade desconhecida de nome inventado chamada “Timoka”, é na verdade à imagem e o conflito existencial entre duas pessoas unidas para sempre pelo sangue, mas desunidas completamente na relação de cada uma com o mundo que as circunda. Ester é a escritora e tradutora de grande força intelectual, mas desamparada emocionalmente. A razão não lhe salva e a coloca cada vez mais longe do que ama (no filme, Bergman deixa entrever uma relação erótica entre as irmãs, que vai do desejo ao desespero). Ana é a revoltada e fútil, que radicaliza sua relação com o mundo, numa espécie de “imediatismo da natureza” (SONTAG, 1987:122), muito próximo ao “estádio estético” definido por Kierkegaard. Num desfecho extraordinário, Bergman nos deixa a sua mensagem kierkegardiana: depois de romper com o mundo sufocante, o ser humano de fé (a presença constante da música de Bach não é gratuita e sim uma metáfora dessa fé) volta para o mundo, recebe-o de novo, mas com a diferença de estar plenamente consciente de que há uma outra realidade que pede sua opção existencial. Sabe, agora, a personagem Ana que, para alcançar uma existência sem truques, é necessário conciliar o incondicionado e o relativo. Eis a divida fundamental que Bergman paga ao pensador dinamarquês.


Ingmar Bergman - Cineasta sueco

EXCURSO. SOBRE O CINEMATÓGRAFO DE ROBERT BRESSON: NOTAS*

Robert Bresson (1907-1999) foi um cineasta de “estranha” cinematografia e de comportamento “esotérico”. Elaborou uma teoria para explicar sua maneira de entender o cinema, a ponto de criar conceitos (sentido dado por Deleuze) numa tentativa de justificar a sua compreensão de imagem. Um cineasta profundamente marcado por uma visão católica influenciada pela filosofia de Blaise Pascal, pensador francês do século XVII. Pascal não é uma espécie de “catequisador” ou um desses vulgares apologeta do catolicismo. O seu pensamento quer conduzir o leitor pela mão até ao limiar em que este pode torna-se capaz de aceitar o que nem os homens e nem as coisas lhe tinham até então mostrado. É este não-mostrado, mas sedutor que transforma a filosofia de Pascal em uma “paixão” e por isso um “pensamento trágico” que nos indica uma “Fé”, que por ser Fé, não nos demonstra nenhuma certeza. Em Pascal, Bresson encontra uma grande chave para o seu cinematógrafo. Nem possuidores do verdadeiro nem dele despojados, não devemos viver apenas para as esperanças em que marcamos encontros com o tempo. Devemos viver em e pela esperança que nos abre para aquilo que a vida sócio-política não nos oferece completamente, assim pensam o filósofo Pascal e o cineasta Bresson. A filosofia de Pascal e o cinematógrafo de Bresson nos apontam uma exigência que se encontra para além da filosofia no sentido tradicional do termo e que, por conseqüência, não teria como matar a sede que o exercício filosófico e cinematográfico implicam e nos interpelam. Um cinema que na forma e no conteúdo é marcado por uma austeridade sem precedentes na história da sétima arte. Pouca música, ou quase nenhuma, poucos recursos técnicos e uma maneira quase mística de dirigir atores (por ele chamados de “Modelos”). A artificialidade do bom ator não serve para o estilo de Bresson. Numa tentativa de explicar o quase inexplicável, Bresson escreveu o seu texto “Notas de um cinematógrafo” em 1975. Texto escrito num estilo aforismático, o que nos faz lembrar os “Pensamentos” de Pascal, os escritos dos “Moralistas” do século XVII, Kierkegaard, Nietzsche e Th. Adorno na sua “Mínima Moralia”. O que torna difícil a leitura do texto aforismático de Bresson é a sua “capacidade criativa” no sentido definido por Deleuze para definir o “filósofo” como criador de conceitos. A arte cinematográfica de Bresson é “criação”, é “epifania”, é “revelação”, e explicar estas coisas em imagens é algo extremamente difícil e que muitas vezes frustra o expectador comum de um cinema comercial e nada revelatório. Apesar de seu caráter fragmentário, a teoria de Bresson apresentada sob o nome de “cinematógrafo” é muito coerente e nos força a ver a idéia de cinema numa ótica nunca pouco vista e pouco comentada por estudiosos ou cinéfilos de plantão.

A arte cinematográfica no seu sentido “tradicional”, só existe em virtude da intencionalidade manifestada por um cineasta, senhor, a um só tempo, de seus meios e objetivos. No entanto, para Bresson não se trata de ter intenções particulares, mas uma intencionalidade geral (a intenção de criar uma obra, como afirma Deleuze); ele preconiza uma espécie de intenção da ausência de intenção. A intencionalidade ganha, então, uma forma particular, a da ignorância, do desconhecimento, da espera, e daquilo que ele mesmo chama de “improvisação”. Quanto ao artista, ele o caracteriza pela perspicácia e pelo saber das relações a serem estabelecidas entre os dados sensíveis.

Um conceito complicado no texto Notas de um cinematógrafo é o de verdade. Se o teatro e o cinema são a “arte do falso”, ou como afirma Deleuze “as potencias do falso”, o cinematógrafo de Bresson define-se pelo valor oposto: seu poder de verdade. O cinematógrafo é instrumento de revelação de alguma coisa mais profunda do/no mundo, instrumento de ver e compreender. Entretanto, a arte de Bresson se concentra em um “objeto” de verdade e único: o sujeito humano. É, em particular, o sentido de sua teoria do “Modelo”, que designa não a relação de um filme com um ator, que encarna uma personagem, mas o trabalho de uma “certa verdade” a ser dita sobre esse ator, esse corpo e esse sujeito, singularizando a forma pela qual essa verdade se produz. O cinema/cinematógrafo para Bresson tem uma capacidade única de revelar o real na sua inteireza e na sua sacralidade austera e, por isso, absolutamente simples como a vida de todo Ser.

O cinematógrafo procura uma expressão não imediata (mas mediata) e não definitiva, mas constantemente deslocada, relançada, contradita. O cinematógrafo lida com a escritura, ou seja, com a criação de relações entre imagens e som. Ele é paradoxal, já que é definido como, a um só tempo, intimo e separado. Imagens visuais e sonoras, ligadas e separadas, referidas ao real: o cinematógrafo é a escritura desse material. Como escrever com imagens e com sons? Não é, certamente, intervindo sobre cada imagem para carregá-la de sentido escrito, mas intervindo unicamente sobre o agregado de imagens. Não há imagem a-significante e que não atraia a atenção por suas qualidades, assim entende Bresson.

O cinematógrafo de Bresson se define, portanto, por combinação singular e paradoxal de vários traços acentuados: o imprevisto, o instintivo, o inesperado, a emocionalidade fria, a absorção do espectador, a intenção de verdade, a crença no real, e por fim, um poder próprio dessa máquina que é, ao mesmo tempo, instrumento e escritura. Assim é Robert Bresson e o cinema por ele feito de maneira extra-ordinária e com uma poética absolutamente singular.

Robert Bresson - Cineasta francês

PARA SABER MAIS
Aqui, um link para um artigo entitulado BERGMAN E DREYER, HERDEIROS CINEMATOGRÁFICOS DE KIERKEGAARD.


BIBLIOGRAFIA

ABBAGNANO, Nicola. Introdução ao existencialismo. São Paulo: Martins Fontes, 2005.

BERGMAN, Ingmar. Imagens. São Paulo: Martins Fontes, 1996.

BRESSON, Robert. Notas sobre o cinematógrafo. São Paulo: Iluminuras, 2005.

BAZIN, André. O cinema da crueldade. São Paulo: Martins Fontes, 1989.

BEAUFRET, Jean. Introduction aux philosophies de l´existence. Paris: Éditions Denoël, 1971.

BJÖRKMAN, Stig (org.). O cinema Segundo Bergman. São Paulo: Paz e Terra, 1977.

FREITAS, Luiz Gustavo Onisto de. Kierkegaard e Bergman: autores éticos. In: Soren Kierkegaard no Brasil (orgs. Deyve Redson, Jorge Miranda e Marcio Gimenes). João Pessoa: Editora Idéia, 2007.

LE BLANC, Charles. Kierkegaard. São Paulo: Estação Liberdade, 2003.

MICHELET, Julles. Joana D´Arc. São Paulo: Editora Hedra, 2007.

SONTAG, Susan. A vontade radical. Estilos. São Paulo: Companhia das Letras, 1987.

KIERKEGAARD, Soren. Temor e Tremor. São Paulo: Abril Cultural, 1979. COL. OS PENSADORES.

_______________. Diário de um sedutor. São Paulo: Abril Cultrural, 1979. COL. OS PENSADORES.

WALDEKRANZ, Rune. O realismo psicológico: herança literária do cinema sueco. In: Cinema sueco. Cadernos de cinema. Lisboa: Publicações Dom Quixote, 1969.

WALLS, A. Montenegro. Entre Sócrates e Cristo. Porto Alegre: EDIPUCRS, 2001.


quinta-feira, 17 de março de 2011

19/03: A Carruagem Fantasma (Victor Sjöström, 1921)

A Carruagem Fantasma - Victor Sjöström (1921)

Sinopse
Suécia, véspera de Ano Novo. Três bêbados evocam uma lenda que afirma que se a última pessoa a morrer no ano for uma grande pecadora, ela irá guiar a Carruagem fantasma que recolhe as almas dos mortos. Duração: 93 minutos.

Crítica: A Carruagem Fantasma (Victor Sjöström, 1921)

por Eugênio Vital
Extraído de http://olugardosangue.blogspot.com/2007/09/krkarlen-1920.html

A Carruagem Fantasma (1920) foi realizado por Victor Sjöström, um dos pioneiros do cinema mudo sueco. Baseado no romance homónimo de Selma Lagerlöf, conta a história de uma lenda sueca segundo a qual um macabro veículo que recolhe as almas dos mortos até ao Além é conduzido pelo último ser humano que morre em estado de pecado na noite do Ano Novo. Esta maldição implica ser testemunha, durante um ano inteiro, da cruel injustiça da Morte e do profundo desespero dos moribundos. Tal sorte caberá a David Holm (brilhantemente interpretado por Sjöström), um alcoólico odioso e autodestrutivo que morre momentos antes de soarem as doze badaladas enquanto aguarda com dois companheiros a chegada do Ano Novo. Assolado por um sentimento de culpa buscará a redenção dos seus pecados, mesmo estando no Além.

Um dos aspectos mais marcantes e originais da estrutura narrativa de A Carruagem Fantasma resulta da utilização de uma série de flashbacks e, até, de flashbacks dentro de flashbacks que vão desvendando, de um modo não linear ou cronológico mas antes em função dos estados emocionais das personagens, as relações que estas mantêm entre si. Através desta técnica, quase inaudita para a época, Sjöström consegue tornar o enredo do filme complexo, mas de fácil compreensão.

Do ponto de vista formal, A Carruagem Fantasma destaca-se pelo uso de uma sucessão de exposições duplas que materializam os episódios mais fantásticos: a chegada da Carruagem envolta em nevoeiro, a imagem fantasmagórica do seu condutor, o périplo nocturno do veículo recolhendo as almas dos mortos, o encontro entre o fantasma de David e a enfermeira agonizante. O êxito arrebatador que o filme obteve ficou a dever-se, também, ao domínio perfeito da montagem paralela, ao rigor demonstrado no enquadramento e composição dos planos, ao elaborado tratamento fotográfico, à excelência dos encadeamentos da acção e à subtil mistura da dimensão onírica e fantástica da história com o realismo descritivo aplicado ao mundo rural do séc. XIX.

O perfeccionismo de Sjöström e do director de fotografia, Julius Jaenzus, e a complexidade das técnicas utilizadas levaram a que o filme, rodado em Maio de 1920, só estreasse na véspera do Ano Novo de 1921 — a escolha da data não terá sido por acaso!

A Carruagem Fantasma pode ser colocado a par de outras grandes obras como Broken Blossoms (1919), de D. W. Griffith, Sunrise (1927), de Friedrich Wilhelm Murnau, ou La Passion de Jeanne d'Arc (1928), de Carl Theodor Dreyer, todos eles tributos gloriosos à dignidade de um estilo cinematográfico marcado por um carácter experimental e inovador, fruto da visão pessoal dos seus criadores.

Ingmar Bergman, que considerava Victor Sjöström um dos seus mestres, disse que via o filme pelo menos uma vez por ano.

Comentário de Ingmar Bergman a respeito do filme A Carruagem Fantasma (Victor Sjöström, 1921)

O cineasta sueco Ingmar Bergman (foto acima) disse a seguinte frase a respeito do filme A Carruagem Fantasma, de Victor Sjöström (foto abaixo).

“O considero o filme mais importante da história. O ví pela primeira vez quando tinha quinze anos. Agora o vejo pelo menos uma vez a cada verão, sozinho ou com pessoas mais novas. Vejo claramente como Körkarlen, até em pequenos detalhes, influiu na minha vida profissional.”

Victor Sjöström foi um dos antigos mestres de Ingmar Bergman e o homenageou duas vezes em seus filmes, a primeira fazendo de Victor o intérprete principal de Morangos Silvestres, como um autêntico filme "testamento" (seria a última aparição de Sjöström no cinema). E a segunda, realizaria 43 anos depois, em 2000, quando no balanço da própria vida, Bergman refletia e evocava o passado, no magnífico trabalho para a televisão, Os Fazedores de Imagens, que aborda um encontro imaginário, durante as filmagens de A Carruagem Fantasma, de Sjöström com a escritora Selma Lagerlöf, escritora sueca vencedora do Prêmio Nobel de 1904 que escreveu a obra homônima a qual o filme se baseia.

segunda-feira, 14 de março de 2011

Programação Março 2011: As Influências de Ingmar Bergman.

O sueco Ingmar Bergman é um dos maiores diretores da história do cinema. Estudar e conhecer os filmes e cineastas que o influenciaram em sua carreira é uma excelente maneira de se entender a sua complexa e magnífica obra. Para o mês de março, o Cine Clube Ybitu Katu reservou filmes dos dois cineastas, que segundo o próprio Bergman, mais o influenciaram em sua obra: o também sueco Victor Sjöström e o dinamarquês Carl Theodor Dreyer.

O Cine Clube Ybitu Katu exibe:

19/03: A Carruagem Fantasma (
Victor Sjöström, 1921)
Suécia, véspera de Ano Novo. Três bêbados evocam uma lenda que afirma que se a última pessoa a morrer no ano for uma grande pecadora, ela irá guiar a Carruagem fantasma que recolhe as almas dos mortos. Duração: 93 minutos.

26/03: A Palavra (Carl Theodor Dreyer, 1955)
Uma família de fazendeiros, unida por fortes laços emocionais, passa por momentos de tensões provocados por pequenas desavenças. Sua rotina, após retorno de um dos filhos do patriarca, é modificada pela sua aparente loucura, que tudo indica, deriva de um estudo radical teosófico, que o fez acreditar ser Jesus Cristo. Nem todos aceitam que Johannes Borgen seja demente e fanático. E essa situação estará à prova, depois que um ente querido fica doente. Adaptação da peça teatral de Kaj Munk, pastor e dramaturgo, muito conhecido nos países escandinavos, que foi assassinado pelos nazistas. A Palavra é considerado uma obra-prima dentre os filmes que exploram o poder da fé, do amor e do sobrenatural. Isso se deve a maneira "realista" e "naturalista" que enfoca o tema. Ovacionado no Festival de Veneza, com o Leão de Ouro em 1955, é considerado um dos mais belos filmes em preto-em-branco já produzidos. Duração: 125 minutos.